El Museo del Bicho

Amalita comiendo un espectador.

2011-02-23T14:38:00.006-03:00

El retrato de Amalita en su Museo, comiéndose
un espectador desprevenido, dentro de 150 años.
Autor: bb. Lápiz acuarelable.
(La imagen puede llegar a ser una buena escultura)

Amalita por Andy Warhol.

La acuarela es un detalle del grabado titulado:
“Jorge Luis Borges custodiando el Museo de Bellas Artes”
O también: “El Guardián del Museo”.
Premio Sponsor Bienal Internacional de Grabado de Osaka.
Anotaciones para una Teoría del Museo
Amalita se come un mirón, un espectador, en su cripta Museo dentro de 150 años, o mañana mismo pueden ser Ustedes mismos degustados por la Dama de Cementum. Amalita mediante la firma de un consagrado, en este caso Andy Warhol, se asegura la
supervivencia de su memoria, hasta que se olviden quién era la rubia y empiecen a decir que Andy Warhol era homosexual (cosa que era) y se fotografiaba y se pintaba como una rubia de cabaret. Y si no me creen pregúntenle a la Gioconda que tiene su identidad zamarreada entre el amante de Leonardo, la amante de un Medicis y la esposa del Giocondo. Amalita coleccionará a sus mirones después de muerta gracias
a que ella supo coleccionar Arte antes de muerta. Amalita vuelve a vivir dentro de la intimidad mental de sus amados mirones, los cuales son convocados a la Cripta, al Museo, por el prestigio de la Colección, por el prestigio del Sitio, y por el prestigio de los Actos de voluntad absoluta, Actos caprichosos de elevados costos a pagar en moneda contante y sonante. Actos y gestos para exorcizar la muerte, vanos tal vez, pero los únicos que tenemos parecidos a la magia. Amalita come la cabeza del mirón, vuelve a vivir unos instantes, ES en alguien desconocido, intrusa al mirón y es echada de allí por el siguiente cuadro, que también fue coleccionado por ella y así con todas las obras de Arte atesoradas por ella. Colecciona y coloniza al mirón instalando su gusto y el de su tiempo degustado por ella, en la memoria desprevenida del mirón. En el grabado de donde sale este detalle devenido acuarela, aparece con forma fálica Jorge Luis Borges, artista por antonomasia, al haber podido superar la condición periférica de nuestra cultura y ejercer una poética autónoma,
algo que casi todos los artistas del Canon no han podido hacer. Su forma de pene alude a su capacidad de potente ejercicio, al no ser un híbrido poético.Todos los mirones son canibalizados por las imágenes coleccionadas por Amalita. Amalita sigue en el Tiempo porque el Arte lo detiene, como dice el Doctor Graña Etcheverry al reseñar el soneto del poeta Don Juan de Tassis y Peralta, Conde de Villamediana, nacido en Lisboa en 1582 y asesinado en Madrid el 21 de agosto(¡cumpleaños del Pequeño Profesor¡) de 1622: “el tiempo va perdiendo su fuerza corrosiva, porque la pintura, ya acabada, siempre será presente, nunca habrá sido tragada por el pasado”. Es raro ver como un confeso, militante y orgulloso marxista como Antonio Berni se entretenía pintando insistentemente a los poderosos al final de la vida. Es raro ver como retrató a los nietos de Amalita, a la prole en cuyos fluidos y memoria ella seguirá viviendo. El hecho nos habla de una estrategia del pintor de trascender, instalándose también en la memoria del Poder al que critica. Y por las dudas ponerle unas fichas o pesos a las imágenes de la fe popular, por eso la Difunta Correa y el Cristo del Taller, por las dudas, pero en clave popular por supuesto. Porque después de todo el Pueblo (o la Clase Obrera) es el Sujeto de la Historia, la Especie, y si el Pueblo cree masivamente en el Gauchito Gil, algo de cierto habrá seguramente. Por
lo menos merece ser señalado con el Acto de ser creado en el Arte. El retrato de la prole poderosa es una operación validada, al arrancarle muchas monedas a la Baronesa de Cemento y tan válida como la operación que lleva a cabo ella misma, al elegir a un enemigo ideológico, para que con su mano detenga el tiempo y la ponga a ella en el lugar donde poder comer al mirón. Seguramente pensaba Amalita al elegir por izquierda, que su mundo plutócrata basado en la extracción de la Tierra para agrandar el hormiguero, era un Mundo despreciable y sería barrido por el pensamiento de la izquierda. Son operaciones de momificación en la memoria de la especie usando al Arte como bálsamo embalsamador, todo eso como siempre, en la Cripta, en el Museiom. Y aquí es donde la figura de Borges se vuelve misteriosa, como puede ser, que tan grande poeta no haya surgido del vientre histórico designado como cargado de futuro y liberación, el vientre social y político. Como pudo Borges despreciar todas las variables y condicionantes de su época y escribir solamente lo que merecía serlo. Ser desde Sí.
Análisis, grabado y acuarela: bb

Teoría sobre la Droga. La chicha del indio manzanero.

2011-01-25T08:47:00.004-03:00

Autor: bb
Lápiz acuarelable.
Ficha de estudios del Pequeño Profesor donde se pueden ver distintas variantes de recipientes griegos de cerámica, habitualmente decorados a mano por artistas exquisitos. Los tamaños dibujados no corresponden a la realidad proporcional entre los distintos recipientes. (Nota del P.Q.)

Anotaciones para una Teoría del Museo
Teoría sobre la Droga.
La Chicha del Indio manzanero.
El alumno Tuffo agregó el tema de la chicha. Es la chicha manzanera una bebida borrachera, una bebida fermentada que el indio manzanero, preparaba desde antiguo prensando en la chichería. La manzana chichera se dejar fermentar durante un año, puesto que cuanto más fermenta más alcohol contiene y mayor pedo dispensa. Luego del prensado hay campesinos que prefieren embotellar la chicha y enterrarla para que
fermente bajo tierra, pensando tal vez capturar los espíritus de la tierra en esas botellas de recolección llenas de chicha manzanera. La sidra, bebida similar a la chicha manzanera debe su nombre a una voz latina derivada de una palabra hebrea y la manzana aparece asociada a cuestiones de amor y pecado y fue fuente de pasión y discusión, desde los antiguos dioses griegos a los españoles latinos que la destilaban en Asturias donde el poeta José Montera en 1918 nos escribía:
“Agrio vino de manzanas,
agridulce vino de oro
de las viñas asturianas,
cuando escancia tu raudal
limpio y sonoro
en las jarras aldeanas
una moza con los labios
encendidos de coral,
tu áureo néctar beberían,
por tu gloria brindarían,
y su espada y su talante rendirían
los arqueros de San Jorge
de los cuadros de Franz Hals.”
Los indios manzaneros y los rudos campesinos patagónicos la destilaban buscando conservarla dulce y empujando la fermentación poderosa que provoca la borrachera austral. Dicen que no se debe enterrar la chicha en plena borrachera, dado que al otro día nadie recuerda donde se la enterró, ni tampoco hay que desenterrarla en estado de ebriedad porque el estropicio es grande y los porrones pueden romperse. Las indias cuando sus hombres empezaban una borracherade varios días, les escondían las armas para que no se mataran entre ellos y se preparaban para el amor tumultuoso como en las kermeses flamencas que pintara el divino Rubens.
El alcohol fue la droga de exterminio o de suicidio masivo de aquellos que veían desaparecer el mundo ancestral, y lo veían mudar en algo, que sólo los tomaba en cuenta como peones, obreros, soldados, policías, putas o mucamas.
Teoría sobre la Droga.
El escanciador. (El que sirve la bebida narcótica)
Con experiencias con varias drogas pero de validez relativa por el uso poco prolongado de las mismas,(a pesar del consumo que me asignan por el carácter
de mi obra) creo que más de hablar de Droga habría que hablar de Dosis. Antonio Escohotado en su clásica Historia de las Drogas habla del vino Resinato, el vino
energizado con aceite, con resina de cannabis. Ya está en la Odisea donde se narra la llegada de Telémaco a Esparta, momento en el cual hablando de Ulises quedan todos
melancólicos y Helena ordena tirar nepenthés en las copas y las sonrisas vuelven a surgir. El nepenthés era una decocción de vino, mirra y cannabis. Esa orden de Helena
es la orden del escanciador, el cual es una figura central del banquete clásico, está presente en Grecia y también está presente en Roma, la Graeco more bibere
“Costumbre Griega de beber” “Un “rex convivii” (o magíster o arbiter bibendi) (Rey del convite, o maestro, o árbitro de la bebida ) determinaba en que proporción se debía mezclar el agua con el vino y cuándo se había de beber. Esta costumbre era griega (Graeco more bibere), pero tan antigua, que Cicerón la consideraba como institución de los antepasados.” Como se ve en esta cita, el sistema de administración de la droga, ya sea el alcohol, sea cerveza, vino o el vino resinato, compuesto de vino, mirra y resina de cannabis, tenía varios agentes: el Maestro del Banquete y árbitro de la bebida y los escanciadores que respetaban sus órdenes.
Es por eso que el Maestro del Banquete era el verdadero Escanciador, era el que evaluaba el estado de los comensales y al dar la orden permitía el reingreso de la droga. Era el que controlaba la Dosis, el que agregaba el nephentés, el que agregaba la resina de cannabis y la mirra y el que agregaba agua para dulcificar la Dosis. El escanciador era la Dosis, él determinaba que se podía consumir más o ya no. El que
determinaba el límite o lo arrastraba cada vez más allá. El escanciador era un alter ego social que controlaba la Dosis. Un comensal designado para, desde la sobriedad, llevar en su viaje narcótico a los demás comensales. Era un lazarillo llevando a varios ciegos a los tumbos por el mundo. La figura del Escanciador evaluando la Dosis es clave para el control de las adicciones modernas. Si nadie hace de Escanciador, ni siquiera los propios sujetos del consumo, no hay control de la Dosis y tarde o temprano se presentan situaciones comprometidas donde el caos impera. La palabra Dosis en griego significa: “acción de dar”, el Escanciador decide dar, dar cuánto o no dar, esa es la Dosis. Y volviendo a la antigüedad, fue un artista quién señaló al caos posterior a la orgía: “En la época alejandrina, a un artista, Sosos, se le ocurrió la idea de representar en mosaicos un pavimento diseminado de desperdicios, la llamaba “sala sin barrer”; cfr. Plinio XXXVI).” El pavimento estaba sucio al otro día porque el Maestro del Banquete, la Dosis, cuando todos los comensales ya dormían, aprovechó y se tomó todo el vino resinato y se fue con dos flautistas a dormir la mona a otro lado. El consumo del alcohol sea resinato o no
genera Arte al necesitar de objetos para distribuir la droga. Hoy tomamos vino con dos recipientes: la botella y el vaso, antes se hacía con tres: la damajuana, la jarra y el vaso. En Grecia, como se ve en la ficha del Pequeño Profesor, los recipientes eran muchos más, pero en el Banquete eran sólo tres: La crátera de boca acampanada era la vasija más grande, luego venía el ánfora que sería la jarra
intermedia donde se podía agregar agua, resina de cannabis y mirra, según decidiera el Maestro del Banquete y el kylis o kálix, vaso pequeño para beber, que aún se
usa en la Santa Misa para beber el vino consagrado,no resinato, supongo. En cambio, el ánfora que se les entregaba como Premio a los atletas en las Olimpíadas griegas, yo creo que no estaba vacía, creo que estaba llena de vino resinato. El Jurado de la Olimpíada era un Maestro Escanciador, otorgaba como premio la bebida narcótica. Hoy la juventud mezcla como los griegos el alcohol y el cannabis, pero el escanciador
no está, es el mismo comensal, quién decide cuanto y que toma. Es por eso que cada uno debe tener al Escanciador dentro de su Deseo y lo debe respetar más que a su sed, más que al ansia de gozar y apagar el Deseo. El apagar el Deseo implica la Muerte. De todas formas, la Dosis 0 (cero) es también una Dosis y se necesita también un Escanciador para darla todos los días hasta la Muerte.
Análisis, acuarela y ficha de estudios: bb

La Glorificación del Cacique.

2010-12-12T10:02:00.002-03:00

Título: El explorador y el salvaje.
Autor: bb
Grabado en Linóleo
Ilustración para el libro:
El salvaje
Autor: Horacio Quiroga
Editorial El zorro rojo.
Barcelona.
La Glorificación de Orkeke
Un personaje picaresco seguramente, llamado Bibiloni, presbítero, antiguo cura, metido en temas con Cafulcurá y con protagonismo en la fiebre amarilla, cuenta Milcíades, que puesto a poeta popular supo escribir una Glorificación a Orekeke, que es, además de una pésima poesía, una crónica de lo que fueron los últimos meses en la vida del cacique. Firmando como “El Pampeano”, Bibiloni escribe estrofas de cuatro versos, “cuartetas”, que iluminan aspectos políticos de todo este entuerto; hayvarias que aluden a los problemas limítrofes con Chile y a la necesidad de asegurarse que los indios se hicieran argentinos y no chilenos:
Don Julio Presidente
De la Nación recibió
A Orkeke, cordialmente
De buen amigo trató.

Manisfestándose grato
En la cuestión con Chile
Muy argentino brazo
Mostró amigo cacique.

La guerra por estallar
Buenos Aires con Chile
El General que confiar
Debía en el cacique.

En vano el Gobierno
De Chile a Orkeke
Para ganar por medio
Pone a Rey Shayhueque.
(Parece ser que el manzanero
andaba en transas con Chile
antes de la Conquista al
Desierto) bb.

Orkeke juramento
Hizo ante el Pabellón
Sea cual fuese tormento
No cede su convicción.

Recordando la lealtad
Que Orkeke enseñó
Argentina heroicidad
Contra Chile que mostró.
(Hay más estrofas tan claras como éstas en el aspecto político territorial y tan malas en el aspecto poético también. Y con respecto a la calidad, es de hacer notar la siguiente cuarteta, que refiere al homenaje que los poetas le hacían al cacique, al lanzarle ramilletes de flores al palco que ocupara en el Teatro Politeama. En una cuarteta Bibiloni evoca a una niña que quiere tirarle el ramillete de homenaje que el poeta Guido Spano le ofrecía al cacique:
Dónde está Orkeke,
Quiero tirar el lindo
Y precioso ramillete
Del poeta Spano y Guido.
Para rimar con lindo el poeta da vuelta el apellido del poeta!!!! Todo vale en la glorificación de Orkeke, hasta unos disparatados versos que terminan, en nombre del cacique, agradeciendo el descarne y armado de su propio esqueleto:
Muy amados practicantes
Del Hospital Militar
Gracias os doy cordiales
Hasta donde puedo dar.

Dejando casi vivo
A Orkeke esqueleto
Quedo muy agradecido
Con entrañable afecto.

Para siempre alabaré
A vuestros profesionales
Esfuerzos y exclamaré
¡Cuán buenos practicantes!
Es muy curioso esto de los esqueletos. El Perito Moreno tuvo una misión clara en la delimitación de la línea de frontera con Chile y la Conquista del Desierto también tuvo esa motivación. La apropiación y el coleccionismo de los esqueletos de los indios evidencia, la necesidad de incorporar a estas gentes en el relato del Museiom argentino. Son indios muertos coleccionados por la República Argentina, son argentinos y las tierras que habitaban también. Para terminar quiero señalar que el Perito Moreno pidió que llevaran su esqueleto a una isla del lago Nahuel Huapí, quiso ser enterrado allí a pesar de haberse pasado la vida llevando esqueletos desde ese lugar maravilloso al Museiom de La Plata. Una sustitución, la tumba en el lago
maravilloso para el perito y la vitrina para Inacayal y Orkeke. Solamente un garca argentino puede yacer en el Nahuel Huapi, si el garca que representaba a los antiguos habitantes del lago, el cacique Inacayal, es coleccionado y expuesto en el Museo de La Plata. Si Inacayal estuviera expuesto en el Museo de la ciudad de Santiago de Chile, otro gallo cantaría.
Análisis: bb

Orkeke muerto.

