La botita de la Sacerdotisa.

Botita Hembra.
Botín de Sacerdotisa.
Notas explicativas de la obra y su significado:
Eje penetrativo del botín de la Sacerdotisa. La mayor intensidad penetrativa se da en el Gran Baile de la Primavera dedicado a Venus. Cópula pedestre entre el Sumo y la Sacerdotisa.(Dicen que la Sacerdotisa es la que dirige la Asociación Amigos.)
Apuntes para una Teoría del Museo:
La Otra Viuda del Artista.
El Artista es el mayor productor de amantes viudas o viudos jóvenes y bonitas o bonitos de la Historia. Amantes secretas que posan sus cuerpos y enamoran al Artista, que después de pincelar la tela quiere pincelar la modelo y la transforma en amante secreta, que termina interviniendo en la Sucesión, tras el tránsito al
mundo de ultratumba del Artista canónico. Como cuenta Le Canard de aquella amante
secreta de un gran pintor francés del siglo XX, que pintaba en la casa de su amante y le dejaba las telas de regalo y cuando ella las quiso hacer
expertizar tras su muerte por la viuda, ésta las declaró falsas de buena fe, porque nunca las había visto, y era verdad, porque habían sido creadas en la casa de la amante secreta. Y ¿como saber que todas o todos los que se presentarán fueron realmente amantes del finado? Deberán los sacerdotes sean Curadores o Profesores, entrar en datos íntimos para confirmar el tráfico carnal
del Artista? La ciencia del ADN aportará datos sobre la descendencia de las alumnas
del Artista? Los viudos vestirán de negro? Las Amantes viudas seguirán mostrando lo
suyo a los amigos del Artista finado? A la colchoneta de la modelo, la mandarán a la
tintorería para sacarle esas manchas rebeldes? Los pobres sacerdotes Curadores o Profesores se encuentran con tanta basura en sus sabias
investigaciones biográficas; tienen que amasar la porquería familiar para construir un Dogma aceptable, para sostener a su elegido y llevarlo
hacia el centro de la Sala Nacional del Museiom. Pobres los deudos, conocidos o secretos al quedar con los restos desordenados de la producción del artista y casi siempre sin beneficio por inocencia, necedad o discordia. Las familias de los Artistas sufren mucho el destrato que los mismos sufren en la Guerra
del Museiom. Y para discordia de herederosvaya esta Declaración del conjunto de deudosde Auguste Renoir para controlar a uno de ellos conocido por inescrupuloso: “La familia del pintor Auguste Renoir, hace saber que en lo que
concierne a los Derechos Morales sobre la obra del mismo, este derecho no será ejercido salvoen forma indivisible. Todas las disposiciones que sean tomadas por uno de los herederos sin el concurso de los otros dos serán consideradas
irregulares. La Familia se declara contraria a esto y hace reservas en cuanto a esta eventualidad”. Otro capítulo complicado para la recolección y selección que siempre realiza el Museiom son las ex esposas o esposos, pero de eso no piensa escribir nada el Pequeño Profesor, porque es un gran productor de EX esposas
y a esta altura está jubilado y no quiere más guerra ni guerrilla.
Análisis: bb

El Zapato del Sumo. Zapato macho.

Zapato Macho
El Zapato del Sumo.
Diseño a partir de una miniatura de porcelana representando una botita de montar de Luis XIII. Aquél Rey que creara la Academia de Francia, de la cual deriva la que padecemos nosotros. Se contempla la realización de un objeto cenicero o Chopp de cerveza inspirados en la misma, para hacernos de unos pesos y para disfrute de la muchachada drogadicta.
La Moda y el Museiom.
La Moda envejece y muere con el Hombre, es su compañera de viaje. Es el influjo inmediato de la estética invadiendo el más allá sin ninguna , salvo la estética natural o la casual. La Moda rechaza lo casual, rechaza la casualidad y se impone
como causalidad de una estética invasiva. La Moda es el pulso y la floración de la sensibilidad feliz. La Moda incluye y protege. La Moda madre es la suma de todas las efímeras temporadas donde lucíamos orgullosos el disfraz de enamorar al otro. La Moda se pegotea al Hombre y al Lugar del Hombre, donde él no está no hay Moda. La Moda excita el genital y asfixia, al quitar el aire mostrando la carne ceñida por ella. A veces la Moda muestra el sexo, a veces lo esconde y a veces lo confunde. Al niño hasta el reciente pasado la Moda lo vestía de adulto y hoy viste al adulto de niño. La Moda cambia porque está en acelerado movimiento delante del tiempo del Arte. Todos estamos en el Tiempo. Pero la Moda viaja en tren, el Hombre en bicicleta y el Arte a pie, son tiempos distintos, cuanto más rápidos más efímeros. La Moda brilla donde el Hombre la necesita y al saltar de la mano del diseño de objeto en objeto se derrama gozosa. La Moda no me entra por eso de la panza, ¿viste?. Y no me sale por eso de las orejas, ¿viste?. Y me incomoda por eso de las nalgas, ¿viste?. Pero la verdad es como dicen: la Moda es una modalidad que no incomoda, por eso de gustarte, ¿viste?. La Moda y el Arte se ven en secreto y se copian disimulando, ella se desenvuelve, se evapora, goza, flota, produce asombro, convoca la risa y el sarcasmo, fascina, enoja, enamora y desaparece. En cambio el Arte se concentra, crece para adentro, aumenta su densidad simbólica, adquiere rigidez y se prepara a seguir brillando más allá del Dogma que encarna y del Canon que lo conforma. La última Moda es el Ego todo florecido, el Super Yo rutilante de brillantina, la autoestima besuqueando al anónimo gentío. La última Moda es lápida de la anterior. El cementerio de la Moda trabaja día y noche, porque la Moda fenece de manera caprichosa, fenece a nuestro antojo al llegar el empalagoso hartazgo.
Análisis: bb

El Museiom y el Arte Moderno.

El artista en su Taller.
Friedrich
Óleo sobre lienzo. 1811.
Hamburger Kunsthalle.
El Taller del Artista es la posición de salida en el Juego del Artista.