2010-12-03T08:58:00.002-03:00

Título:
“Sobrenatural armado del esqueleto
del Cacique en la vieja vitrina”.
Grabado en linóleo.
Autor: bb
Si me muero, ¿qué dirá el gobierno? La muerte de Orkeke y de varios de la tribu, como la machi o hechicera y la mujer principal Hadd, fueron debidas aparentemente a la neumonía o a enfermedades oportunistas en organismos que, en su aislamiento tenían inmunidades incompletas o preparadas para otros contextos distintos de
la Capital. El material periodístico es muy rico y explícito y resaltado por el propio Milcíades Vignati. Se transcriben a continuación las citas periodísticas. El 14 de Septiembre de 1883, muere Orkeke. Antes había muerto la Machi. La hechicera. Ya venía siendo anunciado el 6 del mismo mes: “Desde hace tres días presa de una pulmonía el cacique de los tehuelches ocupa un lecho en la sala primera del Hospital Militar. Valeska, la pitonisa de la tribu entregó hace pocos días su alma al Creador, víctima de la nostalgia. No podía olvidar sus lares de la fría Patagonia. Hoy es Orkeke, su jefe y protector, el que yace postrado en el lecho de un Hospital, expuesto a dejar sus huesos, como Valeska, en tierra de cristiano amigo. Anteayer a la tarde, después de las 3, la viuda de Orkeke, con su hija, dos indios y un indio lenguaraz (intérprete), fueron al Hospital Militar a ver el cadáver del Cacique. La viuda, calzada con botas de potro y envuelta en una sábana blanca bastante sucia, permaneció impávida ante el cadáver, sin hablar, sin derramar una lágrima, en la más absoluta inmovilidad fisonómica. Orkeke estaba ya encajonado en su ataúd de caoba, cuando la viuda fue a ver el cadáver, que debió ser inhumado ayer; pero una orden superior, dada no sabemos por quién, hizo suspender la inhumación y el cadáver fue disecado ayer a las 12 por los practicantes del Hospital Militar para conservar íntegro el esqueleto, cuyo destino final no se conoce. El 20 de septiembre: "Los restos de Orkeke. A fines del mes corriente podrá verse el esqueleto del cacique Orkeke, preparado convenientemente. Después de haber sido descarnado en el Hospital Militar, colocáronse los diversos fragmentos del cuerpo en un gran tacho de agua y cal, para hacer desaparecer las pequeñas cantidades de carne que habían quedado adheridas a los huesos. Terminada que sea la disección del cuerpo del cacique, se procederá a armar el esqueleto. Ha llamado la atención de los encargados de disecar el cuerpo de Orkeke la enormidad del cráneo y el espesor del hueso frontal. Las canillas y los brazos son de dimensiones poco comunes. El esqueleto de Orkeke será conservado por ahora en el Hospital Militar.Orkeke creía que no podía morir y hablando en su lengua bárbara, preguntaba:Si me muero ¿qué dirá el Gobierno?". La Nación Septiembre de 1883. Según Ernesto Schóo el esqueleto se perdió camino al Museo de La Plata, en realidad el Museiom de La Plata aún no se había construido, recién en 1885 se comenzaron a inaugurar las Salas, se hizo la inauguración provisional y fue Sarmiento quién preparó y leyó un sesudo discurso. Según A Bonatti y Javier Valdez en su “Historias desconocidas de la Argentina indígena” el esqueleto estuvo 124 años
en los sótanos del Museiom de La Plata hasta ser repatriados. Pero quién sabe donde está cada quien y cada cual con tantos y tantos esqueletos acumulados, tanta muerte coleccionada.
Análisis: BB

Una de las esposas de Orkeke.

2010-11-27T09:15:00.003-03:00

Título:
Hadd, una de las esposas del cacique Orkeke.
Acuarela
Autor: bb
Apuntes para una Teoría del Museo:
Hadd o Hadde o Adde fue una de las mujeres del cacique Orkeke, Ólkelkkenk o
Hólquequen o Olqueque o Ulquiquequen, (no se ponen de acuerdo), la esposa que él eligió para traer a Buenos Aires, como le hicieron elegir a todos, para empezar a cristianizar la familia india por el lado de la monogamia. De esa forma los caciques se sacaron de encima a las pobres esposas viejas a las cuales además, se les
llevaron los hijos. Que no era la única es seguro porque Musters, el aventurero que los había conocido años atrás, habla de otra, alta, robusta y gorda que no es precisamente la retratada y que debe de haber pasado a un segundo plano. O fue tal vez Hadd la esposa que eligió como mujer principal, figura compatible con la monogamia, y en ese rol se mostró en la Capital. Lo secundó a su esposo indio
en el Skating Rink. La pista de patinaje sobre hielo que la comunidad inglesa regentaba en Buenos Aires. El Skating Rink Coliseum estaba en la calle Lavalle y Montevideo. Esa pista sería reemplazada en 1910 por la que conocemos como Palais de Glace, Sala o Galería Pública que funciona como parte del Museiom, al ocuparse
de los Salones Nacionales de Arte, otrora la antesala del Museiom, la plataforma de validación estética para ser un elegido. Hoy ese Palais de Glace no produce nada salvo problemas, al estar en manos de patanes. Los ingleses le ofrecieron entregar los premios a los patinadores a la esposa del Cacique. Los Indios y sobretodo Olkeke,
fueron recibidos por todos los garcas y los custodios de la religión, estuvieron con el Presidente de la Nación General Julio Argentino Roca, con el Intendente Torcuato de Alvear, con Dardo Rocha, con el Nuncio Papal, con el Arzobispo, con comerciantes. En el Circo Humberto 1 les ofrecieron una función, y seguramente y en secreto, los garcas a los indios, les deben haber pagados putas blancas como “La Polaca” y champagne francés del más finoli, pero claro,luego de haberlos hecho bañar a punta de pistola. Y todo eso para ver por fin el tamaño de los penes de esos indios del
fin del mundo. Curiosidad basada en el enorme tamaño de sus cuerpos y la posible equivalencia genital del macho. La también posible gran profundidad vaginal de las hembras no importaba tanto, porque nadie se las pensaba coger. Pero la casi segura
superioridad peneana del Indio, amargaba al Generalato, desconsolaba a sus castas esposas, atemorizaba al Gobierno repugnaba al Obispo y esperanzaba a los Peritos anatomistas. Ernesto Schóo sugiere que en realidad todo este magnífico
tratamiento a la tribu de Orkeke, tiene que ver con un error de los militares, los cuales fueron a buscar una tribu chúcara, una tribu desobediente a los mandos del Ejército y se trajeron por equivocación otra, que siempre había sido colaboradora con el blanco. Si esto es cierto, mis disparatados textos parecerán catecismo para niños.
Análisis: bb

La India vieja y bruja hija de puta.

2010-11-25T09:17:00.003-03:00

La Bruja joven al llegar con Inakayal a Buenos Aires. Obsérvese la hendidura del labio leporino. Labios de coneja. Para la foto ha sido vestida y peinada, pero
en otra foto aparece con los pechos colgando como lenguas y con un chiquito en brazos con el pene al aire y con signos de desnutrición.

Acuarela.
Autor: BB
Título: La india vieja y Bruja hija de puta.
La misma Bruja pero ya de vieja, antes de ser disecada por los Peritos anatomistas y antes de comenzar a empequeñecer su cráneo, o sea ya vieja bruja hija de puta, al decir de los anatomista que vieron empequeñecer sus penes al mismo tiempo que el cráneo de la bruja se achicaba hasta desaparecer en la dimensión sub atómica.
La Bruja era el arma secreta del Cacique.

Anotaciones para una Teoría del Museo:
Los defectos congénitos son despreciados en nuestra sociedad pero dicen que son apreciados en otras culturas, los consideran señales divinas, que hay que respetar e
incluso tener en cuenta para la elaboración de conductas. El defectuoso es único o forma parte de una serie más pequeña que la normal y se aproxima más al Uno, está más cerca de Dios. Los defectuosos en el físico: el enano, el jorobado, el seis dedos,el deforme o con forma propia, el manchado de colores, el albino y los leporinos, manifiestan su otredad en forma permanente porque imponen su defecto visualmente. Los defectuosos en la conducta manifiestan su otredad al adoptar distintos patrones de conducta a los del grupo de pertenencia: los homosexuales,
bisexuales o cualquiera otra variante, los criminales, los artistas, los revolucionarios, las putas, los linyeras, drogadictos y suicidas,los discapacitados mentales y físicos, los creyentes en magias animistas, los locos, los visionarios, son todos ensayos que la Especie pone en práctica para encontrar salidas y soluciones
a problemas de adaptación, que la misma Especie necesita para sobrevivir. Sobretodo como sobrevivir la vida con la conciencia de la finitud, como enfrentar el infortunio con entereza. Son todos ensayos, muchos salen mal, otros terminan mal, otros bien, no son ni buenos o malos, son ensayos, son todos ensayos. Y los ensayos
producen curiosidades, justamente una de las formas que adoptó el Museiom: el Gabinete de Curiosidades, fue en el Barroco y en la ilustración neoclásica donde
también surgieron como hongos los Gabinetes de Antiguedades. Pero eso es otro tema. Aunque recuerden los fetos en formol y las fotos de las enfermedades de Venus, las venéreas. Las Machi reinan ahora pero antiguamente eran varones Machis, como relata
esta crónica de la época:“Llegó un indio de tan mala figura, que su traje, perverso rostro y talle, estaba significando lo que era: parecía un Lucifer en sus facciones,
talle y traje, porque andaba sin calzones, que este era de los que llaman hueyes. Traía en lugar de calzones un puno, que es una mantichuela que traen por delante de la cintura para abajo, al modo de las indias, y unas camisetas largas encima. Traía el cabello largo y suelto, siendo así que todos los demás andan trenzados, las uñas tenía tan disformes, que parecían cucharas. Feísimo de rostro, y en el ojo una nube que lo comprendía todo. Muy pequeño de cuerpo, algo espaldudo, y rengo de una pierna, que con sólo mirarlo causaba horror y espanto: con que daba a entender sus viles ejercicios. El que usa el oficio de varón no es baldonado por él, como el que en nuestro vulgar lenguaje quiere decir nefando y mas propiamente putos, que es la verdadera explicación del nombre hueyes. Acomodándose a ser machis o
curanderos porque tienen pacto con el demonio. “(Núñez de Pineda y Bascuñán 1863:107,157-159). Las Machi, rol y vida. Juan Ñanculef Huiquinao.
Excelente trabajo sobre las machis. He sabido que en una tribu de indios de Norte América los homosexuales tenían un rol activo en la Tribu, eran pescadores, no guerreaban ni cazaban al búfalo, pescaban en la orilla. Incluso hay un sabio que fue
Sumo del Museo de Bahía Blanca, que dice que el mismo Ceferino Namuncurá era un machi de los que Nuñez de Pineda y Bacuñán llamaría “propiamente putos”. Si fuera así, el entregarlo a la Iglesia vencedora fue un acto correcto, por lo de ser un sacerdote machi y ser correspondiente con los curas del soldado huinca y por el asunto de la pedofilia militante de la nombrada iglesia milenaria, iglesia con gordos capellanes con los privilegios de un oficial de caballería en la Campaña al Desierto de la bruja hija de puta.
Análisis: bb

La Comisión del Galerista.

2010-11-23T08:15:00.002-03:00

Tablero del Juego del Artista.
La Galería de Arte (destacada en rojo) constituye el último
Campo a Conquistar para el Artista antes de asaltar el
Museiom, el Artista debe superar al Marchand, sacerdote del
Museiom que cotiza en valores de cambio la obra del artista, el
Marchand deberá comer a un Artista, para que el otro prosiga el
Juego hasta enfrentarse al Curador, que es el sacerdote guardián
del Museiom. Hay que tener una cotización aunque sea mínima
para entrar al Museiom. De los cinco Artistas iniciales llega sólo
uno al Museiom, e incluso éste puede ser comido por el Curador
en las últimas jugadas.
bb
Apuntes para una Teoría del Museo:
Teoría sobre el precio o valor de cambio de la obra de arte.
El Artista acuerda con el Galerista 100$ de precio para la obra de arte.
El Artista pide a su Amante que compre la obra de arte y le da el dinero.
La Amante paga 100$ por la obra de arte y se la lleva a la casa del Artista.
El Galerista le paga 75$ por la venta al Artista y retiene 25 $ como comisión.
El Artista le pide a la Amante que ofrezca a otra galería la obra de arte a 25 $.
El segundo galerista compra la obra de arte porque sabe que vale mucho más.
El Artista recupera su dinero y tiene a otro galerista ocupado de su obra.
Este galerista vuelve al origen y ofrece la obra al primer galerista en 30 $.
El primer galerista compra la obra porque sabe que ya fue vendida a 100 $.
Y aumenta el precio a 105$ porque nota que hay interés en esa obra de arte.
Que logramos con esto:
Todos ganamos un poco de dinero y otro tanto de prestigio y brillo sociocultural.
El Artista coloca una obra y un cliente recupera su dinero y su obra se valoriza.
El primer galerista gana importancia comercial y 25$, paga 30$ por la obra de arte
original y la ofrece a 105$. Los 5$ de diferencia se cubren, dado que al ser la obra
del Galerista todo es ganancia para él. El segundo galerista gana 5$ y el reconocimiento del primer galerista. Si es todo tan simple, ¿Por qué entonces no funciona esto, que parece un sistema perfecto?, un sistema que además tiende al reposo y donde haciendo poco, podemos todos vivir en armonía y pagar la tarjeta de crédito.
Las hipótesis son varias:
1era.Hipótesis:
La Amante del Artista se enamoró del segundo galerista y se gastó con él los 5$
de ganancia. Luego se hizo amante de los demás y se quedó con toda la plusvalía.
2da.Hipótesis:
El Artista copió su obra de otro artista que a su vez copió la suya de una obra robada del Museo. Al conocerse esto la mercancía se volvió tóxica.
3era.Hipótesis:
El primer galerista vendía obras del Artista para comprar Bonos Basura de alto riesgo y no le interesaba el Arte para nada. Su actitud de especulación corrupta, invalidó su rol de agente facilitador
del consumo del Arte.
4ta.Hipótesis:
El segundo galerista compraba obras de segunda y también robadas del Museo y fue quién le dio la robada del Museo al otro artista para que la falsificara. Esta multiplicación mediante el robo y la copia generó desconfianza en los coleccionistas del Arte. La obra única se replica y pierde aura.
Análisis: bb

El Indio, el Perito anatomista y el cráneo de la bruja.

2010-11-22T10:12:00.002-03:00

El Indio, el Perito anatomista y el cráneo de la Bruja.
Acuarela.
Autor: BB
Anotaciones para una Teoría del Museo:
Parece que en el Museo de La Plata hay un faltante entre los miles de cráneos que atesoran. Dicen que hay tantos cráneos porque el Perito Moreno levantaba cementerios
enteros al erradicarse las tolderías, y está certificado que el Ejército hacía las veces de recolector de huesos, como el Coronel Racedo que le trajo al Perito el cráneo de Marianito Rosas, llamado así por ser protegido y ahijado de Juan Manuel
de Rosas, de quién tomó el nombre. Y con respecto al faltante, dicen que al morir la bruja o machi, que ostentaba el defecto de tener labio leporino, labio de conejo, bruja que Inakayal se había traído a Buenos Aires para tener consigo un arma secreta, que le diera certeza sobre la venganza. Su cráneo coleccionado empezó poco a poco a empequeñecer hasta desaparecer, certificado esto por los Peritos anatomistas, son ellos los que calculan que su tamaño, por el sostenido ritmo de
empequeñecimiento, ya podría tener un tamaño sub atómico. La vitrina donde se exponía su cráneo se llena de un humo negro de olor pútrido, y por ende persiste el temor de algún posible daño de la bruja hija de puta, violencia dirigida seguramente hacia los Señores Peritos anatomistas del Museiom de La Plata. El Indio observa impávido desde atrás de las espaldas del Sumo.
Análisis: bb

Los Indios en el Teatro de la Alegría.

2010-11-21T09:24:00.002-03:00

Título: Los Indios en el Teatro de la Alegría.
Acuarela.
Autor: bb
Apuntes para una Teoría del Museo:
Esto que parece salido de la afiebrada mente de ése que se hace llamar “Pequeño Profesor”, está publicado y documentado hasta por los diarios de la época. La tribu del Cacique Olkeke fue llevada al Teatro de la Alegría para presenciar la zarzuela “Mefistófeles” y ser vistos por el interesado público que hizo un lleno completo. El Teatro, la Alegría, los Indios, Mefistófeles, que más quieren para llenar un Teatro. Indios expuestos en vida como objetos animados. El Otro, el Distinto derrotado, el salvaje en la Capital republicana, la cultura moderna y
el sustrato bestial de la naturaleza humana. La domesticación del primitivo. El Teatro de la Alegría estaba en el predio donde después funcionó Caras y Caretas, era un teatro todo terreno, que recibía a tenores famosos, se representaban dramas y comedias y se bailaba en Carnaval y Año Nuevo. En ese Teatro cantó el tenor italiano, Ernesto Rossi, al cual el poeta Carlos Guido y Spano le dedicó una bella poesía, recibiendo como respuesta otra del propio tenor. Allí fueron presentados en sociedad los Indios y se representó ante ellos una zarzuela de sentido fáustico, o sea basada en el Fausto de Goethe. Es de hacer notar que el Fausto de Gounod fue el que le dio la idea a Estanislao del Campo para su Fausto criollo. Indios y gauchos que se asombran de la aparición del diablo, diablo entreverado en cuestiones pasionales y pecaminosas. Pero esa noche los Indios fueron espectadores y actores de sí mismos en tanto entidades a observar, estudiar y memorizar para luego bien recordar. Fueron argumentados en el entreacto por Ramón Lista y recibieron de
regalo paquetes con caramelos y ropas ciudadanas: “Los tehuelches en el Teatro de la Alegría. (Espectáculo organizado a beneficio de los indios por el Director del Teatro de la Alegría) El cacique Orkeke teniendo a su derecha a su mujer Hadd,
prominentes ambos por su tamaño extraordinario y sujeto el cabello con una vincha roja, ocupaban el palco central Se daba la zarzuela Mefistófeles… De la Fiesta han quedado sumamente satisfechos Y así lo expresaron con sus cánticos en la
Escena, genuinos cantos tehuelches, cuando fueron allí conducidos después del segundo acto para repartirles diversos objetos, prendas de vestir, cartuchos de
confituras, y collares de relucientes cuentas comprados expresamente para ellos.
En el primer entreacto, los señores Larsen y Lista, hicieron la historia de esos indios” La Nación 8 de agosto de 1883.
Actuaron de indios y cantaron su música, Los indios hacían de sí mismos. Fueron
guionizados, argumentados e historiados. Al subir a escena, subieron a un espacio
que ya configura un estadio de la memoria. El espacio de la escena es otro distinto
al espacio de la platea o del palco, tiene otra geometría, el palco también tiene un geometría distinta al tener que ver con la representación social, el espacio de la escena es un espacio donde todo se puede crear o incluso modificar. En el espacio de la escena nada es inexorable. Lo que representa la Pintura son escenas teatrales
congeladas, que gracias al talento del artista concentran en ellas toda la información necesaria, para entender la naturaleza de los hechos representados.
Análisis: bb

El Indio y los Garcas.

2010-11-18T07:32:00.003-03:00

Título: El Indio y los Garcas.
Dibujo al grafito.
Autor: bb
Apuntes para una Teoría del Museo:
El Cacique al desembarcar en la Boca, donde siempre se presentaba gente con recomendaciones para que les dieran indios o indias o algún niño, pues en esos momentos los repartían a todos, tuvo la suerte que el Capitán se opuso a la repartija. Fue invitado por la alta sociedad intelectual, política y aristocrática, el Cacique con los Garcas en Banquetes como el que recuerda La Nación del 11 de agosto del año 1883:
“Banquete de 12 cubiertos en el Café Paris. Vestía Orkeke, pantalón de casimir oscuro, saco del mismo color y sobre él un poncho de paño. Cuando a las 6 y 10 p. m. se dio la señal de sentarse a la mesa, se despojó con toda sans faÇon del poncho y del saco, quedando cubierto su cuerpo únicamente por una camisa a cuadros. La camisa desprendida dejaba ver el pecho tostado del Indio. Alrededor de su cuello, se veía una cinta colorada y una vincha negra sujetaba sus largos cabellos grises, si cabellos pueden llamarse los gruesos y duros que pueblan su enorme cabeza.” ( Es de hacer notar los variados vocablos de extracción erótica y tendencia venérea que el periodista se permite para con el Indio: pecho tostado, gruesos y duros, cubierto su cuerpo, camisa desprendida, enorme cabeza, largos cabellos, etc. La buena educación me impide comentar más en profundidad estos sensuales comentarios, pero el amable público sabrá sacar sus conclusiones) Continuamos: “Los Comensales fueron: El Sr. Ministro español Durán y Cuerbo, Francisco de Ibarra, Esteban Rodríguez, el Doctor Juan Larsen y los señores Ramón Lista, Miguel Cano, Juan Bauzá, el teniente Eduardo
Lan y Juan de Cominges. Hubo brindis, si bien Orkeke brindó, lo hizo haciendo caso omiso de todas las reglas de la etiqueta. A los postres el Señor Cominges leyó una composición en verso bastante extensa dirigida al cacique. De ese canto entresacamos lo siguiente:
Al verte de gloria lleno
Y respetado en tu rango
Dirás para tu quillango,
No hay duda: cristiano bueno.
Mas yo, que así no discurro
Y soy del débil amigo
Voy a probar si consigo
Apearte de tu burro.
Tu hacienda, tu autoridad,
La patria donde naciste,
Todo, Orkeke, lo perdiste
Incluso la libertad.
De un porrazo, pobre viejo.
Te hemos dejado sin nada,
Y agradecé la volada
De haber salvado el pellejo.
A los que tu mal consintieron
Y hoy con palabras te halagan,
Diles claro que deshagan
el tuerto que te fizieron.
Y de yapa le dirás,
Que si son cristianos buenos,
pueden gastar mucho menos,
En conquistar mucho más.
Decir al Indio: Te mato.
Fue cuanto el cristiano hizo
Sin ver que un: Te civilizo
Es más digno y más barato.
Juan de Cominges”.
Análisis: bb

La bella india que valía seis caballos.

2010-11-16T08:33:00.002-03:00

La bella india que valía seis caballos.
Autor: bb
Acuarela.
Apuntes para una Teoría del Museo.
Es de hacer notar que la belleza femenina era también un valor entre los indios y era un valor que había que pagarlo con otros valores,lo cual establecía una cotización. Escala devalores y equiparación de los valores en transa. Es el caso de la linda Losha, coleccionada por el Museiom al ser fotografiada por el tano Spegazzini. Pero años antes ya repertoriada por el Perito Moreno al residir por un tiempo en su toldería. Cuenta Moreno que la joven, hermosa y coqueta Losha tenía loco a un indio llamado Juan Caballero, pero que el precio de seis caballos que le habían puesto sus padres, volvía muy difícil para el indio su unión con Losha. Juan no tenía caballo ni para él. Pero algo habrá pasado pues en la foto que el tano
Spegazzini le sacó en el cuartel del Retiro, aparece con un bebé. El precio de seis caballos era una exorbitancia pero se podía modificar, cuenta Moreno que la madre de Losha era una borracha olímpica que lo acosaba mucho para tomarle el aguardiente y hasta le ofreció a Losha en matrimonio con tal que le diera escabio del fuerte.
Y ahora yo digo, si eran capaces de pagar seis caballos por Losha ¿cuánto pagarían por la madre vieja, espantosa y borracha?, porque acá resulta que la que pone el precio no vale nada, si al precio se lo respeta como un referente de valor de cambio para los demás integrantes del grupo. Y ahora yo digo, ¿Cuánto pagarían los indios
por las feministas que desprecian a los machos esclavistas de mujeres y al mismo tiempo glorifican a los pueblos originarios. Yo creo que no pagarían nada, las violarían entre todos y después las matarían, a menos que juren ciega
obediencia al Indio macho. Es duro el camino de la mezcla ideológica, o indiológica en este caso. ¿Y si cotizaran los viejos cabrones como yo?, ¿Cuánto darían por mí? ¿Un plato de avestruz? ¿Una sarnosa perra? Son relativos los valoresde cambio, ¿no?. Y hablando de valores, ¿cuánto pagaría Usted por esa rápida acuarela que de la
bella india supe hacer? ¿Seis caballos criollos? Cada caballo criollo puro padrillo y de andar cuesta hoy un promedio de 5.000 $, Lhosa costaba 6 caballos, o sea,30.000$ unos 7. 500 U$. Habría que conocer la cotización de una negra en el mercado de esclavos de la época y lo que paga un tratante de blancas hoy por una india o mestiza bonita. Recién en ese momento sabremos si la madre borracha de Lhosa cotizó bien a su hija y cuánto debe costar mi acuarela al devolver a la bella india al relato del Museiom.
Análisis: bb

El cacique Orkeke. Destierro.

2010-11-13T09:38:00.004-03:00

Foto de parte de la Tribu del Cacique Orkeke, varios niños y hombres lucen los sombreros de fieltro regalados para que posaran para Don Carlo Spegazzini. Otros lucen las frazadas con trama escocesa mientras el Cacique posa en Quiyango. Obsérvese la mirada fulera de los indios y especialmente la bronca de la esposa
del Cacique que aparece sentada al lado del mismo.

El dibujo plantea la posibilidad de que el Cacique Orkeke fuera en realidad un
“hombre de paja”, o sea un hombre puesto por el verdadero cacique, quién aparece
en la acuarela disimulando en un segundo plano, pero concentrando todo el color.
Acuarela y lápiz.
Autor: BB
Anotaciones para una Teoría del Museo.
El Museiom en sus distintas operaciones de búsqueda, análisis, recolección y coleccionismo, recurre a los objetos inanimados, sean artísticos o sean reales, para retener aquello que la especie necesita tener en su memoria ya sea activa o pasiva. El caso de la tribu del cacique es paradigmática, la fuente es como siempre
la Iconografía Aborigen de Milcíades Vignati. La tribu es coleccionada, queda prisionera dentro del relato del Museiom mediante la serie fotográfica del Commendatore nonché insigne Cavaliere del Nòbile Fotográfico Lavoro Profesore
Carlo Spegazzini. Es coleccionada al ser transformada en una imagen inanimada compatible con los otros objetos del Museiom. En general retoco en el plano del estilo a los textos científicos, pero en este caso el relato anónimo, rescatado por los investigadores, tiene tanta poesía que lo repito textual; corresponde al momento
en que la tribu parte al destierro para siempre, dejando la Patagonia al abordar el vapor Villarino en viaje a Buenos Aires en julio de 1883:
“La media lengua ingenua y tropezadora de un testigo presencial narra la impresión causada a los primeros civiles que vieron la llegada de la prisionera tribu de
Olkeke (Ólkelkkènk): “Luego se vio bajar por las alturas y montañas a cuyo respaldo están las ruinas, una multitud de indios que venían a caballo cantando
o rezando en alta voz, de un modo particular por la monotonía de la música y
extrañeza del lenguaje. Eran 17 varones y 37 más entre mujeres y niños, indios que componían la parcialidad del cacique Olkeke y que tenían levantados siete toldos a 15
leguas de Deseado. Algunos venían con las caras pintadas en fajas, que corrían sobre las cejas y formaban un óvalo bajando por los carrillos hasta terminar en el mentón. Llamaron desde luego mi atención la uniformidad del traje, la resignación que todos manifestaban, el semblante de bondad en los varones, cierta altanería en las mujeres,
y sobre todo, el canto monótono y plañidero de la multitud que repetía:
LE QUENEQUE YAQUE DE YA; LE YU, LE YU, QUELELÓ.
Canto triste que repitieron al despedirse de aquellas costas, y que me conmovió hasta el extremo de verter lágrimas de conmiseración, trayéndome a la memoria el recuerdo de los Israelitas cuando marchaban al cautiverio” (Larrain, Viajes en el Villarino). El Diario La Nación de agosto de 1883, dice del traje de los indios al subir al bajar del barco en la Boca: “ Los indios visten ropas mugrientas o la carne viva, y encima llevan inmensos quillangos( cueros de guanaco cosidos entre sí),
inmundos, vuelto el pelo para adentro, y la cabeza atada con vinchas groseras. Despiden sus cuerpos, en cuya piel apenas deja libre la mugre que los cubre diminutos
espacios, olores tan acres. Que tapadas las narices y la boca con el pañuelo empapado en agua de Colonia, era todavía difícil permanecer más de cinco minutos en las bodegas del Villarino, en las que vienen respectivamente acondicionados los hombres y las mujeres”. En la foto que ahora estudiamos podemos ver que, el único que sigue vestido con quillango es el Cacique Orkeke, muchos llevan mantas escocesas y sombreros de fieltro varios niños, al cambiarles el vestuario se los va incorporando por similitud con las clases bajas. Desaparece el uniforme de Indio y aparece el de Gaucho, Orillero o China, vestuarios necesarios para actuar en el Teatro Republicano, finisecular y periférico.
Análisis: bb

La Pose del Indio ante Spegazzini.

2010-11-10T09:12:00.006-03:00

Commendatore nonché insigne Cavaliere
del Nòbile Fotográfico Lavoro.
(Este honorífico cargo lo gozó ya otro cofrade del Proyecto Pompeya Nueva Pompeya,
Y que, gracias a ese empleo, obtuvo la jubilación eterna del Imperio romano).
Profesore Carlo Spegazzini

La Pose del Indio ante Spegazzini
o El fusilamiento fotográfico a la italiana

Esta serie de fotografías que sacó Carlo Spegazzini en Retiro en 1883, son muy interesantes, no solamente por las peripecias del armado de las poses, ni por estar bien documentadas en los diarios de época, sino por las características de este tano que se retrata con los indios y tiene incluso un libro de costumbres indias. Este tano característico. Este tano narcisista, cabrone narcisístico de la Bellìsima Italia, operatore fotográfico protagonístico, superpone su ego al del Indio. Aparece en cuatro fotos, pero algo me suena mal con este itálico protagonista. Resulta que los tamaños no concuerdan. En la tercera foto su comparación con la niña india de la derecha lo transformaría en enano. Hay algo raro. Tal vez se agregó mediante un collage fotográfico (ya se hacía en la época), tal vez como el Señor Oneto, (en rojo) posó para que los Indios no pensaran que los iban a fusilar, algo bastante razonable si pensamos que: estaban en un cuartel Militar, los apuntaban con un artefacto grandote, negro, impresionante, que el extremo con la óptica podía ser la boca de un arma, que al tano que venía con la máquina lo acompañaba el Milico del que dependía la suerte de los indios prisioneros, que el apuntador se cubría con una tela pesada y negra, que quemaban unos fuegos de altísima intensidad, que estaban custodiados por soldados casi niños, pero de bayoneta calada y que les exigían quedarse quietos durante minutos. Tal vez el Professore Spegazzini quería pasar a la posteridad por proximidad, operación de momificación en la memoria colectiva realizada por innumerables salamis, a los que aún hoy recordamos. De todas formas por su inclinación hacia los indios y su enorme paciencia, hoy disponemos de esta serie de fotografías sistematizadas (hay otros dos ejemplos). Pero mejor leamos los hechos, relatados por cronistas del diario, llamado justamente: “El Diario”:
“Los Tehuelches retratados”.
“Ayer ha sido un día verdaderamente terrible para estos pobres indios, pues deseando el fotógrafo Carlo Spegazzini, sacar una foto de todos ellos, se presentó en el cuartel del Retiro acompañado del Teniente Bove, llevando con este objeto su máquina y demás pertrechos. Una vez que el Señor Spegazzini hubo colocado a ésta frente al grupo de indios, éstos sin vacilar, un instante, se pusieron en precipitada fuga, sin poder de ninguna manera hacerles comprender de que no se trataba de ocasionarles ningún daño. Al fin , después de instarles el Teniente Bove y de hacerles unos regalos, los tehuelches se decidieron a hacer lo que se les pedía, pero siempre con un cierto recelo, pues creían que era una celada. Así fue que vueltos a ser colocados y tomando el fotógrafo posesión de su máquina, bastó tan solo que éste se
cubriera con el manto negro, para que otra vez estas pobres gentes, convencidas ya de que solamente se trataba de darles muerte, volvieron de nuevo a emprender la fuga, siendo esta vez mucho más rápida la dispersión que la anterior. Pero el Señor Spegazzini, que sin duda debe ser un hombre de mucha paciencia, no se dio por vencido y volvió a hacer uso de su PODEROSA ELOCUENCIA, haciéndoles mil reflexiones
de todo género a estos señores, que a viva voz quería retratar. Por último, tantas fueron las súplicas, tanto los regalos, tantas las razones para hacerles ver de que no se trataba de matar a nadie, que los indios no tuvieron más que someterse al suplicio. Pero siempre hubo cinco de éstos que hasta el último se mantuvieron firmes en su propósito, no pudiendo conseguir que se retrataran.” El Diario, 6 de septiembre de 1883. Esos cinco que no se dejaron retratar, que no dejaron
volverlos una mera imagen inanimada, no entraron en el relato del Museiom, relato que yo ahora estoy actualizando.
Análisis: bb

El cerebro del Indio.

2010-11-06T11:26:00.003-03:00

Foto del libro donde se reproduce la foto del cerebro del Cacique Inacayal, antes de ser trozado para luego ser analizado morfológicamente. Obsérvese el acusado escorzo con que fuga hacia el piso el esbelto cuerpo del Pequeño Profesor. La foto está tomada en la Sala de los Caracoles en el antepecho de una vitrina. Los reflejos en el vidrio vuelven a sugerir el Fantasma del Indio, o por lo menos sugieren el fantasma del cerebro del Indio, lo demás flota en los ranchos y sótanos donde vivió a cargo del Gobierno de La Plata, donde dicen los antropólogos, están asentados todos los gastos de los indios y parece que les pagaban hasta el tabaco y eso que
no se puede fumar en los museos. El Indio se la pasó tomando mate, resistiendo las mediciones antropométricas, complicando las tomas fotográficas que asemejaban pelotones de fusilamiento masivo, no les respondió ninguna pregunta a esos franceses de mierda, y si les dijo algo, seguro que eran bolazos de indio, ebrias sanatas,
cualquier cosa menos lo que le vendría bien saber al maldito huinca. Se la pasó en pedo pampa y montando a cuanta china se le sometiera. Del tamaño del pene nadie dice nada, algo debe haber.
Foto: bb
Apuntes para una Teoría del Museo:
A la muerte del Cacique Inacayal se procedió a descarnar la osamenta para su estudio morfológico y exposición pública, hasta que fue desarmada, puesta en urna y trasladada a su lugar natal. El Cacique al morir se vuelve objeto inanimado y con los muertos, la Ciencia se vuelve Doctor Frankestein, Doctor Jekill y Mister Hyde. Delantal blanco, bragueta abierta, pelo blanco hirsuto, anteojos sucios y barba. Y sino fíjense en el Doctor Einstein, quién legó su cerebro y se lo trozaron en muchos pedazos para poder estudiarlo en todos lados, y hasta el día de hoy, lo único que han descubierto los científicos del cerebro de Einstein es: “como hacer para que el gato del laboratorio no se lo coma”. Y lo raro de todo esto es que los egipcios no le daban importancia alguna al cerebro, justo ellos, que fueron los que empezaron con los Tesoros de la Cripta, prefigurando al Museiom que conocemos. No le daban
ninguna importancia, lo extraían con ganchos por las fosas nasales y se lo daban a los cerdos. En cambio trataban con mucho cuidado a otros órganos como el hígado, y eso que no eran de mucho tomar; los cuidaban tanto que crearon los vasos Canopos para depositarlos por si en el ultramundo los podía necesitar el Difunto, pero parece
que pensaban que al cerebro no lo iba a necesitar para nada.
Amset: vasija con tapa en forma de cabeza humana, donde se guardaba el hígado.
Hapy: vasija con tapa en forma de cabeza de papión, donde se depositaban los pulmones.
Kebehsenuf: vasija con tapa en forma de cabeza de halcón que contenía los intestinos.
Duamutef: vasija con tapa en forma de chacal con el estómago del difunto.
Y esta digresión no es gratuita porque el Museo de La Plata, en la década del sesenta trajo sesenta objetos egipcios, y entre ellos parece que hay una momia, a la cual le están preparando su Cripta, donde el cerebro no estará porque hace 4.000 años se lo comieron los cerdos; no como al cerebro del Indio que fue trozado, medido, pesado y estudiado con la siguiente inútil dedicación: “La ínsula en su parte anterior esta descubierta debido a la desviación y a la retracción del lóbulo temporal. La rolándica muestra típicamente tres anfractuosidades en forma de zigzag,
haciendo incisión en el lóbulo para central superficialmente, y más abajo y profundamente en el opérculo rolándico…“. Todo así durante páginas, describiendo cada vuelta que da el seso, pero puede ser que nos aclare, cuantas veces le pegó el padre en la cabeza, cuántas el milico y cuántas Don Pascasio. El texto pertenece a:
“Contribución al estudio de la Morfología de los cerebros indios”.
Por el Doctor Christfried Jakob eminencia gris (gris cerebro) en el estudio comparativo de los cerebros humanos y humanoides. Y para terminar, pregunto: ¿Por qué la Ley prohíbe exponer las momias de los Indios y no prohíbe exponer las momias
egipcias o los fósiles que son momias más duritas? Las momias, a la noche, van a decidir solitas, quién muestra, qué muestran y a quién se lo muestran. Y ojo que si se juntan el Fantasma del Indio, las momias indias y la Momia egipcia, puede haber jaleo. Y sobre qué mostrar, les cuento que recuerdo que en 1980 en Paris, en el Museo del Hombre, en el Palais de Tokyo, entrando a la derecha, había un pie de
una Geisha con unos ortopédicos zapatos especiales de raso, pensados para deformar el pie, hasta que pareciera en puntas de pie, la Geisha bonita. Estaba metido en un frasco con formol,todo el pie, cortado por el tobillo y con el zapato tutor puesto.
Menos mal que los Indios andaban en patas.
Análisis: bb

Inundación del Museo de Ciencias Naturales.