El Museiom y el Arte Moderno.
La Obra de Arte es ante todo un objeto y como todo objeto en el País de los Hombres recolectores siempre está disponible para sus dueños, todos ellos eventuales. La
Obra de Arte pasa de mano en mano, a veces la maltratan pero en general la cuidan y la disfrutan. Suele pasar que, si el Dogma que encarna se ha vuelto odioso, la traten de destruir o esconder, pero si es una buena Obra de Arte, su estética se habrá ya derramado en muchos objetos y siempre alguno quedará para dar testimonio. Suele la clase sacerdotal considerar fuera del Dogma y del Canon también a ciertas
obras de Arte. Como pasó con la vanguardia y la Cripta del Louvre. En esa Cripta y a través del Salón se enfrentaron los planetas y cuando hubo que meter en algún lugar
a los impresionistas se los metió bien lejos: en la Orangerie y el Jeu de Paume, en el vivero de naranjeros y en la cancha para la pelota de mano, y ahora inventaron
el segmento temporal para evitar la discordia y todo se vuelve siglo diecinueve. Y con Picasso que hacemos, no entra, ¿y si el mamarracho se contagia como la horrible viruela, y degrada la Forma del perfecto Canon y tanta perfección se pierde
para siempre? Hay que crear un Museiom para lo Moderno, otra parte de la misma institución, puerta alternativa para todos los artistas que odian la Tradición: El Museo de Arte Moderno de la Ville de Paris y enseguida el Beaubourg o
“Pompidou”, ese gordito que puso toda la tela, tiró abajo seis manzanas de casas históricas y se bancó todas las críticas por lo osado del proyecto. No como Squirru al crear el Moma Mamba Moco Mama Malba Moca Macro Maco Maca Mica o sea todos
los Museos de Arte Moderno que deberán cambiar el nombre porque llegó el Posmoderno ¿O ya se fue? Hacer eso en Bs As y repetir la pelea del Louvre contra la vanguardia? ¿Qué curioso no? Si casi no tenemos nada. Y luego y encima O’donnell pidiéndole al Arquitecto Giesso que el Recoleta sea lo más parecido al Pompidou posible, y sobre todo sin poner la tela que puso el gordito francés. ¿En un asilo de ancianos al lado del cementerio?. Esto prefigura un proyecto mío en estudio y que ya expondré:El Cementerio de los Artistas.
El Museiom se especializa para mejor Recolectar: se vuelve de Arte Moderno, de Arte Hispanoamericano, de Arte Latinoamericano, del Fútbol, de Historia Natural, del Espacio sideral, de lo que sea, hasta del crimen hay. El Museiom es un museo
republicano y recolector, recolecta mediante la expropiación revolucionaria, la donación bajo presión o la cesión voluntariamente devolutiva de los valores acumulados, mediante el saqueo colonial de las criptas periféricas y a veces, pocas, mediante el pago directo con valor oro por las obras que incorpora, y que por ingresar al Inventario multiplican su cotización, volviendo ridículo el precio de compra.El Museiom es una institución distributiva y pública que distribuye
el frenesí del goce estético, pero conserva la propiedad de la fuente de donde mana: La Obra de Arte. Muestra a todos los ciudadanos los tesoros de la Cripta Nacional y por eso tiene una importancia política estratégica. El Museiom recolecta
lo que sus agentes: curadores, profesores, marchands o Jurados, le seleccionan. EL MUSEIOM ES RECOLECTOR, RECOLECTA, BUSCA, SELECCIONA Y RECOLECTA LO
SELECCIONADO, NO PRODUCE. La modesta propuesta del Pequeño Profesor, que será seguramente robada como lo fue la Universidad Nacional de Arte, es que el MUSEIOM
SEA PRODUCTOR de obra artística. Que el Museiom produzca en la República como producía en la Corte, pero sin el Dogma y el Canon del Rey como única posibilidad de creación. Artistas rentados con sus familias protegidas produciendo Arte dentro
de distintos Dogmas y variados Cánones. El Museiom del futuro debería desarrollar un área de acceso fácil para la contemplación de la Colección, teatralmente preparada para el momento de placer y otra área lejana, en una zona rural con viviendas y
talleres para los artistas rentados. Y aquí me dirán: ¿Y quién elige a los elegidos? Por concurso. ¿Y quién elige a los Jurados del Concurso? Y bueno, si no hay otro los elegiría yo. Y aquí me putearán. Pero, entre tanto, el genocidio de los miles y miles de alumnos arruinando sus carreras de vida terminará, porque se darán cuenta
que la malla de selección es ultra fina y reorientarán sus carreras hacia la muerte pasando por otro lado. ¿Y quién garantiza que no será dirigido desde el interés político? Ya sé, nadie lo puede garantizar, decía nomás, se me ocurrió y se los dije, pero por lo menos se los dije.
Análisis: bb

El Sumo.

EL SUMO
El Curador en Jefe.
En la clase sacerdotal como en toda clase piramidalmente construida existe el Sumo sacerdote.El referente, el que marca el Canon y sostiene el Dogma por él construido,
o construido por otros lejanos a esta periferia, el que reconstruye el Dogma de allá aquí y además lo explica, porque cada vez es más difícil de explicar y se empieza a notar cierto hartazgo, por la sanata en ritmo de sonata sonando sosa. El Sumo Sacerdote que reconstruye el Dogma, lo explica y logra imponer el Canon que le corresponde al mencionado Dogma. El Canon sería el conjunto de reglas o cánones que hay que practicar con excelencia para encarnar un Dogma determinado. El Sumo es el dueño de un “relato”, de un “discurso”, ficcionales ambos por supuesto, que establece el Canon de la Cripta o Museiom, esta es la otra forma de entender el Canon y que se ha practicado en la literatura desde antiguo, en este caso con “el Canon” se señala a los mejores, todos ellos ordenados como dictaba el Derecho de Precedencia, que se aplicaba en la Corte de Versalles: primero iba el Rey, la Reina, su familia y favoritos, y luego todos los otros ubicados en fila interminable según la política, la conveniencia, los títulos de nobleza, el tráfico de influencias, el acoso sexual, las coimas, el crimen y por último, el derecho y los valores personales. El Canon es el cuadro de Honor del Colegio o la Tabla de posiciones de la Liga Metropolitana o, en su defecto, son las fotos de los más buscados
por la Policía Federal. El Sumo fue Romero Brest, ese pelado grandote con anteojos de culo de botella de whisky de contrabando, después vino Jorge Glusberg, al que supe putearlo bien lindo, pero desde el ejercicio erecto de la profesión. Glusberg puro pelo mucha rosca pero que cantidad de laburo no? Jorgito que desde una cueva vanguardista ganaron la Bienal de San Pablo en plena Dictadura, nadie sabe como?
Y esto no es una ironía porque yo realmente no sé cómo lo hicieron. Y luego llegó a dirigir el Museiom haciendo osados cambios en la Cripta, antes no permitidos por los amigos de la misma, los cuales merecerán un capítulo aparte. Los Amigos de la Cripta
junto a los artistas desesperados por entrar en el Museiom echaron al Sumo y obturaron ese lugar con un economista.(El concurso de Director Artístico se baraja en lo obscuro). Hoy el Sumo podría ser Marcelo Pacheco, Curador en Jefe
de la Cripta Latinoamericana, canon privado con respaldo Oro que está por configurar otra Cripta profunda bajo una plaza pública, la cual tenía encima una obra de “Museo”
del famoso arquitecto paisajista brasileño Burle Marx.Marxista patronímico que creó una pieza con diseño de caracol que por albergar a los alcohólicos, vagos y mal entretenidos fue demolida y ahora se podría usar para validar la movida. Salvo que la transparencia pensada para la Cripta, no permita restaurar la moderna pieza de Marx. ¿Y adónde irán a parar los estéticamente incorrectos bustos de próceres que nos miran adustos desde la pelouse de la plaza?. A la Chacarita de los Bustos?
El Sumo maneja el Canon Nacional, Canon de consuelo del artista periférico. Línea paralela algo desobediente pero respetuosa del Canon central, sea de Paris,
sea de NY, sea de donde sea. El Dogma latinoamericano, un Dogma geopolítico denominado latino por los amantes, creo. Ese Dogma procura recolectar todo, para ser algo ante la Metrópolis,tiene el problema de que lo propio propio no es muy moderno,
y si lo es, es tan parecido al original que da verdadera vergüenza. Y la línea política y denunciativa, recién hoy reivindicada, antes dejada de lado y de eso puedo dar testimonio directo; esa línea política tiene el problema de que como los problemas sociales nadie los arregla, termina denunciando a todos los poderosos de todos los colores y gobiernos. Y por eso la terminan mandando al sótano. La Cripta latinoamericana privada y globalizada desplazó a la Cripta Nacional, el Museiom se está moviendo a sólo unas cuadras de distancia, los artistas y los sacerdotes ya lo saben.El Sumo es inevitable, toda clase sacerdotal que custodia, crea o modifica Dogmas, genera una jerarquía a raíz de la capacidad interpretativa diferenciada de sus componentes. No hay en mi análisis actitudes interesadas o revolucionarias,
es solamente mostrar donde mis alumnos deberán erectar.
Análisis: bb

La viuda del Artista

El Director del Museiom recibiendo a la viuda de un artista del Canon.
Dibujo realizado mediante el “Método Costera”.
Método que consiste en dibujar en el Bus en movimiento.En el Bus de la Costera Metropolitana que nos lleva a La Plata. Al llegar a destino se debe emprolijar el resultado.(Emprolijar es un verbo extraño, como empomar, y a juzgar por la viborita roja que les adjudica el corrector automático, no deben existir)
Autor: bb
Apuntes para una Teoría del Museo:
La Viuda del Artista.
El Artista es el mayor productor de viudas jóvenes y bonitas de la Historia. Se debe esto a su vida azarosa, a sus múltiples ensayos matrimoniales, a su tendencia a gozar la vida y la belleza, a ser un reverendo y obtuso tarado o, tal vez, a un
defecto profesional debido a la magnificada potencia del dispositivo de su sensibilidad. También suele producir viudas horribles cuando sus condiciones de supervivencia son más hostiles. Sea como sea en la época que sea, la desordenada
vida del Artista lo lleva a soluciones que no siempre son las mejores.
Los Artistas conforman un grupo de riesgo para las drogas, los divorcios,
el alcohol, los cuernos, la sífilis y otras enfermedades del reino de Venus.
Dentro de ese marco irregular y moralmente reprochable, el Artista al morir produce viudas, a veces una, a veces varias, a veces uno, a veces varios, como en el caso del Gordo Bergara Leumann. La viuda es quién posee la obra más íntima, el archivo, la información sensible para el Sacerdote Curador o Historiador que construirá el Dogma. La viuda certifica la obra que circula en el mercado como verdadera,
custodia los tirajes de las obras múltiples, denuncia y hace secuestrar las obras falsas, se reserva las mejores obras, las presta pero no se desprende de ellas hasta el final, le vende o dona la mejor al Museiom, tratando de que presida una Sala importante de la Cripta. La viuda, si posee mucha obra y puede gobernar a los hijos de todo tipo que le aparecen originados por el finado, la vende sin inundar el mercado, para no devaluar la cotización del Artista. Hay viudas que hacen esto y disfrutan de lo no disfrutado por el finado y hay otras que hacen cualquier cosa, como la viuda de Utrillo: llamada Lucie Valore, o sea, hasta en el apellido el problema, era una pintora sin ningún Valore que cedió sus derechos para expertizar la obra de su esposo muerto, a cambio de que el tramposo marchand Petrides,
le comprara regularmente cuadro suyos sin ningún Valore en el mercado. Ese Petrides le pagaba las pinturas a Utrillo con vino, ya que era un alcohólico desaforado. Había incluso un dicho que decía:“Un litro, un Utrillo, un litro, un Utrillo”.
La viuda de Utrillo una torpe y una tramposa, no así la madre de Utrillo, Suzanne Valadon, gran pintora bohemia, bebedora retratada por Tolouse-Lautrec, dibujada por Degas y Renoir,amante de varios de ellos pero bella y desnuda posando
para todos. Suzanne, la superviuda de los impresionistas.
bb

La mímesis.

La Mímesis
Mímesis en griego significa representación, no significa copia fiel del objeto a representar. El hombre representa la realidad de una forma especial, para que esa realidad sea percibida, obra mediante, por sus semejantes. Sin ese vínculo comunicacional el objeto no concita atención. Lo curioso es que ese objeto si conforma un Canon, o sea un paradigma formal de armonía básica tomando como umbral el sistema perceptivo del Hombre, sigue llamando la atención incluso si la obra encarna un Dogma negado por el espectador o gustador. Hay miles de ejemplos, estesería uno:Una Madonna de Rafael que representa a la Virgen con el niño puede
ser disfrutada por un agnóstico, un musulmán o un judío.
La Mímesis ha sido anatematizada por la vanguardia, debido a que el estilo
personalísimo de cada artista no podía ser replicado dentro de la lógica de originalidad que el paradigma de la vanguardia proponía. La copia mimética como sistema de transferencia de conocimientos artísticos se utilizó en toda la historia del Arte, en todas las culturas y se usa actualmente en algunas artes como la música, en la que, sin la repetición incansable de los gestos y operaciones manuales, ningún instrumentista aprendería a tocar nada. También ocurre en la Danza.
La Clase sacerdotal en su versión profesoral anatematizó el método mimético de enseñanza de las artes visuales, o sea aquellas artes más comprometidas con la mímesis, y a estos señores les quiero exponer el método “Fragó” para la enseñanza de las Artes Visuales: Fragó, método que recuerda el apodo del exquisito y libertino
pintor rococó francés llamado Jean-Honoré Fragonard.
Parece que Fragó daba clases carísimas, que consistían en que él recibía por la mañana a sus alumnos, les cobraba la clase carísima y les ponía delante un pequeño cuadro suyo que representaba una ninfa, ordenaba a su asistente que los dejara copiar sin acercarse al cuadro, y se iba a pasar el día con las putas que gustaba frecuentar, pagándoles gracias a las clases carísimas que impartía. Aprovechaba y de paso le pagaba un suplemento a la puta para pintar un cuadro de ninfas. A la
tarde, ya repuesto de la borrachera, volvía al Taller y le firmaba con su nombre al alumno que mejor ejercía la copia mimética al duplicar el Modelo. Al que mejor copiaba la ninfa. A los demás nada. Ustedes dirán que lo relatado es una estafa, un delito, que Fragó era un falsario, un traficante de ninfas, y bien, es verdad, Fragó y todos los artistas somos unos falsarios, porque lo que representamos no existe.
De alguna forma generamos un falso verdadero o un verdadero falso, el cual no hay duda que es falso, pero es verdadero para nosotros y los demás devotos del Dogma o adictos al Canon que lo encarna. Después de todo uno puede disfrutar un Buda
sin ser Budista. La ninfa de Fragó dormía todavía la borrachera ya saciada su sed de alcohol, sexo y dinero debido a clases carísimas,la ninfa que copiaba el ganador no existía, la que había pintado Frago y dejaba como modelo tampoco y la que pintaba luego de hacer el amor,tampoco y la que seguramente volvía a pintar el alumno antes de vender la segunda tampoco. Al día siguiente todo recomenzaba con el nuevo cuadro de putas o de ninfas, ya no recuerdo. Es más, estoy en condiciones de asegurarles que las ninfas no existen, solo existen las putas y las demás, como mi esposa, mis hermanas, mi madre y mi hija. Las decentes, digo, no esas ninfas desnudas y borrachas. De lo que no tengo dudas es de que ese alumno ganador aprendió en
ese único día de clases, más que nunca en toda su vida. Puso a trabajar todo lo suyo para apropiarse de la ninfa del otro y salir a venderla como si no fuera la propia sino la del otro, la cual se iba a dormir con su creador todas las tardes gracias a las clases carísimas que daba a esos aprendices de falsarios, esos estudiantes de Arte, traficantes de ninfas, duplicadores del modelo, que, al dejar de ser Uno,
da lugar al inicio de una serie que puede nunca acabar y afectar su valor de cambio. Es gracias a Fragó que muchas colecciones y Museos del Viejo y del Nuevo Mundo, tienen entre sus tesoros deliciosas ninfas de Fragonard. Los buenos copistas son válidos interpretes del Verbo. Claro el Profesor tiene que tener el valor probado sino es así, esta clase no se puede dar. Fragó hacía lo mismo que Picasso
quién declaró que cuando le traían un falso para certificar y le gustaba lo daba por bueno, lo coleccionaba para su serie. Son todos unos falsarios los artistas.
Análisis: bb

La Fe del Coleccionista.