2010-11-05T08:04:00.003-03:00

Título: Inundación del Museo de Ciencias Naturales.
Medidas: 60 cm x 80 cm
Técnica: grabado en linóleo.
Autor: BB
Anotaciones para una Teoría del Museo:
Una de las habituales estrategias de los hombres para sobrevivir, es creer que aquello que hacen fatigosamente durante su vida para preservar su memoria, se va a preservar efectivamente. Es por eso que nunca aparece como hipótesis la desaparición de nuestro objeto de estudios: el Museo. Lugar donde la vida persiste en los objetos de Estudio y de Arte. En cambio, en este grabado de hace por lo menos 16 años del Pequeño Profesor, se representa esta posibilidad para el Museo de Ciencias Naturales:
“Llegado un nuevo “Diluvio Universal” al descongelarse la Antártida Nacional Argentina producto de la calor infartante, las aguas negras, podridas, envenenadas, apestosas y calientes, llegan al Museo de Ciencias Naturales que, por causas naturales, desaparecerá bajo las aguas. La furia del líquido elemento seguramente desordenará los huesos de los dinosaurios, los cuales debieron esperar: que apareciera el Hombre primero, que se hiciera diestro y se pusiera a estudiar, que se
le ocurriera juntar huesos grandotes, que se diera cuenta de muchas cosas más, que tuviera recursos públicos para destinar a esos asuntos de huesos, que armara más o menos los esqueletos enteros, para ser, por fin, recordados con amor, con temor y simpatía por los niños. Las aguas, además de mezclar todos los huesos de los dinosaurios, agregará a ese osario común, los huesos de todos los hombres que había a su alrededor; así que es probable, que después de este Diluvio en el lejano futuro, si a un ser nuevo se le ocurriera ordenar los huesos de nuevo, puede pensar con buen criterio, que los hombres eran unas pequeñas bestias sabrosas, que constituían la principal dieta de los simpáticos dinosaurios. Y como en el Museo de
Ciencias Naturales, al ser una necrópolis argumentativa, hay huesos de muchos animales, tal vez los seres nuevos, al no distinguir bien, nos pueden atribuir las calaveras de los cuadrúpedos del Zoo que queda enfrente y nos pondrán los cuernos entonces, o nos pueden embutir en la rodilla las patas del ñandú y hasta es posible que mezclen los huesos de los indios manzaneros, con los garcas que reposan en el
cementerio y que los trataban de negros de mierda. Fíjese Usted Don, ¿y qué dirían ahora, que están todos blanquitos y bien mezcladitos? En el ángulo inferior izquierdo se ve a un típico irresponsable y lascivo personaje, que aprovecha los últimos momentos de vida para penetrar a una Bella Donna, mientras baja las escaleras a todo correr (tal vez sea el fantasma del Indio penetrando a la hija de
Pascacio). A su vez y en medio de las aguas, el Director del Museiom, agita los brazos pidiendo una ayuda que no llegará.”
Análisis: bb

Hija y esposa de indios.

2010-11-03T08:27:00.003-03:00

La esposa de Foyel y la hija de Inacayal posan para Ten Kate.
La niña lleva colgando un Rosario cristiano.
Dibujo: bb
Siguiendo con eso de la familia del indio, obsérvese lo difícil que se le daba a la antropología eso de meterse a saber como coños estaba conformada la familia del Indio: “Compruebo con cierta molestia que el Capitán Musters no hace alusión a la simpática esposa de Foyel en sus crónicas de viaje. ¿Era causa de esta ausencia un simple viaje de la esposa? ¿Había, en aquel entonces, separación de cuerpos entre ambos cónyuges? ¿Para la época de la visita del Capitán Musters, estaría viudo el cacique Foyel y ésta sería entonces, una segunda esposa? Me inclino más a cualquiera de las dos primeras posibilidades, puesto que la última hubiera tenido lugar en la narración del capitán britano (sic) explicando el porqué Margarita (la hija) hacía los honores de la casa.”
Margarita, hija de Foyel: cerebro: 5435, cuero cabelludo:
5444, mascarilla: 5439, esqueleto: 1797.
Antropólogo Melquíades Vignati.
Yo creo que Melquíades tenía miedo de amontonar esqueletos que en vida pertenecieron a cuerpos separados, o, al no saber la constitución de las familias, permitir y hasta
clasificar uniones contra natura o incestos rituales, teatralizados en castizo y en cristiano y certificados por el Museiom. Y también está eso del fantasma del Indio en el Museo, los rumores que se oyen abonan la teoría que sugiere, que al no haber recibido sepultura y pasarse la vida de ultratumba en una vitrina, son muchos los
indios que andan deambulando; algunos dicen que es Inakayal que golpea puertas, que anda desnudo porque odia las ropas del blanco, que dice cosas horribles pero como su lengua nos es desconocida, suena feo pero no se entiende. Otros dicen que el fantasma es de Gabino, un indio guía del Perito Don Pascacio, que lo acompañó
en sus expediciones y le servía de intérprete. Don Pascacio se hizo tan amigo que le dio el llavero de todo el Museo para que le botoneara quien trabajaba y quién no, cosa de buen criterio porque ni los indios, ni los dinosaurios, ni los funcionarios
querían trabajar. Y dicen que dicen que Gabino al morir siguió con esa costumbre tan ortiva de botonear a la gilada y cada vez que se golpeaba una puerta o una ventana, siempre había alguien para decir: ¡Ojo que ahí viene Gabino!
Análisis: bb

La familia del Indio y la del Obrero.

2010-10-31T06:49:00.006-03:00

Grabado en linóleo a partir de una fotografía tomada por el Antropólogo Ten Kate a un grupo de indios manzaneros donde se destacan hombres, mujeres y niños emparentados por lazos familiares estrechos. El grabado es un Proyecto para una prenda, claro para cuando los temas referidos a los indios del Museiom no sean ya urticantes.
Autor: bb
Título: La Familia Obrera.
Autor: Oscar Bony
Familia obrera real expuesta en el Instituto Di Tella.
Anotaciones para una Teoría del Museo
La exposición ante el público y los sabios extranjeros visitantes, de los indios manzaneros “asilados” en el Museo de La Plata, es equivalente a la performance del artista Oscar Bony en el Templo de la estética del 60, el Instituto Di Tella. En ambos casos se trata de objetos animados que se representan o presentan a sí mismos.
Este tema se analizó en la Pequeña Cátedra, pues en ambos casos los personajes expuestos, configuran grupos familiares en conflictocon la sociedad. En el caso de los indios se trataba de las familias principales, el cacicazgo completo, alejado de sus tolderías por razones político militares. Aparentemente se le permitió a cada cacique que se trajera una mujer de las varias que tenían y a todos los hijos, dado que entre ellos, se podía establecer la sucesión del cargo de liderazgo del cacique prisionero. Ambas exposiciones animadas contrarían la característica casi universal de los objetos del Museiom: el ser objetos inanimados. Esos objetos inanimados que,
gracias a la “magia” del Arte, exponen, con la mejor elocuencia estética, los Dogmas en cada momento establecidos por la especie. El Objeto de Arte es el testimonio de una vida sin muerte posible por tener la memoria asegurada. Los objetos animados de Bony presentan una familia obrera, para que la cultura muy loca del Pop no se olvide
de los grasas, que en medio del “batifondo” cultural la laburaban 8 horas diarias 6 días a la semana. Aunque los elegidos de Bony tienen una pinta muy aceptable, casi, casi, son prototipos de hermosos proletarios. La negrada engominada, rubia bonita
y el nene no me come pero me hace la tarea; foto estratificada, el Padre, abajo la Madre y al final el vástago haciendo los deberes. Los sujetos objetos animados de Bony evolucionan en una geometría escasa, si se salen del pedestal son alguien más, pero fuera de lugar. La Muerte es la ausencia de geometría. Es la ausencia de un sistema geométrico o un cambio de sistema geométrico, como lo suponen los creyentes religiosos. Si fuera así, si fuera un cambio de sistema geométrico, es del tipo irreversible, dado que nunca nadie pudo volver al que transitamos, o tal vez nunca nadie quiso volver, por ser el próximo sistema geométrico mucho mejor que éste. Todas las situaciones que acotan o anulan la geometría tienen simpatía con la Muerte. La Cárcel, el Manicomio, el Cementerio, el Zoo, el Museiom de los Indios manzaneros y otras instituciones similares, son las estrategias de la Especie para
dominar el movimiento de la conducta, acotando la geometría y simulando una muerte controlada. Los indios manzaneros vivían libres en el Museo, vivían sin vigilancia, vivían en una geometría acotada al Museo, a la ciudad de La Plata, al campo bonaerense y nada más. Solamente luego de rendirse, de ser hechos prisioneros de guerra y luego de haber sido recolectados, catalogados, medidos, vestidos en rol de gaucho o citadino orillero para ser fotografiados y también desnudos del derecho y del revés. Después de comprobar durante un tiempo que la indiada se quedó en el molde, y el rol de prisionero se complementó con el de rehén. Y después de cumplir el rol de impávido protagonista de la Muerte de la cultura propia, al ver como se la coleccionaba en el Museiom, Templo de las Musas, hijas de la Memoria. Y recién después de posar para el pintor Reinaldo. Solamente después de todo esto, los caciques pudieron pactar con el Gobierno Nacional, volver y recibir tierras, que luego ocuparían los colonos, que mucho más adelante los evocarían a ellos, salvajes
aulladores con el sexo duro de tanto sobarlo con el caballo, y que entraron en la historia robando esas hermosas cautivas, las cuales nos señalan la base genital de esta guerra al indio guacho que me roba mi hembra. El indio no distinguía mucho entre el caballo y la mujer, a los dos se les subía encima. Y si el caballo era yegua mejor. InaKayal no volvió, murió en el Museiom. Es como si el Padre de la Familia Obrera se hubiera muerto en el Di Tella. La Familia Obrera, la Sagrada Familia, la Familia de San José, la Virgen y el Niño, reviven plenamente en la foto de la Familia Obrera. Es una clara familia cristiana, la célula básica de la
Ciudad de La Plata y tantas otras. En cambio, con los indios el resultado fotográfico no es tan claro en el aspecto familiar, solamente porque se lo señala en el epígrafe: “Esposa de Inakayal”, podemos colegir un contrato matrimonial básico.
Las imágenes fotográficas de los indios manzaneros no certifican esa unidad genital productiva, ordenada en parejas con roles establecidos, no, ese orden cristiano
y marxista no era para el indio, a él, después de chupar, le gustaba cogerse a media toldería, y luego ir a buscar una hermosa cautiva italiana para compartirla con los
muchachos. Es por eso que los Jesuitas en la selva les edificaban a los indios, pequeños cuartos separados para tratar de evitar la fiesta sexual penetrativa de estos indios desvergonzados. Tampoco se puede asegurar que creyeran en el amor matrimonial los Yaganes que viajaban en la cubierta de la Fragata
francesa “Romanche”, al volver a destino luego de su misión científica en el Cabo de Hornos. Para la fotografía es difícil indicar quién es quién en la familia del indio. Tampoco es evidente en los indios alojados y expuestos en el Jardin Zoologique
d´Acclimatation de Paris, donde Pierre Petit los fotografiaraen 1885. Y sí, los franceses los mandaron al Zoológico nomás. Bueno, pero convengamos que los franceses son capaces de meter a tanta gente en el Zoológico…
Análisis: bb

Incendio intencional del Templo de la Cultura.

2010-10-26T08:51:00.004-03:00

Título: “Incendio intencional del Templo de la Cultura”.
Autor: A. Benavidez Bedoya
Medidas: 60 cm x 80 cm.
Gran Premio Municipal
Salón de Artes Plásticas “Manuel Belgrano”
Año: 1989
Observaciones: curiosamente este grabado premiado por la Municipalidad de Buenos Aires representa al Centro Municipal Cultural “Recoleta”, se llama “Incendio intencional del Templo de la Cultura” (el Templo clásico delata su modernidad por la cercanía de la autopista). Este grabado forma parte del temprano análisis
institucional de bb. y hay otros dos: “Incendio intencional del Palacio de Justicia” (medio anticipatorio) y la “Inundación del Museo de Ciencias Naturales”, que se analizará dentro de poco, por tener como protagonista al Museiom pero hace 20 años. El gordo que lleva las antorchas es el gordo “Coca Cola”, un personaje de otro grabado. Grabado donde es asesinado el pobre Gordo.

Apuntes para una Teoría del Museo:
El Museo de La Plata, institución anterior a la Universidad de La Plata, y cuya anexión provocara el alejamiento de su Director el Perito Pascacio Moreno reúne en forma azarosa, ya que no coinciden en el momento de su creación, las partes del antiguo Museiom creado por Ptolomeo I: el Museiom o Templo de las Musas, un Observatorio, una Biblioteca, un Zoo y un Botánico. El Zoo está enfrente y es
Municipal, hay un Botánico y el Observatorio es de la Universidad. En cuanto a la Biblioteca, fue diseñada por los arquitectos del Museiom pero nunca construida y la Biblioteca universitaria ocupa ahora la misma manzana que la Facultad de Bellas Artes. El Museo de la Plata es el primero y el único Museo concebido dentro de un Proyecto cultural, el positivista y neoclásico con inclusión indígena, el único Museo
construido desde la piedra fundamental, sin la apropiación recicladora de los políticos tramposos: el Centro Cultural Recoleta era un asilo y el Secretario de Cultura Empacho O’Donnel le dijo al Arquitecto Yesso: “Hacéme lo más parecido a un Pompidú” y rajaron a los viejos, el Museo Yrurtia era la casa de Rogelio, el Fernández Blanco la casa de Noel, el Museo de Arte Decorativo la casa de los Errázuriz, comprada por el Estado Nacional y destinada a la cultura de Dogma más finoli, el Museo Larreta la casa de Enrique, el Museo Nacional de Bellas Artes
era un depósito de aguas, el Museo de Arte Moderno una fábrica de cigarrillos, el Centro Cultural del Centenario la Oficina de Correos, el Centro Borges una tienda gigante, de la cual mi bisabuelo era administrador, el Bon Marché, donde tenía taller Sívori como muchos otros pintores, y por eso aún (no sé hasta cuando) hay en la familia un pequeño paisaje “plein air” de Sívori, donde vuelan palomas cerca
de un silo de granos, lleno por ser la cosecha, el Museo del Tigre era un Casino, la Casa de la Cultura de Mardel la casa de verano de Victoria, y las de Invierno, una del Fondo de Arte y la otra como quinta de finde, todo cultural, reciclandi y manteniendi con mucho ñoqui masticandi, y así al infinito. Los ladrones de los políticos ponen menos plata reciclando edificios, que perdieron su función y nos usan para que la cultura exorcice a los fantasmas de las familias, los obreros,
los ancianos, jugadores o funcionarios desaparecidos. Las Criptas deben ser creadas para eso: para Criptas. Las Criptas conteniendo los tesoros de la Especie no deben ocupar espacios ajenos a esta función. Aunque lo hagan en el Primer Mundo, que tantos errores ha producido, para que luego sean obedientemente copiados en la
Periferia. Y es de hacer notar el pobre papel de nuestro Estado Nacional, si consideramos que los Museos creados últimamente para lo que son, o sea para encriptar el Arte que exalta los valores dogmáticos, los hacen los privados: el Fortabat, el de Costantini. El Museo de La Plata tenía una enorme sala para las Bellas Artes, los calcos que hoy están en la Facultad de Bellas Artes estaban
en la rotonda superior, era un Proyecto total con la precariedad conceptual de la época y quería sumar el Louvre al Museo Británico y a los indios americanos, con su arte y su osamenta, y el arte era importante que se viera, porque si los indios lo creaban era señal de que tenían alma nomás. Lo que hace distinto y especial al Museo Americano con respecto a los europeos son esos seres del Paraíso, caníbales, machistas, borrachos, esclavistas, feroces matando y robando y volviendo a matar al invasor, a todos esos gringos que tienen por Dios a un muerto clavado en pelotas en
una cruz, que pedazo de bestias, pero qué magnífica figura, qué vida llevaban en la más absoluta libertad, sin la moral barroca y nauseabunda que tenemos nosotros, qué envidia andar por el mundo con el pene al aire y las tetas hasta el ombligo, que huevos para cortar al caballo y chupar su sangre, antes de morir de sed en el desierto. Qué determinación para matar un animal y con su sangre bañar el pelo
al ir a matar o morir. Qué placer llevarse esa cautiva blanca, media desnuda, gorda, rubia y de delicada piel, que pintara el tano Della Valle, seguramente desnudando a una ninfa apetecida, a juzgar por ese gesto de entrega, que hace parecer posible un orgasmo con la Bestia ladrona. América y en especial la Patagonia, en toda su extensión, representaba y sigue representando para la conciencia occidental, el último lugar donde se podría comer la manzana y salir a buscar aquello que nos asegure la posibilidad de la existencia del Edén primigenio, aquél lugar donde no existan nunca más ni la moral ni el pecado ni el dolor ni la muerte.
Análisis: bb

La Pose del Indio ante Reinaldo.