Un Coleccionista visita a un Experto para
dotar a su pequeño cuadro de una certificación “Experta”.
Dice el Experto: “Con una expertización de 100 francos,
vuestro cuadro es una mala copia del siglo diecinueve,
con 5000 francos es una escena de género del siglo XVIII
en el estilo de Watteau y por 100000 francos Usted se convierte
en el feliz propietario de una obra Maestra del Maestro citado.”
Chiste aparecido en el Dossier du Canard. Paris 1984.
Dossier dedicado al sistema del arte.

Apuntes para una Teoría del Museo:
La Fe del Coleccionista.
Pretender que el Coleccionista es un actor del famoso sistema del Arte (o Museiom según yo lo denomino), un actor prácticamente secreto, que con su afán privado
no molesta a nadie, y que su acto de coleccionar nace de tendencias individuales fuera de la óptica pública es, o no haber comprendido nada, o ser cómplice de todo.
Todos los hombres como buenos recolectores que fueron, siguen coleccionando objetos, dinero, hombres, mujeres, caballos, aplausos, empresas, perros, estampillas, armas, arte, miniaturas, plantas, animales, enanos de cemento, camisetas de fútbol,
chapitas, caracoles, libros o cualquier cosa que se les ocurra y que no pueda ser consumido de inmediato, como es el caso la comida, la bebida, el sexo casual y las drogas. Todos coleccionamos. Algunos coleccionan hasta problemas y enfermedades.
Y el grupo, la especie, la humanidad o la sociedad también coleccionan; acumulan la colección del Recolector, acumulan, selección mediante a lo mejor de todo lo encontrado, muestran lo más taquillero, mandan al sótano aquello que ya no conmueve o interesa. Todos coleccionamos. Incluso todos fabricamos o parimos o imaginamos
lo que coleccionan los demás y coleccionamos también nosotros. El coleccionista se coleccionaa sí mismo, colecciona aquello que de alguna forma le demuestra que todo tiene sentido, aquello que con su simple presencia hace que la angustia existencial
se torna ridícula, o por lo menos impertinente y grosera.Los ciudadanos coleccionan ávidamente lo que produce el Estado: el Dinero. El Dinero, ya sin el respaldo Oro,
debe a la Fe que le profesan los que lo coleccionan, su verdadero respaldo. Esa es la Fe del Coleccionista.La Fe en el propio juego. El dinero se colecciona por cantidad. El Arte por calidad. El Coleccionista da valor al distinguir
y guardar. Al usar el dinero que es un valor en movimiento en algo estático como el valor estético, el coleccionista multiplica ese valor más que si el valor dinero hubiera seguido en movimiento. Pero lo que más le interesaes la momificación en la memoria colectiva, dejando su colección, como marcación perfecta del disfrute
de la propia vida y de las cosas que la hicieron gloriosa.
El Estado colecciona el Arte que llega al Museiom, y los niños coleccionan las estampillas que emite el Estado, esos pequeños valores postales, que valen
millones cuando muestran rareza al ser pocos o al
tener fallas. Los sellos postales que tienen errores de impresión valen mucho más que los perfectos. El Error también se colecciona.
Análisis: bb

Reglamento Termodinámico del Juego del Artista.

Artista, galerista y Jurado.
Fichas del Juego del Artista.

Del artista
1- El artista constituye la pieza más interesante de todas, si exceptuamos a todas las demás que componen el juego.
2- El artista es un personaje cautivo a pesar de su aparente libertad. Esta última se le otorga para que trate de salir de su cautividad social.
3- El artista, sea hombre o mujer, puede utilizar su belleza sexual para acosar e incluso seducir a los mediadores ( Profesor, Marchand, Curador y Jurado de Arte).
4- El artista se hará cargo de todos los esfuerzos, sean personales o económicos. Los beneficios físicos o simbólicos deberá socializarlos.
5- Para el artista sus colegas son verdaderos hermanos, los cuales se transforman en verdaderas suegras cuando la sociedad comienza con la selección higiénica necesaria.
6- Si el artista decide no cumplir con su función de Artista, podrá elegir profesar el rol de cualquiera de los demás personajes del juego. Esta traición profesional no
será condenada, al contrario, podrá ser alentada para mejor completar la selección higiénica necesaria.

Del Profesor de Arte
1- El Profesor/a de Arte es un funcionario del Estado y por lo tanto no gana mucho dinero. Es por esta razón que su personalidad es del tipo depresivo y su humor
irritable.
2- El Profesor/a de Arte puede enamorarse perdidamente de un/a artista. Si la artista no le corresponde en su amor, el Profesor/a de Arte puede volverse loco y suicidarse.
3- El Profesor/a de Arte debe enseñar cosas difíciles para comprender o realizar. Porque es a partir del fracaso académico que él puede hacer la selección higiénica
necesaria.
4- El Profesor/a de Arte que es Profesor para ser Artista con sueldo de Profesor/a de Arte, debe en la más recoleta soledad resolver esta contradicción marxista.
5- El Profesor/a de Arte debe profesar todas las disciplinas que el Arte necesita. Si acaso el Arte no necesita ninguna, el Profesor/a de Arte puede profesar la indisciplina permanente.
6- El Profesor/a de Arte transmite y selecciona cuando su interlocutor no recibe lo transmitido.
7- El Profesor/a de Arte sabe. Por titulación pública el saber lo acompaña hasta la jubilación. En ese momento su saber transmigra al Ministerio de Educación, el cual lo redistribuye entre los nuevos titulados.
8- Si el Profesor/a de Arte decide no cumplir con su función selectiva puede
decretar la excelencia de todos los artistas. Será responsable en este caso de la
superpoblación de artistas.

Del Jurado de Arte
1- El Jurado de Arte puede ser corrupto si su naturaleza se lo demanda. Conviene al Artista conocer la inclinación moral del Jurado interviniente, antes de participar en el Concurso donde se hará la selección higiénica necesaria.
2- El Jurado de Arte debe tener preparadas todo tipo de argumentaciones para
fundamentar sus fallos; sean éstas reales, imaginadas, pertinentes o caprichosas.
3- El Jurado de Arte no puede sentir piedad por nadie salvo por sus amigos.
4- El Jurado de Arte debe cobrar buenos honorarios, pues la selección higiénica que él realiza suele traerle problemas que deben ser indemnizados.
5- El Jurado de Arte premia y al hacerlo distingue a sus elegidos.
6- La medalla que premia es una moneda que distingue al valor premiado. Es una moneda que no tiene curso legal, es por esto que los artistas prefieren los premios en moneda común a los premios en moneda de homenaje.
7- Si el Jurado de Arte decide no cumplir con su función selectiva, puede otorgar el Gran Premio a todos los artistas. Será responsable en ese caso de la diferencia
financiera que exista, entre el presupuesto asignado para premios públicos en condiciones selectivas y, lo necesario para poder realizar la socialización democrática de la excelencia universal.

Del Marchand de Arte
1- El Marchand de Arte debe interesar al público en su pupilo artista. Sea éste interesante o no.
2- El pupilo artista debe fingir sometimiento con respecto al Marchand de Arte. El cual tratará siempre de someterlo psicológicamente.
3- El Marchand de Arte debe poder transformar las monedas de homenaje (medallas) que el pupilo artista posea, en monedas de curso legal. Para ello deberá convencer al
cliente de la conveniencia de la transacción.
4- El Marchand de Arte podrá aprovechar todas las lagunas de este reglamento para mejor desarrollar su cometido.com.
5- El Marchand de Arte colecciona pupilos artistas para que sus clientes coleccionen obras de Arte.
6- El Marchand de Arte cobrará un porcentaje equivalente al grado de sometimiento que ha logrado con el pupilo artista.
7- El Marchand de Arte será el nexo entre la codicia del cliente y la miseria del pupilo artista.