2010-10-23T10:23:00.002-03:00

El Indio, el Pintor y el Museo.
La Pose del Indio ante Reinaldo.
“Rotonda central. Planta baja, año 1888. Se ve al pintor Reinaldo Giudici al fondo pintando un mural. En primer plano posan los caciques araucanos Foyel, Inacayal y Coñuel, quién fue después portero del Museo. Moreno los trajo del Sur y los alojó en el Museo”. (No fue así, fueron traídos como prisioneros de guerra por el Ejercito Nacional y ante las gestiones en su favor del Perito Moreno fueron dejados en libertad, pero no se les permitió volver inmediatamente al sur y quedaron “asilados” en el Museo).
Estudio preciso aunque desprolijo de BB de la Pose del Indio ante Reinaldo.
Las flechas indicativas son versiones gráficas que aluden a las verdaderas flechas de los indios.
Anotaciones para una Teoría del Museo
En el año 1888, año en que Inakayal moriría, y no tirándose del frontón de la fachada del Museiom, como algunos dicen, porque si hubiera sido así, su esqueleto habría quedado partido en varios pedazos y la exposición pública del mismo,
su desmontaje, antes de colocarlo en la urna para ser devuelto a su lugar natal, Teka, y las observaciones y estudios científicos, no podrían haberlo dejado pasar. ¿O si?. Bueno, en ese año fatal, el pintor Reinaldo Giudici, pintor verista y socialista, de estirpe realista y nervio itálico, el dietético autor de la “Sopa de los pobres”, que se enseñorea en el Museiom de las Bellas Artes. Ese pincel
preclaro y lleno de medallas en las lides del Arte, fue comisionado para la pintura de murales temáticos en el Museo de la Plata. Como los indios vivían capturados o “asilados” hacía años dentro del relato del Museo, se propuso para la realización de uno de los murales el tema de la Toldería y a los mismos indios “asilados”, (algunos dicen que vivían en los sótanos del Museiom, pero en realidad, como ni siquiera estaba completamente inaugurado, el Museo podía tener espacio disponible
para los objetos animados también), se propuso repito, a los indios como verdaderos modelos directos de la cultura que fenecía, para que el nervio del Pintor produjera la energía mimética necesaria para conformar un documento artístico, antropológico y fotográfico.Ese era el plan. El mural no es el mejor de los tres que tiene
Reinaldo y su ubicación esquinera a la izquierda del visitante que entra al Museo, no lo potencia sino que casi lo esconde. Lo que se puede ver en la fotografía es a Reinaldo en su lugar del andamio y a los indios en patas en la rotonda principal,
principal para el público de a pie, porque los que venían en carruaje lo hacían por la rampa que hoy ocupa el Bar Lácteo del Museiom, (Con lo que chupaba Inakayal le vienen a poner un Bar lácteo, que hará el fantasma de noche, pobrecito. Porque les adelanto que hay quienes dicen que Inakayal al morirse, de la forma que haya sido, dejó su alma en pena rondando por el Museiom. Y sobre ese tema ya volveremos). “Reinaldo y la indiada”, podría haber llamado a esta magnífica foto un garca finisecular; Reinaldo de la bella Italia y tres caciques, dos indios sentados y una india realizando un rito desconocido de la cultura en desgracia. Los indios eran objetos animados, contrariando la práctica del Museiom, que propone objetos inanimados que nos hablen de la vida y de la muerte al ser “animados” otransformados en objetos animados por el Artista. Los objetos animados de colección son para
el ZOO que está al frente del Museo de La Plata. Aunque en realidad, los animales son también objetos inanimados, aunque estén vivos, porque carecen de ánima o “alma”. Y esto no es abstracto, porque el Padre Bartolomé de las Casas bien que discutió arduo y ganó el debate con la Inquisición, sobre si los indios tenían alma o ánima o no la tenían y debían ser tratados como a los animales. Bueno, pues parece
que quienes no la tienen son los animales, que están en el ZOO que está enfrente del Museiom de La Plata. Porque si los indios no hubieran tenido alma, tendrían que haber sido alojados, asilados o enjaulados en el ZOO y no andar por el Museiom libres y en patas y sin ninguna vigilancia, como testifican las crónicas. Y del ánima
al fantasma o ánima o alma en pena hay poco trecho, mis amores. Ya lo veremos. ¿Y que hacía Reinaldo?. Tal vez pintaba en las paredes de la caverna la memoria de aquellos aún vivos, pero capturados en el relato del Museiom, como objetos de estudio postrero y lastimero en su “tránsito” a la muerte definitiva, la muerte cultural. Reinaldo volvía a los indios objetos inanimados al pintarlos en las paredes del Museiom, los tatuaba en la piel del Museiom, los coleccionaba en el cuerpo del Museiom.
(Continuará)
bb

El País de las manzanas.

2010-10-21T08:27:00.006-03:00

Anotaciones para una Teoría del Museo
Otra vez la manzana tiene connotaciones de pecado,fueron los manzaneros araucanos los primeros en vivir de pacto en pacto con los blancos para no guerrear y los últimos en rendirse cuando decidieron hacerle frente al invasor. El “País de las manzanas” es la franja comprendida entre los ríos Colorado y Río Negro y la isla de Choele Choele. Ya Rosas en su Guerra al Indio había visitado el hogar de los manzaneros, que eran llamados así porque la manzana se daba en forma silvestre y ellos la usaban para la alimentación propia y de su ganado y la comerciaban con otros grupos. Eran recolectores y cazadores. Adaptaron rápidamente el caballo a su forma de vida, lo que los volvió más nómades de lo que eran. El cacique Foyel fue nombrado por el Gobierno Nacional “Gobernador del País de las manzanas”. La asignación de tierras trajo como consecuencia, problemas con los colonos, que llegaban de todos los puntos de Europa, y que con los años se dedicarían a evocar a los pueblos originarios.
La muerte de Yemull.
Yemull de joven, vestido y acicalado por el Muesiom.
Yemull, era un cacique indio manzanero coleccionado por el Museo de La Plata, era tuerto, fornido, de barba y pequeño de estatura. Yemull murió a la intemperie, tenía 81 años y lucía largos pelos negros y blancos entremezclados. “Su óbito ocurrió en la noche del 9 al 10 de Julio de 1916 0 1917 en Karwe Guiyen (Chubut). Para festejar el día patrio, el 9 de Julio, estuvo bebiendo en el boliche del lugar acompañado por Wilkaleu, éste, por su físico, era un excelente tipo de Gununa Kune (tipo étnico), cuyo idioma poseía. Borrachos y provistos de un porrón de ginebra, anocheciendo
ya, abandonaron la casa de comercio, pero a corta distancia desmontaron para continuar bebiendo. Heló intensamente: 10 o 15 grados bajo cero. Debieron quedarse dormidos. Lo cierto es que a la mañana del 10, un vecino halló muerto a Yemull como consecuencia de un síncope o por efecto de la borrachera y el frío; y a su lado, profundamente dormido, a Wilkaleu, quién, algo más joven y vigoroso, soportó la
terrible noche”. Carta del señor Tomás Harrington al autor de esta crónica: el antropólogo Milcíades Alejo Vignati.
Análisis y dibujo: bb

Grupos de indios manzaneros.

2010-10-18T08:54:00.003-03:00

Grupo de Indios retratados por el antropólogo Henry Ten Kate en el Museo de La Plata, una de las mujeres madres y uno de los indios manzaneros o del País de las manzanas con sombrero gaucho que se hombrean con los policías se dejaron medir con el Sistema Bertillon. Obsérvese los dos policías que custodian a los indios por ser indios siendo ellos mismos también del mismo origen.
Grupo de indios medidos y fotografiados por Henry Tel Kate en el Museo de La Plata.
Dibujo Autor: bb
Apuntes para una Teoría del Museo:
Los funcionarios y científicos que estuvieron a cargo de los indios en el Museiom
fueron dos: un francés llamado Beaufils y el ya nombrado, el antropólogo holandés
Henry Ten Kate. Beaufils, a cargo en el aspecto más llano del asunto, opinaba al
completar el cuadro de caracteres psicológicos de los indios que “el cacique
Inakayal era reservado, receloso, disimulado y rencoroso, incapaz de manifestar sus
sentimientos, poco afecto a la comunicación y sólo comunicativo en estado de ebriedad, indolente y haragán, de sensualidad muy acentuada, de mucho orgullo, desprovisto de toda generosidad, indiferente y astuto, fácilmente pendenciero, muy apático, muy sucio y sin ninguna consideración por su persona.” (Convengamos que Monsieur Beaufils no lo quería al indio originario). El antropólogo Ten Kate, por su parte, agrega que “Inakayal y Foyel eran muy orgullosos; Inakayal sobre todo. Cuando se trataba de trabajar, se oponían, sabían solamente comer y dormir. Eran muy poco
comunicativos y no hacían casi nada. Era muy difícil obtener de ellos una información precisa, incluso para aquellos que vivían juntos a ellos. Inakayal,
en sus accesos de cólera sorda, trataba de “gringos” a los mismos argentinos. Él decía: “ Yo jefe. Hijo de esta tierra. Blancos ladrones… mataron a mis hermanos, robaron mis caballos y la tierra que me vio nacer, luego prisionero. Yo infeliz”. En esos momentos su semblante reflejaba una gran tristeza. A veces, luego de una palabra de Inakayal, todos se reunían alrededor de él. Hombres, mujeres y niños formaban un círculo estrecho y entonaban un canto muy lúgubre. A veces estos actos duraban una hora. Cuando al otro día, el Señor Beaufils le preguntaba a Inakayal que significaban esas plegarias, el le respondía que el recuerdo de su tierra natal los volvía muy tristes. Hasta su último suspiro, Inakayal guardó su esperanza de realizar su deseo de ver su tierra”. Sabiendo que los otros caciques volvieron y recibieron tierras, siendo Foyer incluso nombrado por el Gobierno Nacional “Gobernador del País de las manzanas” para que gobernara a los indios manzaneros, resulta extraño lo de Inakayal; hay una disputa con respecto a su edad, tal vez ya era demasiado grande para empezar de nuevo su vida en clave huinca.
Las mascarillas mortuorias de los indios pueden fundirse en bronce y formar con muchas de ellas un monumento, que recuerde los últimos gestos de estos indios al dejar este mundo. Los indios eran objeto de mediciones, su morfología y su geometría
corporal eran de interés, su otredad debía tener raíz física.
Análisis: bb

El intérprete del Cacique.

2010-10-16T09:44:00.005-03:00

El intérprete del Cacique.
En el año 1896 el investigador holandés Henry Ten Kate, que dirigió dos años el Departamento de Antropología del Museo de la Plata, decidió medir a los indios del Museiom, mediante el sistema antropométrico de Alphonse Bertillon, el cual había inventado este sistema antropométrico para fines policiales. El Pequeño Profesor ha traducido del francés este relato desopilante de la medición antropométrica
de los indios “huéspedes”: “Los araucanos pertenecían a aquellos que, más o menos
civilizados, vivían desde hacía años dispersados entre los blancos. Se los encuentra en el ejército de tierra y en la marina, en la policía y en los bomberos, el resto hace un poco de todo, lo que quiere decir que no hacen en realidad casi nada. Una docena de ellos fueron convocados por nuestro Director Moreno, a venir al Museo para ser medidos por mí; los araucanos se prestaron a esto de muy mala manera. Raramente en mi vida de viajero antropólogo tuve que tener tanta paciencia como con estos indios. Como había entre ellos dos policías y habían oído hablar del servicio antropométrico de Bertillon, dado que lo aplican también en La Plata, ellos se
figuraban que mis investigaciones tenían algo que ver con la Policía y no querían ser tratados como vulgares delincuentes, debido a esto se oponían a someterse
a las mediciones. Por fin fue Rufino Vera, el antiguo intérprete de Inakayal y guía probado de las expediciones del Museo, quién aceptó prestarse a algunas mediciones. Su hija ya casada siguió su ejemplo y también uno de los amigos de Rufino de la tribu de los manzaneros. Los otros persistieron en su rechazo. Pero todos se dejaron fotografiar”.
Antropólogo Henry Ten Kate
Traducción: bb

Un cacique en el Museiom.

2010-10-14T08:22:00.004-03:00

Cacique Inakayal.
Dibujo.
Autor: bb
Cacique Inakayal
Esqueleto Nro.: 1834
Cerebro Nro.: 5434
Cuero cabelludo Nro.: 5443
Mascarilla Nro.: 5438
Un Cacique en el Museiom
Por indicación de un alumno de la Pequeña Cátedra, Francisco Tuffo, originario del Neuquén, la cátedra Picola comenzó a interesarse en el Cacique del Museiom de La Plata. Ocurre que finalizada la Conquista del Desierto, varias tribus de díscolos indios continuaban con la guerra al blanco invasor y luego de escaramuzas y de rendirse, fueron traídos como prisioneros a Buenos Aires y alojados en la isla
Martín García. Se trataba de los Caciques, Foyer, Inakayal y Sayewcke, sus intérpretes, sus capitanejos, una esposa por indio y todos los hijos, por ser sus herederos. O sea, los prisioneros eran la clase dirigente de las tribus que quedaban descabezadas, allá en el lejano Neuquén. El Perito Francisco Pascacio Moreno, Director del Museo de la Plata, proyecto preexistente a la Universidad homónima, consiguió que el ejército los liberara y más tarde les diera tierras en el sur. Mientras tanto y por varios años vivieron “asilados” en el Museo que recién se estaba construyendo. Empleados algunos como maestranzas, otros como porteros y los otros sin hacer nada; salvo ser objeto de estudio para los sabios extranjeros.
Sujetos animados junto a los objetos inanimados del Museo. El Director consiguió su libertad y durante años quedaron prisioneros del relato del Museiom, el cual siempre
supo que se trataba de los últimos representantes de culturas que estaban desapareciendo, fue en realidad una salida más humana que seguir toda la vida de prisioneros del Ejército. Pero el horror al vacío al desaparecer su cultura de referencia debe de haber sido espantoso. Sayewcke y Foyel recibieron tierras y volvieron a la Patagonia, Inakayal no. ¿Por qué fue así? No está claro.
Inakayal murió en el Museo de la Plata el 24 de septiembre de 1888. Un testigo llamado Onelli describió emocionado el tránsito del Cacique: “ Inakayal, poderoso cacique Araucano, hecho cautivo en la Guerra del Desierto, vivía libre en el Museo de La Plata; ya casi no se movía de su silla de anciano. Y un día, cuando el sol poniente teñía de púrpura el majestuoso propileo de aquel edificio engarzado entre los sombríos eucaliptus, sostenido por dos indios, apareció Inakayal allá arriba, en la escalinata monumental: se arrancó la ropa, la del invasor de su patria, desnudó
su torso dorado como metal corintio, hizo un ademán al sol, otro larguísimo hacia el Sur; habló palabras desconocidas y en el crepúsculo, la sombra agobiada de este viejo señor de la tierra se desvaneció, como la rápida evocación de su mundo. Esa misma noche Inakayak moría, quizás contento de que el vencedor le hubiese permitido saludar al sol de su patria”. Luego se agrega: ” …la mascarilla (mortuoria) obtenida a las pocas horas de su deceso, le muestra con una expresión de placer
y satisfacción realmente extraordinarios”. Es algo tan triste que no creo que haya habido lugar para el placer y la satisfacción, salvo que la llegada de la muerte lo haya aliviado del horror de ver su mundo morir con él.
bb

La Tele y el Museiom.

2010-10-13T08:36:00.003-03:00

La Tele
Grabado en linóleo.
Autor: bb
La Tele y el Museiom.
La Tele, la caja boba, anatematizada, adorada, temida y deseada sigue su crecimiento conceptual y tecnológico, de la foto al cine, del cine a la tele, de la tele a la PC, de la PC a Internet y de allí quién sabe adónde. Sin color, con color, sin sonido, con sonido y ahora con muchas cosas más. Los medios electrónicos, esas imágenes hermanas de lo que siempre nos mostró el espejo de agua, aquél que con sólo tocarlo pierde su forma al multiplicarla, esos medios electrónicos, físicos y químicos, reinan ya desde hace tiempo en la construcción de sentido de la Especie. El Poder busca dominarlos, pero su naturaleza mutante impide las invasiones clásicas con que lo intentan abordar. Los libros serán memoria. Por fin terminará la quema de libros y el árbol quedará en pie, con propósitos más dignos que dar su pulpa para el periódico de la mañana. El libro ilustrado, el libro de artista, los libros raros, los libros de niños, los libros mágicos, los libros de oraciones, los libros de notas y diarios de vida, los libros de mapas, los libros botánicos, los libros de viajes, los libros de arte y los libros sagrados. Todos ellos serán amados y volverán a reinar. Los libros de ediciones kilométricas, los libros de consulta
permanente, los libros de texto, las ediciones de corto plazo, efímeras en su pretensión, y la literatura no ilustrada, todos esos libros desaparecerán. Y aparecerán en la Tele, tele sea PC, teléfono portátil, E-BOOK, Internet o cualquier otra variación de las que se ofrecen permanentemente. O todo junto como seguro terminará. El Museiom ya fue impactado, las nuevas modalidades mediáticas atentan con su formato que ya tiene dos siglos en dos núcleos básicos de su concepto institucional. El primero tiene que ver con los medios modernos de reproducción que pueden ya reproducir con una fidelidad perfecta a tamaño natural una pintura clásica.
Sea impreso en soportes flexibles y con la textura reproducida o sea replicado en forma digital sobre un plasma mural, el resultado ya es perfecto. Esto atenta contra la unicidad de la obra, ícono fetiche cargado de verdad en su propia materia, texto directo del Profeta artista creador o seguidor de uno de los Dogmas coexistentes en el Museiom. Lo único volverá a la Cripta y estallará en millones de iguales. Esto, que ocurrirá porque ya es Inevitable, atentará contra su situación como Lugar de culto. El sistema del Museiom tiene como antecedente a los lugares que custodiaban las reliquias de los Santos y en especial al Apóstol Santiago y a Compostela como destino que con poder atrae. Las reliquias son y eran los restos de los personajes sagrados, pelos, huesos, uñas, ropas, objetos, madera de la Vera Cruz y hasta el
prepucio de Cristo, que todavía en 1981 un cura italiano de montaña decía que custodiaba. Los peregrinos eran devotos de los santos y querían ver a los relicarios colmados de las reliquias de sus santos patronos; y el Museiom les digo que está lleno de reliquias y de sus correspondientes devotos. Son reliquias del Museo
del Prado “Las Meninas” y “el Jardín de las Delicias” y en el Louvre “La Gioconda”
“El Taller” de Courbet, una pintura programática como ninguna, “el
Juramento de los Horacios” y tantas otras. Tantas reliquias como Dogmas el Museiom
pueda conciliar en su estómago. Las culturas Centrales, responsables del sistema del
Museiom, potencian el peregrinajes a los lugares de culto como red de validación
mediante la fe de los peregrinos. En su largo visitar, los turistas, aquellos
que hacen el “tour de Europa”, ocupación viajera imaginada en el siglo XVII, validan
al viajar a visitar, al moverse hacia la reliquia, la validan en su valor atractivo. Y su devota presencia, va de Roma a Florencia, de Florencia a Siena, a Venecia, de allí a Ravena y de allí a donde quieran. Un sistema de peregrinación como el de
Santiago de Compostela en clave de Arte, con sus etapas, donde también surgen
otros lugares a visitar. Un sistema de peregrinación distinto de Santiago en su diseño, el diseño del dispositivo de peregrinación del Museiom
es un laberinto que valida al Centro. ¿Podrán Las reliquias físicas del Arte
seguir atrayendo masas de fieles, si éstos pueden disponer de imágenes más
fieles, que las que se ven a través de los vidrios de seguridad del Museiom?.
La experiencia de visitar los lugares sagrados, los lugares de culto, al menos
una vez en la vida, sigue vigente en muchas religiones. Los peregrinos a la vuelta de Compostela, llevaban colgando del cuello una concha marina en señal de haber visitado Santiago, el lugar sagrado, y esa concha es la misma concha de la que surgió Afrodita en la isla de Citerea. Distintas religiones, pero siempre formas
cargadas de variados significados,incluso eróticos.
Análisis: bb

Los Mercaderes del Templo.

2010-10-05T11:43:00.003-03:00

Teoría del Coleccionista
Grabado en linóleo.
Medidas: 60 cm x 80 cm.
Autor: bb
El galerista es un coleccionista que colecciona coleccionistas. Induce a coleccionar al otro aquello que excita su propio Deseo. Al, aquello coleccionarlo otro, por uno coleccionado, la satisfacción sigue siendo propia.
bb
Los Mercaderes del Templo.
Jesús echó a los Mercaderes del Templo a latigazos. Echó a los vendedores de vacas, gallinas, palomas y a los Cambistas. Los Cambistas, los que establecen un valor
objetivo de Cambio, valor de referencia para los valores de la subjetividad más íntima, que el hombre en su desesperación ante la muerte, infla e infla hasta llegar
a la inflación. Valores basados en la escasez. Todo lo escaso tiene valor porque su recolección es más ardua y la escasez habla de su cercanía al Uno, el cual siempre
y en todas las culturas ha tenido un simbolismo claro: El Uno Es Dios. El Oro se usaba en los fondos de los retablos donde correspondía representar con Oro
al cielo porque era el lugar de Dios y había que usar lo más caro; si se debían representar muchos personajes y a todos de negro, a los santos se los pintaba
con un negro de pigmentos derivados del azul cobalto y a los personajes vulgares se los pintaba con un negro corriente derivado del carbón, del rojo sucio. Se lo hacía
para respetar las jerarquías divinas también en el mundo físico. Es claro que la Especie necesitaba que algunos se especializaran, en ponerle un valor de cambio a los valores espirituales o intelectuales o sentimentaleso artísticos, o cualquiera otros valores que Usted Juzgue conveniente agregar y que el Hombre gustaba de crear. Por eso es pertinente aludir a la brillante monografía de Antonio Bonet Correa sobre El Greco y sus contratos, escritos y firmados, para ejecutar sus obras más famosas, la monografía está publicada por la Universidad de Sevilla. Resulta ser y a contracorriente con el rumor, que se escucha en la sala del Museiom, el Greco no era para nada místico febril dedicado a la Trascendencia, le gustaba la buena vida, la buena mesa,la buena cama, la buena música al punto de contratar músicos para que toquen mientras comía; en fin, algo que muchos artistas han hecho: meterse en líos por gozar los frutos de la vida y los placeres del cuerpo. Como Rembrandt, rápidamente comenzó a tener problemas de dinero y debió procurarse un método
para conseguirlo. Como trabajaba para las Órdenes Monásticas, de gran poder en esa época, resolvió firmar los contratos para las obras sin fijar el precio final.
Pedía un gran adelanto, todo lo necesario para la realización: materiales, maderas, pigmentos, carpinteros, ayudantes, oro en hoja para los sobredorados, modelos para los personajes, etc. Luego dejaba pasar mucho tiempo y ante el pedido de los monjes, terminaba súbito la obra y pedía un fangote de guita totalmente desproporcionado.
Los curas desesperados al no poder recuperar el dinero adelantado, ni tener la pintura ya terminaba, apelaban a la Justicia. La Justicia para justipreciar la obra de arte apelaba a los peritos en el Arte, que eran amigos del Greco. A
partir de ese momento se ponía bueno, los Peritos y El Greco pontificaban que el Arte “no tiene precio” manifestado en un valor de cambio. Querían decir
que el Arte ya es un valor en sí y que no le corresponde un valor de cambio. Entonces los curas argumentaban que si bien estaban las obras bien pintadas, había errores en cuanto a la interpretación del Dogma y nombraban como perito a la Santa Inquisición. Jaque Mate a los artistas!!!! Pero como el precio inicial era desproporcionado, siempre el Greco salía beneficiado y parte del dinero mal habido lo gastaba con los Peritos en el Arte. Son muy simpáticas e inteligentes las malas
interpretaciones del Dogma que le achacaban a las pinturas del Greco: en el caso del Expolio de Cristo, que es el momento en que lo desnudan al Cristo para luego crucificarlo, y que está en la Catedral de Toledo; la objeción de la Santa
Inquisición fue que las Tres Marías, que aparecen en el ángulo inferior derecho, no deberían estar allí porque iban a desnudar a un hombre y eso era indecoroso. Otro caso es el de unos ángeles, la Santa Inquisición señaló que las pequeñas alas
que el Greco le había pintado a los robustos ángeles, no podían levantarlos en vuelo ni hasta la copa de los árboles. Era verdad, las hermosas y muy bien pintadas alitas, salvo que se movieran raudas como las del pequeño picaflor, no podrían haberlos llevado de vuelta al cielo a los pobres ángeles alas de pajarito. El Valor Dogmático, el Valor del Canon estético, y el Valor de Cambio.
Los Mercaderes del Templo.
Análisis: bb

El Taller del Artista.

2010-10-03T10:55:00.002-03:00

La Clase de Dibujo.
Autor: BB
El siguiente texto fue escrito por BB cuando era Rector de la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova”. A partir de ser conocido este texto, el sector conservador de la Escuela odió por siempre a BB y el sector moderno, de puro bruto nomás, nunca lo entendió. Es un texto que aborda una institución que ha sido
formalizada en el espacio público con las Escuelas de Bellas Artes, pero incluso sin la existencia de las mismas esta institución existiría, porque es en realidad una institución parte del Museiom desde antiguo.
La transferencia de conocimientos es una de las formas de no morir que tiene la especie.(Nota del Autor)
El Taller como Lugar de Enseñanza.
Propuesta Clásica, variantes Públicas modernas y Modalidades de Posgrado
El Taller, como cátedra o tribuna de un Maestro al que rodean discípulos, tiene antecedentes remotos. Se convierte en una propuesta pedagógica a finales del Renacimiento, si bien su estructura proviene de la organización medieval de los gremios, donde los aprendices recibían la instrucción profesional a cambio de trabajo rentado. De esta situación laboral derivan los contratos que el padre establecía para que su hijo se iniciara tempranamente en la profesión artística. Esta forma de trasmisión primaria de los conocimientos necesita de algunas situaciones sin las cuales su funcionalidad sería nula:
a)El Maestro debía tener conocimientos suficientes o por lo menos aquellos que precisa el alumno. Al no poder un establecimiento público tener la posibilidad de contratar a todos los especialistas de excelencia, para abarcar las variables presentes en el mundo del arte, el Taller se vuelve efectivo en los niveles más básicos. Dado que allí todos los alumnos precisan por igual los conocimientos generales. En los niveles superiores solamente en casos de excepcionalidad por la capacidad probada del Maestro dan resultado, pues con los conocimientos técnicos aprendidos y los plásticos en ejercicio, son los conocimientos estéticos conceptuales los que vinculados a los anteriores dan los resultados esperados.
b) El Maestro daba cátedra suficiente en su taller cuando los estilos eran estables, y el estar incluido en uno no era muestra de falta de originalidad. La vanguardia dio por tierra con esto, y el estar por alguien muy determinado pasó a ser sinónimo de falta de creatividad. De todas formas el Taller como lugar de enseñanza sigue siendo un lugar de trasmisión de Estilo, lo cual puede verse en la generalidad de los casos. Si bien las excepciones existen, éstas son logradas por los profesores actuantes luego de vencer la tendencia pedagógica histórica que tiene el Taller clásico de enseñanza. No hay nada malo en enseñar Estilo, sólo basta que los estilos sean varios, no antitéticos, que la situación sea consciente y planificada, y que la enseñanza no neutralice la génesis del Estilo propio. En los niveles superiores, la tendencia monologuista que trae el Taller tradicional atenta contra la tolerancia necesaria para que surja el mundo simbólico del alumno. Los estudios de posgrado se caracterizan por el trabajo en equipo interdisciplinario y el perfil investigativo de la praxis pedagógica. Dinámica distinta del sesgo estático que plantea el Taller clásico.
c) El Maestro formaba aprendices y discípulos cuando la profesión tenía una funcionalidad sociocultural establecida. El rol social del artista estaba dado y su producción tenía un lugar en el protocolo social y cortesano o en el rito religioso.
En nuestro caso, la inserción futura del alumno no está clara. Pueden ser divulgadores, formadores, artistas profesionales, artistas aplicados a algún área de la producción industrial, restauradores o estudiantes crónicos. Por lo tanto, el intento de repetirse a sí mismo en el discípulo que hacía el Maestro clásico es un intento vano, pues las experiencias de vida serán distintas, y es además contraindicado dada la exigencia vanguardista de originalidad. Estando este concepto (el de vanguardia) en crisis desde hace muchos años, habría que explicitar qué método pedagógico se piensa aplicar, si no se considera válido el vanguardista.
d) El Maestro consolidaba su importancia artística y profesional produciendo discípulos. Este efecto, producido por la utilización del alumno como testimonio de la propia vigencia, lamentablemente se sigue dando y, al haberse vulgarizado el Taller clásico como lugar de la enseñanza, cualquier improvisado puede ejercer el rol al que esta micro institución conduce.
Reflexiones derivadas:
El Taller es una micro institución que genera un espacio escénico en el cual los actores tienen roles asignados y metodologías dadas. La fascinación que ejerce el Maestro funciona gracias a la complicidad del aprendiz, discípulo o alumno. El Taller como trampa fascinadora ha sido instrumentado en el ámbito privado por los artistas para lograr la sobrevida económica, dado que el mercado de arte fracasó en Argentina. Cuando los talleres clásicos se establecen en Escuela de Bellas Artes, tienden a funcionar como micro instituciones dentro de la institución que los contiene, generan fricciones entre ellos y utilizan a los alumnos como testigos y clientes de los maestros a cargo. Hay también profesores que utilizan el Taller público para llenar sus propios talleres privados, y hay alumnos que solamente asisten al Taller público por no disponer de dinero para alquilar un Taller propio. Obviamente todo este entramado macabro de relaciones y conductas debe ser repensado en el nivel de posgrado, para no seguir repitiendo una mímica pedagógica sin futuro.
El Taller clásico se basa en la sabiduría acumulada del Maestro y en su manifestación durante la praxis pedagógica, en la cual el alumno crea un objeto que por sus calidades o por la carencia de ellas, motiva la Lección al despertar la memoria del Maestro ante signos que alarman su conciencia. Este sistema de transmisión de conocimientos presupone infalibilidad por parte del Maestro; transforma en universales, experiencias personales no sistematizadas, y deja como liberación para el alumno solamente la negación o neutralización del Maestro. La sabiduría incontestable que el Taller clásico asigna al Maestro y la sacralización de su experiencia profesional no coinciden con ninguna planificación posible en términos académicos, pues esta presupone una interpenetración en su diseño interno que lleve a la integración y a la complementariedad entre el capaz y el capacitando.
El Maestro-Mesías incapacita a sus discípulos al llevarlos hacia el rol de realizadores de su legado, de interpretadores de sus enseñanzas, logrando de esta forma momificarse en la memoria de los discípulos, transformados en testimonios de su permanencia. Se podría decir, entonces, que los discípulos son coleccionados por el Maestro, el cual conserva su vigencia anulando la posibilidad de Ser de sus discípulos. Estos proyectos mesiánicos se pueden ver corrientemente en la enseñanza artística privada y en la pública.
La sacralización de la experiencia acumulativa del Maestro tiende a establecer una gerontocracia del saber que no necesariamente es cierta, ni basada en aportes genuinos. La edad biológica avanzada no tiene porque coincidir con la excelencia. Toda la historia del arte nos muestra momentos sublimes en la producción de los artistas, y éstos no siempre coinciden con las edades venerables. Hay, incluso, artistas de edad madura que aborrecen de aquello que realizaron en su mejor época.
Hay, por supuesto, también artistas que mejoran, innovan, estudian y crean magníficamente hasta la vejez más avanzada. Es, por lo tanto, imprescindible develar las trampas de las que en general terminan aprovechándose los pícaros, las cuales desprestigian a su vez a los genuinos artistas. Creo que para rediseñar las carreras de grado y posgrado en Bellas Artes, se debe hacer un análisis crítico de esta micro institución tan antigua: el Taller. Es necesario volver a definir su rol, su manera de insertarse en una currícula coherente, ya sea en el nivel de grado o de posgrado, para poder establecer modalidades que impidan que la praxis del taller sea una eterna repetición de sí mismo.
El Taller en sí no tiene nada de malo, lo malo son las enfermedades que ha contraído a través de los siglos y todavía peor son los parásitos que estuvo acumulando.
No tengo nada contra del Taller, dado que hace 30 años que vivo dentro de uno; pero en éste hace rato que fueron exterminados los parásitos que lo poblaban y ahora se siente el espacio que deja la penumbra que habitaban.
Alfredo Benavidez Bedoya

El Salón y la Galería de Arte.