Del Curador de Arte
1-El Curador de Arte debe ejercer su autoridad desde una plataforma teórica inalcanzable para el Artista.
2-El Curador de Arte tiene la doble función de Curador y de Crítico de Arte. Esta última deberá ejercerla desde la tribuna inapelable de los medios de comunicación.
3- El Curador de Arte tendrá el deber de Prologar. Su palabra prologante deberá abrir la puerta a la comprensión de la obra de los artistas.
4- El Curador de Arte deberá producir bibliografía de dificultad creciente, a medida que el Artista vaya accediendo a la comprensión de la misma.
5- El Curador de Arte debe ser consciente que su condición lo convierte, en la garantía estética para las inversiones públicas en materia de Arte.
6- Ser una garantía no garantiza la felicidad. Pero, a pesar de esto, el Curador de Arte garantiza y selecciona no garantizando a los demás al acompañar solamente a su
elegido.
7- El Curador de Arte garantiza la calidad del Tesoro y se transforma en su custodio.
8- Si el Curador de Arte decide no cumplir con su función selectiva, puede garantizar la excelencia de todos los artistas. Será responsable en este caso de la
superpoblación de artistas en los museos.
Autor: BB

El Juego del Artista.

El Juego del Artista
Presentado hace años en la galería Ática por el Pequeño Profesor, El Juego del Artista es una herramienta insustituible para la enseñanza de la práctica del Arte, o la forma de practicar el Arte sin morir en el intento. Aunque eso de morir o fracasar o ser comido está muy presente en el Juego del Artista, al ser un juego genocida dado que aniquila en la selección compulsiva al 80 por ciento de los aspirantes. El desarrollo del Juego comienza en el Taller del Artista que es donde
se lanzan a su carrera profesional los miles y miles de artistas, representados en este juego por cinco solamente. De allí pasarán a la Escuela de Arte donde los come el Profesor de Arte, la siguiente estancia es el Salón de Arte donde son eliminados por el Jurado de Arte, luego la Galería de Arte con el Marchand de Arte y al final el Museo de Arte o Museiom, regenteado por el Curador. La brutal selección de este simpático juego se ve potenciada porque en cada etapa, obligatoriamente hay un artista que queda fuera de juego y los sacerdotes del Arte, curador, jurado o el que sea, no pueden ser comidos por los artistas. Existe un Reglamento Mecánico que es aquél que efectivamente permite realizar, o jugar el Juego y otro, el Reglamento Termodinámico, que ayuda a desentrañar la espesura simbólica impenetrable, levantada por el Museiom para engañarnos a todos, y hacernos dar la vida trabajando a su servicio exclusivo para llenarlo con el mejor Arte conocido. La vida encriptada en el Arte para acompañar a los difuntos. El tablero tiene la forma del caracol marino llamado Nautilus, dado que el juego tiene un carácter formal de laberinto y marca un camino espiralado hacia el interior de sí.
Reglamento Mecánico
En el Juego del Artista intervienen dos jugadores. Uno mueve a los cinco artistas participantes y el otro a los cuatro mediadores: el Profesor de Arte, el Jurado de Arte, el Marchand de Arte y el Curador de Arte.
El objeto del primer jugador es lograr que uno de sus artistas llegue al Museo y logre consagrar su obra artística. El objetivo del segundo jugador es impedir que ello suceda.
Reglas generales del Juego:
1- Para los movimientos de ambos jugadores el juego se vale de un dado. Comienza el que gobierna a los artistas.
2- El número que marque el dado servirá para el movimiento de una de las piezas, no pudiéndose repartir entre dos del mismo bando.
3- Los artistas no pueden retroceder en su movimiento siendo obligatorio mover una pieza en cada tirada de dados.-
4- Los Mediadores pueden moverse hacia los artistas a fin de comerlos, o retroceder hasta su posición original, pero sin sobrepasarla en ningún caso.
5- Los Mediadores mientras retrocedan a sus posiciones originales, no pueden comer a los Artistas.-
6- Los puntos obtenidos con el dado no pueden repartirse entre dos jugadores, debiéndoselos emplear para moverse en un solo sentido.-
7- En todas las etapas los artistas deben llegar a los lugares posteriores a cada Mediador que estén libres, mediante un tiro exacto de dados.- En dicho lugar permanecerán hasta que se completen dichos lugares, o hasta que no quede ningún artista en juego en la etapa en cuestión.- En estas posiciones son invulnerables.-
8- Primera Etapa: Comprende desde el Taller de Arte hasta el Instituto de Arte. De los cinco artistas iniciales sólo egresarán como máximo cuatro del Instituto y serán los que lleguen primero a las cuatro vacantes posteriores a la cátedra del Profesor de Arte .-A partir de esta posición se habrán recibido de Profesores de Bellas Artes.-
9- Segunda Etapa: Nuestros Artistas compiten entre sí para obtener los tres primeros premios en un Salón de Arte. El Jurado muy exigente tiene por misión dejar desiertos los primeros premios, salvo que las obras los merezcan realmente.- Como pueden ver, como máximo sólo habrá tres Artistas premiados. Si en la pugna figuraran cuatro, uno quedaría fuera de carrera.
10.Tercera Etapa: En esta etapa los Artistas serán tentados por el Marchand a vender sus obras. Este Mediador busca compradores para las obras de los Artistas para que tanto estos como él mismo obtengan ventajas económicas en la venta de las Obras de Arte.- La acción de “comerlos” equivale a impedir la llegada de las Obras al Instituto de Arte. Esta etapa sólo puede ser alcanza como máximo por dos Artistas, si hubiere quedado en la misma un tercer Artista este es automáticamente retirado del juego.-
11. Cuarta Etapa: Esta es la última etapa del juego, la consagración o no de un único artista si es que en la etapa anterior no hubiera quedado en carrera ningún Artista. El Curador de Arte tratará de exigir al máximo la calidad de las obras a ingresar al Museo. Sólo una como máximo será digna de ser aceptada, siempre que el Curador no “coma” a los concursantes que aún estén en carrera.-
12. Vencen los Artistas, si uno de ellos logra ingresar su Obra al Museo. Vencen los Mediadores, si ningún Artista logra llega a exponer su Obra en el Museo.-
bb

Las Medallas de los artistas.

Ptolomeo Primo. Creator Museiom.
Pintura alla Prima
sobre placa de yeso.
Medidas: las de la Hoja Nro: 3
de la Carpeta Rivadavia.
Autor: BB
Apuntes para una Teoría del Museo:
Los historiadores de la Medalla coinciden en que en el Imperio Romano,las monedas, acuñadas en el Templo de Juno Moneta, eran de curso ordinario y las medallas de curso extraordinario. ¿Qué quiere decir esto?: que las monedas circulaban siempre y las medallas eran acuñadas para eventos especiales por los poderosos, los cuales las tiraban al populacho, o al aluvión zoológico, o a la plebe, o a el pueblo llano, o a la negrada, o a la clase trabajadora, según sea la manifiesta tendencia ideológica
del Señor Lector. En esas medallas aparecía la efigie del donante, normalmente un Garca de lo peor, y valían por el metálico precioso o semiprecioso que pesaba, la imagen del Garca no les agregaba nada. Esas “monedas” especiales servían también para pagar el valor de los soldados, valor con valor se paga y por extensión, con medallas se pagaron miles de actos distinguidos, precisamente con medallas. En
el Arte se han dado medallas desde antiguo, los Salones y Bienales dieron siempre medallas hasta que, por no tener presupuesto para comprar metálico precioso, no haber quien modele bien una medalla o ser estéticamente incorrecto marcar una competencia con un símil moneda, o sea con Oro, ya no se entregaron más. Incluso los artistas “a la mode” ven grasa eso de andar repartiendo medallas y diplomas
como si del Cuadro de Honor se tratara. Ahora, si reparten oro contante y sonante, dólares o euros, no hay problema con esos pruritos de artistas mantenidos, pero que no se note. A mí me tocó el reino de la Medalla y si me pongo todas parezco un General latinoamericano en el Día de la Patria. La Medalla señala el mérito y el mérito es un Honor que no paga la canasta familiar del artista, que de esposas y
ex esposas sabe tanto como el que más pero gana menos. El Premio al artista implica marcarlo al distinguirlo. Si es con Oro mejor y sino, que vengan las medallas, monedas de ocasión, pero que sean de Oro que valen lo que pesan.
O sea, que si el valor estético se paga con Oro no quieran pagarlo con Honor, que para sentir frío y honor al mismo tiempo hay que tener una Fe infinita en lo que uno hace.La Medalla dos siglos atrás, era un hito en la vida de un artista,era un escalón imprescindible en la escalera del escalafón académico, hoy ni se mencionan llegando a desaparecer el oficio de medallista. La medalla fue anatematizada por la
clase sacerdotal, y pensar que las llevan en el pecho millones de fieles y enamorados en todo el mundo.
Análisis: BB

La Fe en el Dogma.