2010-09-28T09:47:00.003-03:00

La Gran Galería del Louvre
Dibujada por Thomas Allom y grabada por J.B. Allen.
1840
La Gran Galería del Louvre, de donde toman su nombre las Galerías modernas. Adviértase la actividad febril de los copistas, forma elemental de la multiplicación.
La copia legal debía tener un 10 % menos de la base de la obra original. El mercado de la copia era enorme, también se publicaban grabados de las obras premiadas en el Salón.
“El Guardián del Museo”
Jorge Luis Borges con forma de pene erecto cuida (cura) el Museo Nacional de Bellas Artes.(Borges como aquél que logró burlar la trampa mimética de la cultura periférica. Valor en sí).(Este grabado tiene un Premio Sponsor en la Trienal Internacional de Grabado de Osaka. Japón).
Autor: bb
Apuntes para una Teoría del Museo:
Un brillante Profesor de Historia del Arte que el Pequeño Profesor tuvo en la
Universidad Complutense de Madrid,(durante los largos cuatro años que residió
en Europa en la Dictadura Militar, y digo esto, porque hay vivos que ahora hablan,
cuando en esos tiempos la mamaban bien, ni héroe, ni víctima, pero tampoco un perejil) decía , este conocido historiador español, que el famoso Salón francés explotó y se diseminó en las cientos de Galerías que se abrieron formando el Mercado del Arte. La metáfora es brillante, el Salón estalla en cientos de partículas, se siguen organizando Salones pero la función que inicialmente tenían, que era la de mostrar lo mejor que se hacía en Arte, la pasa a cumplir el sistema de galerías. El Galerista es un Jurado autónomo que decide que mostrar y que no mostrar. Siguiendo con esta idea podría decirse que si el sistema de galerías es el Salón particionado, la reunión de las Galerías en Feria, sería la reunión temporal de las partes dispersas del antiguo Salón. Una Grand Gallerie como la del Louvre donde se hacía
precisamente el Salón. Desaparece el Salón y se vuelve a formar un espacio
de validación, llamado Galería y la Feria es la Gran Galería. Pero parece
que ahora hay Comités de Participación que deciden, qué galerías participan
en la Feria, y qué artistas exponen. Éste nuevo Jurado volvería en realidad a formar el Salón con otro nombre y se superpondría un nuevo Jurado, al ya formado por los Galeristas en su desempeño profesional. Como se puede ver, los formatos institucionales son elásticos y se suceden los unos a los otros. Esta alternancia funcional, demuestra mi teoría, que dice que, el Museiom es en realidad una sola
institución ideal, que se especializa y se recicla al compás de los tiempos
para mejor cumplir su objetivo: ser una enorme aspiradora que atrae hacia sí
a la totalidad del Arte, seleccionándolo por medio de distintas mallas de trama
cada vez más fina, primero la del Taller, luego la de la Escuela, luego la del Salón,
más tarde la de la Galería y al final la malla ultra fina del Museo. Todo este dispositivo de recolección
es lo que yo llamo Museiom. El Galerista es un coleccionista que colecciona coleccionistas, un coleccionista que induce a coleccionar a otros en lugar de hacerlo él, un coleccionista que induce a coleccionar su disfrute personal, al señalar la obra en la que su placer logró mayor intensidad. El Galerista al señalar lo coleccionable, expande el mundo de los valores; y cada colección abierta es un argumento para la valoración del tránsito por nuestra vida. El Galerista indica un valor de cambio que habilita la circulación del Arte. La unión del valor dogmático, del valor formal o de Canon y del valor de cambio, es el momento en que se pasa del mundo subjetivo, metafórico y estético al mundo objetivo, físico, funcional,
al mundo con valores de referencia para toda la especie. Es el paso de la esfera personal a la pública, y siempre aquello muy valorado en la esfera personal
será menos valorado en la esfera pública, que es la esfera de todos y los valores ya no son autorreferenciales. Pero si es valorado tendrá una cotización de referencia.
Ese es el valor de referencia, claro que cambia constantemente en función
de la necesidad simbólica que de la obra tenga la Especie.
Análisis: bb

Un Tiburón en el Museiom.

2010-09-22T09:06:00.006-03:00

Frasco del Museo de Ciencias Naturales de Bs. As.
Tiburón de Damien.
Un tiburón en el Museiom.
La educación académica en el siglo diecinueve tenía sus bemoles, y sino hay que fijarse en los temas de los exámenes y en los concursos: ”Zenobia encontrada
a orillas del Araxe”, ¿Quién será Zenobia y dónde estará el río Araxe? ¿Se habrá secado?. Para saberlo había que estudiar en los famosos “cursos de Historia de las Antigüedades”, “las materias teóricas” de la época. Y esas sesudas, difíciles, clásicas y bíblicas cosas se enseñaban en la “Grand Ecole” de Bellas Artes, no en la “Petit Ecole” que terminará siendo la Escuela de Artes Decorativas. Este debate no
es abstracto en Argentina, pues los formatos institucionales franceses hicieron estragos aquí, debido a la voracidad importadora de nuestros Padres fundadores de las instituciones culturales. Los cursos de Historia de las Antiguedades, eran los cursos teóricos para el entrenamiento intelectual necesario para ilustrar el Dogma neoclásico republicano. Los temas eran clásicos, bíblicos y morales, como muestran los temas de la Escuela de Bellas Artes para el Examen de Cabeza de Expresión:
“El contento de un padre después de la cura de su hijo”, ”El pudor mezclado con el miedo”. Todo un entramado simbólico basado en las expresiones morales, las leyes de
la fisonomía y sustentado por Descartes en su “Tratado de las pasiones”. La Escuela formaba pensando en el Salón del Museiom. Si hoy lo hiciera pensando en el paradigma del Artista prodigio Damien Hirst, aceptado en el Museiom por un tiburón nadando
en formol, la Escuela de Bellas Artes, debería enseñar a pescar. El Arte conceptual o neo conceptual no genera conocimientos que se puedan sistematizar y transferir,
salvo la información exacta de lo que creó el artista en el plano conceptual y real, que tiene además vedada su réplica, por la imposición del gesto único del artista consagrado. En el caso de Damien lo que llama la atención es que lo que él presenta como novedoso, se practica desde siempre en el Museo de Ciencias Naturales, donde la práctica del tarro con formol es permanente. Damien cambió el frasco de lugar y provocó una ruptura en el encadenamiento habitual de los discursos del Museiom. Porque la Muerte como fenómeno natural es un recorte que corresponde al Museo de Historia Natural.
Es de hacer notar el hecho de que la Academia de Bellas Artes de Paris, haya sido la primera institución en preocuparse del Museo como pieza arquitectónica, y esto es patente dado que varias veces a finales del siglo XVIII llamó a Concurso para el prestigioso Premio de Roma, poniendo al Museo como tema de Concurso. El Premio de Roma era el Premio más apreciado, pues el ganador era pensionado en la Villa Mèdicis por varios años. La Escuela proponía como tema de competencia el lugar donde guardar en definitiva, la producción de sus egresados. El Louvre con sus Galerías gigantescas era y es un despropósito, en el Salón del Louvre se colgaban obras a seis metros de altura, llegando incluso a alquilar larga vistas de teatro para poder verlas.
Análisis: bb

El Canon del Salón es el Dogma de la Escuela.

2010-09-20T08:14:00.006-03:00

Descripción arquitectónica y simbólica
de la Fachada del Museiom de la Plata:

“La fachada principal nos da una prueba firme de la presencia del espíritu neoclásico. El acceso se produce a través de la amplia escalinata de granito, cuyo segundo tramo es flanqueado por estatuas de esmilodonte, el imponente tigre pampeano. La gran escalinata remata en un pórtico hexástilo monumental que, a modo de frontis de templo griego períptero está compuesto por columnas acanaladas de capitel corintio, abarcadores de las plantas del edificio y cuyo intercolumnio es éustilo. Sobre dichas columnas apoya el entablamento compuesto por el arquitrabe, por un friso carente de metopas y triglifos y por una amplia cornisa denticulada. Esta última sostiene un frontón triangular, cuyo tímpano ha sido ornado por
un grupo escultórico. Dicho grupo consiste en una representación alegórica según la
cual una figura femenina alada, que personifica a la Ciencia, procede a recoger el manto de la ignorancia que cubre el globo terráqueo, teniendo como fondo al cielo, con sus nubes y sus estrellas de primera magnitud.”
Julio A. Morosi
La Escuela Superior de Bellas Artes de la Nación. Con el Santódromo, San Rector, San Profesor y San Alumno, y en la Fuente Primordial del centro una peculiar pareja.
Se muestran las tres actitudes pedagógicas del Maestro: La Dirigista, la Asistencialista y la Personalista.

Apuntes para una Teoría del Museo:
El Canon del Salón es el Dogma de la Escuela.
El Salón, se llame Salón, Bienal, Trienal, Concurso, Certamen, Premio o cualquier otra denominación capciosa, es en realidad una competición que propone la clase sacerdotal para dirimir a quienes se los considera los mejores, con el claro propósito de establecer un Canon, que marque a los artistas que, encarnando un Dogma dado o creado por el mismo artista,hayan alcanzado un grado de destreza en el uso de las normas canónicas aceptadas o establezcan nuevas normas para ser aplicadas desde ese momento. Es por esto que el Canon del Salón es el Dogma de la Escuela. La Escuela
de Bellas Artes, de Artes Visuales, de Artes Plásticas, la Facultad de Bellas Artes, la Academia de Bellas Artes en su versión Instituto de Enseñanza y todas las otras
denominaciones capciosas, son en realidad una parte del Museiom dedicado a la formación de los futuros obreros artistas que engalanarán con sus obras
las salas del Museiom, si acaso logran pasar las mallas selectoras de la Escuela primero, ya que muchos no la logran superar, la del Salón en todas
sus versiones, más tarde la del Mercado y luego la del Sumo con su Consejo, quienes tienen en su voz la última palabra de admisión. El Salón por invitación limitada o general, por selección con reglamento escrito o no, el Salón público, privado
o semipúblico, con Premios, Diplomas, Medallas o sin ellos. El Salón internacional, nacional, provincial, municipal, o de cualquier tipo o importancia es la forma discreta pero cruenta de separar el rebaño ya educado en la Escuela. El problema se suscita cuando el Salón, (en sus distintas versiones) desde el conflicto con los
Impresionistas, no propone ningún Canon para establecer como Dogma en la Escuela.
O propone todo el tiempo Dogmas que desaparecen tan rápido que la transferencia
de conocimientos, con sus distintas etapas de conceptualización y sistematización, no
llega al aula taller para su correcta puesta en obra simulada pero de Canon correcto.
Como ejemplo característico de esta circulación de mandatos del Salón al aula, se puede mencionar a la Bienal de San Pablo y los viajes de Profesores y estudiantes que hacen para enterarse de sus propuestas y a las clases magistrales que se organizan a su regreso a la Escuela de Bellas Artes para ver los videos de la visita. Esto último antes de la era Internet, porque ahora todo tiende a ser on-line. Detrás de todo siempre hay un Jurado. Recuerden que el experimento
del Salón revolucionario al eliminar el Jurado del mismo, fue un fiasco al punto de que fueron los propios artistas los que pidieron que se volviera a instituir, en 1830la Comuna revolucionaria propuso algo lógico para una Escuela de Bellas Artes enfrentada con las autoridades académicas y sus cánones. La Comuna consideraba al Arte “una expresión libre y original del pensamiento” y al oponerse a “toda dirección oficial dedicada al juzgamiento de los alumnos”, propuso cortar el presupuesto de la Escuela de Bellas Artes. El razonamiento no tiene fisuras: si el Canon de la Academia y su Salón no pueden ser el Dogma de los alumnos
de la Escuela porque coartaría la libertad expresiva de los mismos, la Escuela debe
cerrar. No es que yo lo proponga dado que hace toda una vida que profeso de Profesor
de Historia del Arte y ya sólo deseo llegar cansinamente a mi merecida jubilación, con el 82% móvil incorporado. En realidad, en Egipto no había Escuelas de Bellas Artes ni en Grecia, ni en Roma tampoco, no había Escuelas de Bellas artes en la Prehistoria ni en América antes de Colón, ni había Escuela en muchos lugares más. En la Edad Media los gremios, las cofradías y los talleres de los artistas se encargaron de la enseñanza del “oficio” y recién en el Renacimiento se empieza a formalizar esta parte del Museiom dedicada a la formación artística. Por lo tanto,
una enorme parte de la totalidad del Arte producido por el Hombre, fue creado sin
que existiera la famosa Escuela de Bellas Artes. Ojo no es que quiera que la cierren. Digo, nomás. Detrás de todo siempre hay un Jurado. Digo, nomás.
Análisis: bb

El Salón, el Canon académico y la fotografía.

2010-09-17T08:44:00.008-03:00

Gran Premio de Honor del Salón Nacional
“Presidente de la Nación”
Título: La Fuente de la Abundancia protegida
por veinte barrabravas.
Autor: bb
Como muchos grabados de BB dedicados al análisis del Museiom y sus partes constitutivas, esta xilografía muestra la Fuente primordial de la Abundancia para los artistas: La Pensión Nacional otorgada por el Salón. Como se puede observar, dicha Fuente de la Abundancia está protegida por 20 barrabravas, 20 patoteros apropiadores del dinero público, sansones pelados y panzones, acorralando los emblemas fálicos y testiculares que denotan el nicho de la Fortuna que los artistas
consiguieron crear en el espacio público. Los barrabravas son los parásitos
especialistas en el tráfico de influencias. En la obra que ganó el Gran Premio del Salón nacional estas precisiones son así pero no están visibles ni evidenciadas, igual la obra fue descolgada de las paredes de la Secretaría de la Nación por el nabo de Nun, Secretario senil de la Cultura, que hoy duerme la siesta de los nabos en Londres y que mientras estuvo en el Poder, le regaló el Salón Nacional al Osito
Sponja, a la mujer del nabo, artista aficionada, y al Consejo Asesor, cuyo coordinador ganó, casualmente, el Gran Premio de Honor.
Apuntes para una Teoría del Museo.

Apuntes para una Teoría del Museo.
El Salón, el Canon académico y la fotografía.
Que el Salón de los Independientes (o impresionistas) se haya realizado en el local de Nadar no es casual, era muy amigo de ellos y ellos eran muy de utilizar como
documentación las nuevas tomas fotográficas. Delacroix tiene decenas de fotos a partir de las cuales llenaba sus composiciones de personajes. Degas también las usaba. Rodin hacía fotografiar las modelos y luego dibujaba sobre las fotos, también hacía fotografiar el modelado para hacer cambios. La fotografía revolucionó la representación y puso en duda el rol del artista en el mundo moderno. El retrato se desvaneció y perdió prestigio. La forma abocetada del impresionismo, forma que Emile Zola le reprochó al final de su vida, es una reacción contra la minuciosidad de la toma fotográfica que documentaba con exactitud. El mundo moderno reemplazó las formas constructivas clásicas al introducir el hierro en la Arquitectura y puso en duda las formas académicas al generalizar y abaratar la reproducción fotográfica.
El Canon académico, o sea el conjunto de Reglas que encadenadas entre sí marcaban un estándar de representación artística, fue contrastado con la cruda y elocuente realidad fotográfica. En escultura hubo en el Salón un escándalo paradigmático: el del escultor Clésinger. Fue acusado con justa razón de moldear directamente una modelo, que yacía blanca y exánime al haber sido picada por una serpiente venenosa,
El artista escultor la había cubierto de yeso particionado en taseles que reunidos en molde consiguieron un resultado tan explícito que los penes del Jurado erectaron.
Hoy con el caucho siliconado se puede hacer eso y mucho más. Pero Clésinger se lo hizo a la musa de Baudelaire, se lo hizo a Apollonie Sabatier, por quién
suspiraban en su Salón: Alfred de Musset, Gustave Flaubert, Víctor Hugo, Gustav Doré, Edouard Manet, Berlioz, Theophile Gautier y tantos otros hoy olvidados.
Mujer hermosa como ninguna, cortesana que terminó en las Flores del Mal como “la que es demasiado alegre”.
Epígrafe para las fotos de la obra de Sabatier
Apollonie Sabatier picada por una serpiente.(para mí que a ésta la agarró una pitón y le dio y le dio y le dio y le dio, toda una noche entera)
El moldeo directo es para la escultura lo que es la fotografía para la pintura, el realismo burgués podía permitirse a la bella Apollonie desnuda exánime y envenenada, pero con el distanciamiento propio de la domesticación visual académica que atenúa los llamados de la carne, instando a la percepción a educarse en el Canon, para ya sabiendo, encontrarlos y gozarlos intensamente, gracias al largo camino recorrido hasta ellos y a la mórbida espera necesaria para gozar el prohibido néctar. La fotografía en blanco y negro impulsó a los artistas hacia la paleta cromática, Delacroix y los impresionistas hicieron nicho en el defecto de la fotografía: la ausencia de color. Este mismo defecto impactó sobre la pintura académica basada
en la paleta tonal y también impactó la fotografía con su precisión al documentar la realidad, sobre la manía por el detalle de la pintura clásica y es por eso, repito, que aparecen las formas artísticas imprecisas del impresionismo, sus formas abocetadas. Es por eso que el dibujo desaparece y la forma se diluye, porque al dibujo se lo robó la fotografía. Esa perra traidora que un mal día al grabador litógrafo Niepce se le ocurrió inventar, para perjuicio de los artistas que tuvieron que salir a inventar el arte moderno.
Análisis: bb

El Jurado del Salón Nacional.

2010-09-10T06:50:00.002-03:00

El Jurado.
Autor: bb
Primera y Segunda versión del Jurado, hay otra versión parecida a la primera que
representa a la Academia de Bellas Artes. Actualmente el Salón Nacional está dirigido por un Comisario Político. El Comisario Político, es el rango de menor jerarquía de la Clase sacerdotal. Un funcionario que además es representante de un sector pedorro de la vanguardia periférica argentina, que después de décadas de morirse de risa del Salón Nacional, vienen ahora con la escupidera a tratar de levantarse la Pensión, porque ya nadie les compra los cuadros actuales, y los de antes que interesaban más, hace rato que los tienen otros, los Galeristas.