La Fe en el Dogma
La Fe es el único combustible para transitar la vida del Hombre y de la mujer también, es algo muy apreciado, esquivo y cambiante.Ya los griegos tenían a sus Dioses jerarquizados por las plegarias y las ofrendas y los sacrificios que les hacían en su nombre. La Fe es el combustible del Hombre y la plegaria el combustible de los Dioses. El Amor es Fe errante, cansada de encarnar Dogmas ajenos y decidida a la adoración de la propia elección hasta el final.Todo Dogma necesita manifestarse en el Arte y el Arte lo hace vivir después de muerto. En la Edad Media el Museiom era la Catedral, con sus torres y fachadas, sus campanas, vitrales, gárgolas y arbotantes, sus bóvedas de crucería, sus arcos apuntados y sus transeptos, sus
pinturas desvanecidas, sus altares con criptas debajo, los coros tallados en maderas nobles y los púlpitos, árboles para la Palabra. Todo hecho con Arte, para el Cristo y toda su gran familia también. Los retablos, pájaros de alas de maravilla donde viven las Historias Verdaderas, no aquellas que se deben contentar con las gárgolas
que regurgitan en forma grotesca, las lluvias de la techumbre de bronce o de cerámica policromada como la Catedral de Viena, allí donde detuvieron al Turco, ayudados por el Conde Dracul.¡Qué hermoso Museiom armó la Edad Media! Con matroneo
y claristorio, con la bóveda de cañón y la de arista, con deambulatorio, capilla radial y contrafuerte. Museiom con baptisterio incorporado y en sus puertas, las Puertas de Paraíso.Tímpanos, ambones y fajas, ménsulas y capiteles, portales con Mandorla, arquivoltas y parteluz. Y para arcos abundan los de medio punto y los apuntados y les siguen los en herradura, lobulados y conopiales. Museiom partido en naves y con naves de crucero. Las catedrales son naves invertidas como la nave que se ponía a los pies de la Pirámide. Pirámide que hoy marca la entrada a la Cripta del Louvre. La Catedral y sus libros sagrados, todos miniados, llamados así por el rojo a base de minio, los Salterios, los antifonales, los Libros de Horas, y los Libros raros o peligrosos, los Bestiarios y los Herbarios. Y con el claristorio y el triforio, me voy despidiendo de las nervaduras con formero y armadura, y de las esculturas que marcan con donaire los puntos de unión del gran derrame de fuerzas y pesos desde las torres al atrio llano, me despido que ya las fichas de la cátedra de Edad Media se están agotando y el lector, cansando.

La Vuelta al Museo del Louvre.

Ratón de Cripta
Dícese de aquel roedor que vive y muere dentro de
la Cripta del Museiom. Su pelambre es clara por la
casi ausencia de luz en ese, su lugar natural, los motes
dorados resultan de su dieta basada en los sobredorados
de las obras de Arte que engalanan la Cripta del Museiom
y el tono rosa fuerte es de ingerir los lacres que sellan las
partes más sensibles de la Cripta. Su único pie lo obliga
a dar ridículos saltitos en la oscuridad, y su característico
y nauseabundo
olor a patas, es utilizado para la línea de perfumería de la
clase sacerdotal, por pensar sus integrantes, que los
olores de Cripta aluden a las transformaciones necesarias
para llegar al ultramundo. Otros dicen que son en realidad
académicos operados quirúrgicamente para resistir los
rigores de la Cripta, y poder así alimentarse del Arte que
nunca podrán crear.
Zoólogo aficionado: bb
Apuntes para una Teoría del Museo:
La vuelta al Hogar. La Vuelta al Museo del Louvre.
En 1806 Napoleón Bonaparte echa a los artistas del Louvre. Los protegidos del Rey, como esa escuela de arte para los niños pobres con destreza manifiesta: L’Ecole de les éleves protegés du Roi,se encuentran a la buena del Dios Sol y deciden gozar la libertad paraconstruir diversos Dogmas y Cánones en franca controversia, método
que será llamado vanguardia. Pero al tener como nuevo cliente a la burguesía industriosa, la nueva celadora de la moral pública, verdadero Dogma republicano, el artista se volvió nostálgico al recordar al Louvre. Sobretodo cuando trataban al trabajo de los artistas como objetos de lujo, a lo que Degas les replicaba:“De lujo para Ustedes, para mí son objetos de primera necesidad”.O como decía Toulouse Lautrec, al acercársele un guía de Museo a ofrecer sus servicios. “¿Para qué lo necesito? Si al Louvre lo hemos hecho nosotros?”. Es muy cierto lo que decía el señor Conde Toulouse-Lautrec-Mofa Tapié de Celeyran, noble francés perteneciente a una de las familias más antiguas de Francia,enano discapacitado por pycnodysostose en sus miembros inferiores, debido a la consanguinidad de sus padres que eran primos hermanos y dipsómano perdido entre las tetas de las rameras, también de Francia. Tenía razón el Señor Conde, al Louvre lo han hecho los artistas, los mejores albañiles,arquitectos, grabadores, carpinteros, los mejores ceramistas,
pintores, escultores y tapicistas, los mejores diseñadores y modistos, vitralistas, tapicistas y estuquistas, talladores y doradores, los mejores ebanistas, espejistas y dibujantes y todos los demás que quieran agregar.
Todo eso pagado con la plusvalía del pueblo llano y para el goce y disfrute de un Rey boludo rodeado de putitas.En realidad el Louvre es de los artistas, Napoleón nos echóy como fuera de casa hace un frío espantoso es hora de volver al hogar, no era el Palacio de Invierno el que había que tomar, era el Palacio del Louvre, la Cripta máxima junto al Brithish Museum, ambos con tesoros de todas las criptas del
Tercer mundo. Hay que volver a casa pero ahora el portero no es el Superintendente de Edificios, ahora es el Curador el que nos recibe. Ayyayyayy! Porqué no le hicieron caso a Cèzanne, si ellos son devotos de su Dogma, cuando decía:“Cuando van a poner un artista a la cabeza del Louvre?”. Nunca, teniendo en cuenta que en nuestra Cripta periférica tenemos un Director que es economista, lo cual recuerda que en el Partenón detrás de la escultura de Atenea estaba el Tesoro de Atenas, o sea el Oro necesario en toda Cripta. La Clase Sacerdotal también se especializa en valores de cambio, son el sustituto a las obras de arte que encarnan Dogmas carentes de Fe.
Análisis: bb

La Academia de Bellas Artes.

La Academia de Bellas Artes.
La Real Academia de Pintura y Escultura de Francia, fue fundada en 1648 tomando como modelos las academias italianas, como la Academia de San Luca en Roma. La Academia di San Luca fue fundada en 1593 por F. Zuccari, que fue su primer Príncipe (Director). Tuvo el patronazgo papal, que controló la institución. La Academia fue dedicada desde principios del siglo XVII al evangelista San Lucas, como protector de los pintores, ya que según la leyenda San Lucas fue el autor del primer retrato de la Virgen María. La institución tomó el modelo de la antigua Universidad de Pintores, Miniaturistas y Bordadores (Università dei Pittori, Miniatori e Ricamatori), corporación de maestros cuyos estatutos y privilegios fueron renovados por Sixto IV en 1478. Por lo tanto todas las opiniones que dicen o dijeron que la Universidad Nacional de Arte, propuesta por el Pequeño Profesor antaño y publicada en dos oportunidades, es una institución que atenta contra las tradicionales, históricas, clásicas, sanas y antiguas instituciones de enseñanza del arte; son verdaderas tonterías, dado que la institución más antigua es justamente una Universidad de Pintura. Con eso también caen los argumentos para la creación de un Instituto Universitario Nacional de Arte y no de una Universidad, pues argumentaban que era necesaria ”Universalidad de Conocimientos”. Otra pavada, la primera Universidad ni siquiera era de Arte, era de Pintura, así solita la pobre.
Otra cosa es el desastre que han hecho del IUNA los animales que lo dirigen.
En 1620, Urbano VIII concede el derecho a la Academia di San Luca de establecer quién
podía ejercer como "artista" en Roma y la capacidad de poder tasar las obras de
Arte y el monopolio sobre todas las comisiones públicas de los Estados Pontificios.
Con el curso de los años la autoridad papal tendrá siempre el control de la institución.La Academia tenía la finalidad según muchos críticos de dar una alta educación a los artistas, pero al mismo tiempo ejercer sobre ellos el control directo de la Iglesia.En Francia, Richelieu crea la Academia de la Lengua primero y Colbert luego moderniza el sistema de control y producción del Arte, para la glorificación del Monarca. La Academia de Pintura y Escultura adquiere su máximo poder bajo la dirección del Pintor Charles Le Brun, quién optimiza el funcionamiento de la Academia, estableciendo la cantidad de miembros, sus atribuciones y privilegios y un estricto sistema de educación. Se crearon muchas Academias y ellas fueron copiadas en todo el mundo occidental. La Academia como controladora del gusto se quedara huérfana de árbitro, cuando cierren los ojos del Monarca mediante la guillotina. También quedara huérfano el artista rentado y deberá navegar la pobreza, la bohemia romántica, el ajenjo, la locura y los caprichos de la burguesía. Nuestra Academia tiene un presente muy triste: todos sus miembros son declarados vanguardistas que en su accionar profesional han proclamado su desprecio por lo académico, pero terminan sentándose en el sitial de sus supuestos enemigos conservadores, con la intención de controlar el acceso a la Cripta. Es por eso que editan los enormes y aburridos tomos del Libro de los Muertos del Arte Nacional,
estableciendo un relato, que más que relato es un libreto interesado,para sostener la hegemonía de sus miembros ya secos y mustios.
Análisis: bb

La Musa Cangreja.

La Musa Cangreja.
Pintura alla Prima
sobre placa de yeso.
Medidas: las de la Hoja Nro: 3
de la Carpeta Rivadavia.
Autor: BB
La Musa Cangreja hace como sus primas las Parcas,
corta un hilo vital, las Parcas cortan el de la vida
y la Musa Cangreja corta el hilo de devoción entre
los Dogmas y sus creyentes devotos, y en ese momento
el Arte que interpretó a ese Dogma caduco, solamente
se sostendrá si la interpretación del Canon, que hizo
el artista es la correcta por oposición a lo ya consagrado.
Apuntes para una Teoría del Museo:
El Louvre, la casa de los artistas.
Como ya está acreditado, fue Enrique IV quién les otorgó a los artistas alojamiento, ayudantes y talleres en el Palacio del Louvre en 1608.Cuando Louis XIV se mudó a Versalles y Louis XV se radicó definitivamente, la burocracia siguió a la Corte y se instaló en los edificios enormes, que reciben a izquierda y derecha al visitante
cuando llega a Versalles. Abandonado entonces, el Louvre fue copado por las Academias y su gobierno recayó en un Superintendente de Edificios, el cual fue desde ese momento el Dictador del antiguo Palacio.Chardin, Boucher, Fragonard y muchos, muchos desconocidos habitaron el palacio del Louvre, donde se exponían las colecciones de vez en cuando y se desarrollaba el Salón, verdadera “machinne à medailles”, máquina de producir medallas y vestíbulo para el Premio de Roma,con pensión completa en Villa Medicis o el Premio Velázquez, en el Palacio del mismo nombre en Madrid. En estas breves efemérides se puede constatar lo dicho, corresponden a la vida del gran pintor Chardin:
1724: Se recibe de Maestro Pintor en la Academia de San Lucas.
1728: Admitido a la Real Academia de Pintura y Escultura.
1743: elegido Consejero de la Academia.
1752: Primera pensión de 500 libras.
Sus pensiones seguirán subiendo hasta
1400 libras anuales al final de su vida.
1755: Elegido Tesorero de la Academia.
1757: Obtiene de Marigny, Superintendente de Edificios,
un alojamiento en el Louvre.
1774 Renuncia a su cargo de Tesorero de la Academia
por estar en desacuerdo con la nueva organización del Salón
y a partir de ese hecho comienzan sus problemas
1778: Trata de conseguir una jubilación como Tesorero en vano.
1779: Muere Chardin
Adieu Maître.
Análisis: bb

Tucán de Museiom

Tucán de Museiom
Pintura alla Prima
sobre placa de yeso.
Medidas: las de la Hoja Nro: 3
de la Carpeta Rivadavia.
Autor: BB
Apuntes para una Teoría del Museo:
El Museo del Louvre y del Bicho también.
El Museo del Louvre albergó artistas y los dotó de talleres y artesanos a cargo desde temprano, fue Enrique IV quién les otorgó alojamiento y talleres en el Palacio en 1608. Además de eso se les empezó a otorgar pensiones anuales en libras y todos estos fastuosos acaudalados hicieron de asesores desde lo artístico para cualquier emprendimiento, conservadores (Concierge: conserje) de las colecciones reales, Jurados de concursos de precios para las grandes obras artísticas del Monarca, cobrando las eternas comisiones por izquierda, Jurados en los Salones anuales donde se mostraba en realidad el trabajo de toda la Corporación, fueran los privilegiados o los ninguneados, los cuales con el tiempo terminarán con esta dictadura de la Academia. Porque la Academia era en realidad el organismo de control del Grand Goùt.
Los artistas rentados y alojados por el Rey eran destinatarios de encargos
personales de toda la Corte, además de los encargos del Monarca, Corte que a su vez replicaba en realidad el Grand Goût del Monarca. El ojo Real ve y a través de él, ve también el Artista lo que debe pintar para que el ojo real siga viendo, como dice aquél poema del Pequeño Profesor, poema que trata de de España en una época, la Barroca, donde el estilo cortesano era internacional:
Don Velázquez y el ojo Real.
-Velázquez pinta al Rey. Lo pinta a Él y a todo lo que su ojo ve y ama. Pinta a su mujer, a sus meninas, sus infantes, sus conquistas militares, sus bufones y pinta también a sus perros. Pinta al Rey solamente, pintando todo lo que el ojo Real ve y ama.
-Velázquez pinta al Único que lo deja pintar y vivir holgadamente. Al único en esos tiempos, que podía igualar la destreza de pincel con la destreza de espada.
-Velázquez pinta todo lo que el ojo del Rey señala como digno de la destreza de pincel, que es lo mismo que la destreza de espada defendería si se lo señalaran.
- El ojo del Rey señala lo por Él ya visto para volver a verlo, y para que todos los ojos posteriores sepan lo que Él veía al verlo pintado.
-Velázquez pinta sin ver; y de esa forma su destreza ciega se vuelve más precisa. No necesita Velázquez ver lo ya visto, sólo debe recordarlo con su pincel.
- Nosotros no vemos ni a Velázquez ni al Rey. Vemos el recuerdo de lo que Velázquez no vio nunca. Vemos lo visto por el ojo del Rey. Vemos desde el ojo Real.
- Desde el ojo Real la serenidad es soberana. Nuestra obediencia hacia todo lo visto se calma, quedando sólo lo visto por el ojo Real que ve amando. Lo que hemos visto odiando no fue pintado por Velázquez.
-Volver a ver lo amado por el ojo Real, es no ver lo que hemos visto odiando. En ese momento, de todo lo por nosotros visto solamente lo amado es soberano.
- Tal vez el ver lo amado y luego recordado con destreza, sea la forma de lograr la serenidad, para seguir recordando todo lo que hemos visto odiando, mientras vivíamos con destreza, amando.
Alfredo Benavidez Bedoya.

Lechuzón en el Museiom.

El Modelo del Museo del Louvre.
El Museo del Louvre es el modelo por antonomasia para todos los museos del mundo.
Es un Museo expropiatorio de los tesoros del Rey, al que mataron. Es por tanto un
Museo Republicano y expropiatorio de tesoros reales y de los saqueos coloniales
del siglo XIX. Y es por lo tanto un modelo difícil de copiar si no se tiene a quién
expropiar o a quién colonizar. El Museo del Louvre no fue construido como Museo sino como Palacio, como nuestro Museo de Arte Decorativo, antiguamente Palacio Errázuriz, en cuyas dependencias de servicio remozadas, anidó la Academia Nacional de Bellas Artes, institución copiada de: La Real Academia de Pintura y Escultura de Francia. El Palacio del Louvre, desarrollado a partir del castillo medieval, era incómodo para la Corte y peligroso en medio de una ciudad que siempre fue irrespetuosa con la realeza. Es por eso que Luis XIV decide llevar la Corte a Versalles, a los antiguos cotos de caza y construir allí un Palacio que se transformará en un modelo de Palacio para los Monarcas Absolutos. Lo construirá a partir del Pabellón de los ciervos,lugar donde los reyes tenían escondidas a sus amantes. El Palacio del
Louvre fue abandonado por el Rey. ¿Quién lo ocupó? Las Academias. Lo mismo que nuestro Museo de Arte Decorativo, que ocupa un Palacio donado en 1930 al Estado Nacional por el aristócrata chileno Mario Errázuriz casado con Josefina de Alvear. En nuestro país la clase aristocrática dona Arte o Museos para llenarlos de Arte, antes de ser expropiada y la Academia, invariablemente ocupa un lugar vacante y prestigioso. El prestigio, es el combustible del poder normativo de la Academia y para tener Poder y Prestigio hay que estar cerca del Poder, es por eso que el Estado Nacionalle paga todos los gastos a la Academia de Bellas Artes y los académicos
hacen lo que quieren con nuestro dinero. ¿Qué tal? Habría que ver si ese Palacio no es un legado con condiciones que no se cumplen… ¿Que tal si en el legado no estaba que podía, en las dependencias de Servicio, anidar la Academia de Bellas Artes?
Análisis: BB

El Libro de los Muertos.

El Libro de los Muertos.
Según el artista Jorge Macchi, al cual pude conocer cuando comenzara su meteórica carrera hacia el Museiom, las cajas y coberturas que diseñara para el Catálogo del Museo de Bellas Artes son una metáfora o concepto. El mármol nos remite al Siglo XIX o al clasicismo y el cemento al Siglo XX, todo según el Diario Clarín. Ocurre que con lo volubles que son los Dogmas, desde que el Arte Conceptual basara su existencia en ellos, tanto el mármol como el Cementum (material propio y característico del mundo romano, no solamente del siglo XX, antiguo material producido aquí por la Faraona de la Cripta de Puerto Madero), son también materiales para la arquitectura funeraria; lápidas y criptas y bóvedas de cementerio llevan esos materiales y el bronce también. Una elección conceptual perfecta pues las letras
talladas remiten al Epitafio que resume una existencia. Mármol y Cementum monumentales para la Cripta del Museo de Bellas Artes. Caja y coberturas protectoras contra el tiempo para guardar las palabras y las imágenes del Libro de los Muertos, Catálogo del Tesoro de la Cripta del Museiom. El Libros de los Muertos egipcio, compuesto por fórmulas mágicas herméticas para poder desempeñarse en el Inframundo y con plegarias para sostener desde aquí al difunto, es el lugar de la Palabra y la Imagen, es la Biblia,el Libro de los Muertos Tibetano, el Nuevo Testamento, la Tablas de Moisés, El Capital de Carlos Marx, la Constitución Nacional, el Kama Sutra, y cuanto Libro Sagrado o de memorias puedan agregar. Este Catálogo muestra el
Tesoro de la Cripta a todos y le sirve a la Clase sacerdotal, para justipreciar
la calidad de esta Cripta periférica con respecto a las Criptas centrales. En general tratan de remedar un relato aceptable por semejanza con el Centro conalgunas posturas distintas pero obedientes. La Colección replicada y coleccionada en un Libro donde los artistas ya muertos y los que morirán muestran su magia para el Gran Viaje. Estos Libros o Catálogos de las distintas Criptas deberían ser objeto de un estudio comparado,porque nos darían consonancias y disonancias y formarían el mapa global de todas las Criptas unificadas. En realidad todo lo que se escribe sobre el Arte coleccionado o no coleccionado en no importa que parte, sea arte presente o
arte pasado; todos los millones de artículos, revistas, folletos, guías, libros de
Historia, manuales básicos o disparates como el que están leyendo, conforman
un enorme Libro. No se escriben muchos libros, se escribe siempre el mismo:
El Libro de los Muertos.
Análisis: bb

Los pulpitos y la yarará.

La Fe de los feligreses
Los fieles o feligreses devotos del Dogma del Arte o devotos de
uno de los Dogmas de todos los que ofrece el Arte, son los
espectadores. Aquellos que vuelven arte a algo, con el simple
pararse delante de la obra de arte, seleccionada por los sacerdotes
en el Museiom, y contemplarla con placer, o simplemente
contemplarla, ya que es sólo eso lo que transforma en ícono
a algo que no lo era. Los fieles del arte en la República son todos,
incluso los artistas y los sacerdotes del Arte, todos justiprecian,
consagran y repudian y lo hacen por motivos convergentes de
complicidad simbólica o divergentes cuando profesan Dogmas
artísticos diversos. Los fieles del arte no pueden ser coleccionistas
y disfrutan ocasionalmente en el espacio público, lo que rodea a los
coleccionistas en el ámbito privado. El “Living” o Salón de recepción
públicos es el Museiom, allí donde se cuelga lo mejor. El Faraón
ya no existe, la Cripta pública es el Museiom, el lugar donde se
guarda y muestra aquello que resume la vida y que al mostrar
originalidad demuestra la cercanía del Número Uno, ausente
desde siempre. El Faraón contemporáneo es la Especie, que
muere todos los días de a miles y miles, y la riqueza simbólica
acumulada es mostrada con orgullo en el Museiom
y acompaña a los muertos en su viaje al inframundo.
La Belleza es aquello que nunca deja de ser
Porque al dejarlo quién lo porta al morir
Siempre y de inmediato otro lo portará.
La Belleza es escasa pero permanente.
Es aquello que más cerca está del Número Uno
No aquello que por su partición no se distingue.
Análisis: bb