El Jurado del Salón Francés
Desde 1863 hasta 1883 se desarrolló la “Guerra del Salón”, una guerra en la que nadie ganó nada, el Salón desapareció o perdió importancia, los Impresionistas crearon un Salón paralelo cuya primera exposición fue en el local del fotógrafo Nadar, y luego se repitió 6 veces más, sin muchas ventas por cierto, al punto que varios que participaron en la primera exposición trataron luego de entrar al Salón oficial para ver si vendían algo. Uno de los grandes culpables de este desencuentro fue el Jurado del Salón. Los artistas modernos querían “pertenecer” y no los dejaban.
Cezanne fue admitido gracias a las gestiones que realizó ante un miembro del Instituto (Academia) que podía invitar un artista sin pasar por el Jurado. El Jurado republicano sustituye al Gusto del Monarca decapitado, sustituye al Gusto personal o lo que yo llamo el “Gusto de Mariquita”, aludiendo a Mariquita Sánchez de Thompson. La calidad de ejecución académica (Canon académico) era importante, pero lo más importante era el tema de la obra y su correspondencia simbólica con el Dogma de la clase dominante, en esa época la burguesía. Las parábolas morales, las elipsis
sentimentales, las moralejas ejemplificadoras, las fiebres místicas y otras mierdas parecidas eran el Dogma de la burguesía.
Como relataba Jean Moréas:
“Bíblicas pobrezas con la carne maltratada, abrahames entintados, jesuses con barba de farmacéutico, cardenales con aspecto conciliar, mártires gastados y miserables, mercenarios de las cavernas, escandalosas madonas de abundante busto, titanes exagerados, venus semejantes a nadadoras, ninfas consumidas, napoleones de almanaque, y todos los matices del azul de Prusia y del betún y de la tierra de Siena que los cubría de una corteza amarronada”. Durante el Imperio de Napoleón III
la situación empeoró, el Conde de Nieuwerkerque, que presidía el Jurado del Salón con el mismo Emperador, decía de Courbet y la Escuela de Barbizon: “Esa pintura de la Democracia, de los hombres que no se cambian de ropa interior, que se
quieren imponer a la gente del Gran Mundo. Ese Arte me disgusta y me irrita”. (Es de hacer notar la relación que establece el Señor Conde entre la ropa interior y la Democracia, ¿Qué lencería usaría el Señor Conde, tal vez la que desgarró en su
frenesí el Divino Marqués de Sade? ¿Tal vez se probaba la que dejaba su cortesana preferida?). Este tipo de Jurado produjo el escándalo del Salón de los Rechazados: Resulta que un Profesor de nervio furioso instó al Jurado a rechazar unas 4.000 obras. El enojo se derramó por todo Paris y el mismo Emperador Napoleón III
inspeccionó las obras rechazadas, a las cuales no encontró ni especialmente malas ni especialmente buenas, y ordenó exponerlas separadamente. Fue un gran error imperial. La apertura aclaratoria de Napoleón III no gustó a los artistas rechazados y 600 de ellos no quisieron exponer como rechazados. El público que reemplazó al Jurado
al poder oponer lo supuestamente malo con lo supuestamente bueno, no rescató a los artistas modernos, sino que los ridiculizó en forma perversa. El Jurado quedó resentido por la desautorización del Emperador y juró odio eterno a los Impresionistas. Y los pobres impresionistas vivieron pobres hasta el final, porque nadie les compraba nada porque no ganaban Medallas en el Salón, o sea no ganaban las monedas de homenaje que certificaban destreza y capacidad, y por eso no convocaban a las monedas de cambio que los hubieran hecho felices. En el Salón no habia premios en metálico valor de cambio. En el Salón, tanto el Estado como los coleccionistas privados, compraban lo distinguido por las Medallas. Como en la Bienal de Venecia que, con todo ese discurso moderno de no dar Premios, doctrina aplicada no hace mucho, se terminó emparentando al Salón académico del siglo XIX; al dejar a los señalados con Medalla bien certificados como mejores por la clase sacerdotal para que el Mercado actúe. Una labor de Consultoría gratuita para los operadores
del Mercado. Ya de viejo y sifilítico Manet ganó la Legión de Honor con el desacuerdo explícito del Presidente de la República y ese año le dieron una Segunda Medalla en el Salón por 17 votos, un poco más de la mitad del total de los 33 Jurados actuantes. 33, la Edad del Cristo al ser crucificado. 33 el Grado superior de los francmasones. Manet luchó contra el Salón, pero siempre quiso ser bien tratado por él. Después de todo se trataba de “pertenecer” al Museiom y el Salón es el Salón de recepción; sea éste francés que analizo, sea la Bienal de Venecia o sea cualquier Concurso o Certámen, público o privado, siempre que los cuales, concatenados, den certificación y validen o no, la pertenencia del artista al denominado Museiom.
Análisis: bb

El Salón Nacional

2010-09-08T06:51:00.004-03:00

Medalla del Gran Premio Nacional “Presidente de la Nación” Premio que correspondía a una pensión mensual y que el Presidente Menem, equiparando a los artistas con los políticos ladrones, prohibió de cobrar antes de los 60 años, transformando un estímulo a la producción en una jubilación senil. Los sucesores de Menem no hicieron nada, salvo poner al frente del Salón a un operador político intrascendente. El Comisario Político es el rango de menor calidad pero mayor poder de la Clase sacerdotal.
El Salón
El Salón del cual se habla mucho sin saber tanto, es una institución creada para poner en práctica la autoridad seleccionadora y recolectora representada por la clase sacerdotal reunida en la Academia de Bellas Artes. El Salón deriva de la exposición de la Academia del año donde se exponían los olímpicos trabajos de los miembros de la misma. Anualmente bienalmente o con algunas interrupciones durante los siglos XVII, XIX Y XX, el Salón mostró lo “mejor” garantizado por las miembros de la Academia a los cuales el Monarca Absoluto les otorgaba el ejercicio del Gusto Real, el Gran Goût. El Gusto del Monarca cedido a los especialistas en realizar lo “mejor”. Luego el Salón se abrió a los que no pertenecían a la Academia, para eliminar el Jurado durante la Revolución Francesa para volver a constituirlo ante el fracaso del “Todo vale”, por pedido de los propios artistas. Esta institución seleccionadora productora de Premios en metálico, Medallas o monedas de homenaje, pensiones artísticas y antecedentes curriculares, está más viva que nunca. Las Bienales como la de Venecia deben su existencia a las Exposiciones Universales y sus sistemas de recompensas para los artistas ganadores. Estas Exposiciones Universales pusieron el Arte global en competición y para lograr la selección se basan en la rica experiencia del Salón Francés, que se llama así, porque se realizaba en el Salón Carré del Palacio del Louvre. El Salón en el siglo XVIII era Bienal (como la Bienal de Venecia). La cantidad de artistas varió desde los 37 expositores en 1759 a los 1190 expositores en el año 1833. En el Salón de 1848 hubo 5.180 obras admitidas que presentaron 3318 artistas (los artistas presentaban más de una obra)
En 1840 se rechazaron 2400 obras, si hoy hacen eso no queda ninguna. El Salón siempre se realizó en el Louvre, era una vuelta al Palacio y era una manifestación de la cultura urbana de masas, los visitantes en 1781 fueron 37.000, teniendo entonces Paris y aledaños 600.000 Un 6 % del total visitó el Salón. Hoy para tener una repercusión similar en Bs. As. y conurbano se deberían convocar: 800.000 personas, quién convoca tanto?, puede ser la Feria del Libro, la Rural, Arteba?.
El Salón Nacional de Bellas Artes seguro que no. El Museiom medioeval fue la Catedral y el Museiom Barroco fue el Palacio. El Salón nace en el Palacio, es el
vientre digestivo del Museiom. Todo Certamen, Concurso, Bienal, Trienal, Salón o como lo quieran denominar, no es más que una plataforma seleccionadora para una recolección validada por la clase sacerdotal tenedora de lña delegación del Gran Gusto del Monarca decapitado. Incluso cuando las modernas competencias (Como las grandes Bienales) llegan a la Gran Final con los preseleccionados ya nombrados, por los Comisarios Políticoso los Curadores oficiales, o sea por la Clase Sacerdotal.
Incluso en esos casos la selección se opera dentro de la interacción de todas las voluntades y los rererererelatos y los disdisdisdisdiscursos concatenados. Aunque muchas veces el Relato auto inducido termina produciendo monstruos, como decía el Maestro de Fuendetodos, Don Francisco de Goya y Lucientes.
Análisis: BB

La botita de la Sacerdotisa.

2010-08-29T10:06:00.002-03:00

Botita Hembra.
Botín de Sacerdotisa.
Notas explicativas de la obra y su significado:
Eje penetrativo del botín de la Sacerdotisa. La mayor intensidad penetrativa se da en el Gran Baile de la Primavera dedicado a Venus. Cópula pedestre entre el Sumo y la Sacerdotisa.(Dicen que la Sacerdotisa es la que dirige la Asociación Amigos.)
Apuntes para una Teoría del Museo:
La Otra Viuda del Artista.
El Artista es el mayor productor de amantes viudas o viudos jóvenes y bonitas o bonitos de la Historia. Amantes secretas que posan sus cuerpos y enamoran al Artista, que después de pincelar la tela quiere pincelar la modelo y la transforma en amante secreta, que termina interviniendo en la Sucesión, tras el tránsito al
mundo de ultratumba del Artista canónico. Como cuenta Le Canard de aquella amante
secreta de un gran pintor francés del siglo XX, que pintaba en la casa de su amante y le dejaba las telas de regalo y cuando ella las quiso hacer
expertizar tras su muerte por la viuda, ésta las declaró falsas de buena fe, porque nunca las había visto, y era verdad, porque habían sido creadas en la casa de la amante secreta. Y ¿como saber que todas o todos los que se presentarán fueron realmente amantes del finado? Deberán los sacerdotes sean Curadores o Profesores, entrar en datos íntimos para confirmar el tráfico carnal
del Artista? La ciencia del ADN aportará datos sobre la descendencia de las alumnas
del Artista? Los viudos vestirán de negro? Las Amantes viudas seguirán mostrando lo
suyo a los amigos del Artista finado? A la colchoneta de la modelo, la mandarán a la
tintorería para sacarle esas manchas rebeldes? Los pobres sacerdotes Curadores o Profesores se encuentran con tanta basura en sus sabias
investigaciones biográficas; tienen que amasar la porquería familiar para construir un Dogma aceptable, para sostener a su elegido y llevarlo
hacia el centro de la Sala Nacional del Museiom. Pobres los deudos, conocidos o secretos al quedar con los restos desordenados de la producción del artista y casi siempre sin beneficio por inocencia, necedad o discordia. Las familias de los Artistas sufren mucho el destrato que los mismos sufren en la Guerra
del Museiom. Y para discordia de herederosvaya esta Declaración del conjunto de deudosde Auguste Renoir para controlar a uno de ellos conocido por inescrupuloso: “La familia del pintor Auguste Renoir, hace saber que en lo que
concierne a los Derechos Morales sobre la obra del mismo, este derecho no será ejercido salvoen forma indivisible. Todas las disposiciones que sean tomadas por uno de los herederos sin el concurso de los otros dos serán consideradas
irregulares. La Familia se declara contraria a esto y hace reservas en cuanto a esta eventualidad”. Otro capítulo complicado para la recolección y selección que siempre realiza el Museiom son las ex esposas o esposos, pero de eso no piensa escribir nada el Pequeño Profesor, porque es un gran productor de EX esposas
y a esta altura está jubilado y no quiere más guerra ni guerrilla.
Análisis: bb

El Zapato del Sumo. Zapato macho.

2010-08-26T08:48:00.005-03:00

Zapato Macho
El Zapato del Sumo.
Diseño a partir de una miniatura de porcelana representando una botita de montar de Luis XIII. Aquél Rey que creara la Academia de Francia, de la cual deriva la que padecemos nosotros. Se contempla la realización de un objeto cenicero o Chopp de cerveza inspirados en la misma, para hacernos de unos pesos y para disfrute de la muchachada drogadicta.
La Moda y el Museiom.
La Moda envejece y muere con el Hombre, es su compañera de viaje. Es el influjo inmediato de la estética invadiendo el más allá sin ninguna , salvo la estética natural o la casual. La Moda rechaza lo casual, rechaza la casualidad y se impone
como causalidad de una estética invasiva. La Moda es el pulso y la floración de la sensibilidad feliz. La Moda incluye y protege. La Moda madre es la suma de todas las efímeras temporadas donde lucíamos orgullosos el disfraz de enamorar al otro. La Moda se pegotea al Hombre y al Lugar del Hombre, donde él no está no hay Moda. La Moda excita el genital y asfixia, al quitar el aire mostrando la carne ceñida por ella. A veces la Moda muestra el sexo, a veces lo esconde y a veces lo confunde. Al niño hasta el reciente pasado la Moda lo vestía de adulto y hoy viste al adulto de niño. La Moda cambia porque está en acelerado movimiento delante del tiempo del Arte. Todos estamos en el Tiempo. Pero la Moda viaja en tren, el Hombre en bicicleta y el Arte a pie, son tiempos distintos, cuanto más rápidos más efímeros. La Moda brilla donde el Hombre la necesita y al saltar de la mano del diseño de objeto en objeto se derrama gozosa. La Moda no me entra por eso de la panza, ¿viste?. Y no me sale por eso de las orejas, ¿viste?. Y me incomoda por eso de las nalgas, ¿viste?. Pero la verdad es como dicen: la Moda es una modalidad que no incomoda, por eso de gustarte, ¿viste?. La Moda y el Arte se ven en secreto y se copian disimulando, ella se desenvuelve, se evapora, goza, flota, produce asombro, convoca la risa y el sarcasmo, fascina, enoja, enamora y desaparece. En cambio el Arte se concentra, crece para adentro, aumenta su densidad simbólica, adquiere rigidez y se prepara a seguir brillando más allá del Dogma que encarna y del Canon que lo conforma. La última Moda es el Ego todo florecido, el Super Yo rutilante de brillantina, la autoestima besuqueando al anónimo gentío. La última Moda es lápida de la anterior. El cementerio de la Moda trabaja día y noche, porque la Moda fenece de manera caprichosa, fenece a nuestro antojo al llegar el empalagoso hartazgo.
Análisis: bb

El Museiom y el Arte Moderno.

2010-08-24T08:24:00.002-03:00

El artista en su Taller.
Friedrich
Óleo sobre lienzo. 1811.
Hamburger Kunsthalle.
El Taller del Artista es la posición de salida en el Juego del Artista.

El Museiom y el Arte Moderno.
La Obra de Arte es ante todo un objeto y como todo objeto en el País de los Hombres recolectores siempre está disponible para sus dueños, todos ellos eventuales. La
Obra de Arte pasa de mano en mano, a veces la maltratan pero en general la cuidan y la disfrutan. Suele pasar que, si el Dogma que encarna se ha vuelto odioso, la traten de destruir o esconder, pero si es una buena Obra de Arte, su estética se habrá ya derramado en muchos objetos y siempre alguno quedará para dar testimonio. Suele la clase sacerdotal considerar fuera del Dogma y del Canon también a ciertas
obras de Arte. Como pasó con la vanguardia y la Cripta del Louvre. En esa Cripta y a través del Salón se enfrentaron los planetas y cuando hubo que meter en algún lugar
a los impresionistas se los metió bien lejos: en la Orangerie y el Jeu de Paume, en el vivero de naranjeros y en la cancha para la pelota de mano, y ahora inventaron
el segmento temporal para evitar la discordia y todo se vuelve siglo diecinueve. Y con Picasso que hacemos, no entra, ¿y si el mamarracho se contagia como la horrible viruela, y degrada la Forma del perfecto Canon y tanta perfección se pierde
para siempre? Hay que crear un Museiom para lo Moderno, otra parte de la misma institución, puerta alternativa para todos los artistas que odian la Tradición: El Museo de Arte Moderno de la Ville de Paris y enseguida el Beaubourg o
“Pompidou”, ese gordito que puso toda la tela, tiró abajo seis manzanas de casas históricas y se bancó todas las críticas por lo osado del proyecto. No como Squirru al crear el Moma Mamba Moco Mama Malba Moca Macro Maco Maca Mica o sea todos
los Museos de Arte Moderno que deberán cambiar el nombre porque llegó el Posmoderno ¿O ya se fue? Hacer eso en Bs As y repetir la pelea del Louvre contra la vanguardia? ¿Qué curioso no? Si casi no tenemos nada. Y luego y encima O’donnell pidiéndole al Arquitecto Giesso que el Recoleta sea lo más parecido al Pompidou posible, y sobre todo sin poner la tela que puso el gordito francés. ¿En un asilo de ancianos al lado del cementerio?. Esto prefigura un proyecto mío en estudio y que ya expondré:El Cementerio de los Artistas.
El Museiom se especializa para mejor Recolectar: se vuelve de Arte Moderno, de Arte Hispanoamericano, de Arte Latinoamericano, del Fútbol, de Historia Natural, del Espacio sideral, de lo que sea, hasta del crimen hay. El Museiom es un museo
republicano y recolector, recolecta mediante la expropiación revolucionaria, la donación bajo presión o la cesión voluntariamente devolutiva de los valores acumulados, mediante el saqueo colonial de las criptas periféricas y a veces, pocas, mediante el pago directo con valor oro por las obras que incorpora, y que por ingresar al Inventario multiplican su cotización, volviendo ridículo el precio de compra.El Museiom es una institución distributiva y pública que distribuye
el frenesí del goce estético, pero conserva la propiedad de la fuente de donde mana: La Obra de Arte. Muestra a todos los ciudadanos los tesoros de la Cripta Nacional y por eso tiene una importancia política estratégica. El Museiom recolecta
lo que sus agentes: curadores, profesores, marchands o Jurados, le seleccionan. EL MUSEIOM ES RECOLECTOR, RECOLECTA, BUSCA, SELECCIONA Y RECOLECTA LO
SELECCIONADO, NO PRODUCE. La modesta propuesta del Pequeño Profesor, que será seguramente robada como lo fue la Universidad Nacional de Arte, es que el MUSEIOM
SEA PRODUCTOR de obra artística. Que el Museiom produzca en la República como producía en la Corte, pero sin el Dogma y el Canon del Rey como única posibilidad de creación. Artistas rentados con sus familias protegidas produciendo Arte dentro
de distintos Dogmas y variados Cánones. El Museiom del futuro debería desarrollar un área de acceso fácil para la contemplación de la Colección, teatralmente preparada para el momento de placer y otra área lejana, en una zona rural con viviendas y
talleres para los artistas rentados. Y aquí me dirán: ¿Y quién elige a los elegidos? Por concurso. ¿Y quién elige a los Jurados del Concurso? Y bueno, si no hay otro los elegiría yo. Y aquí me putearán. Pero, entre tanto, el genocidio de los miles y miles de alumnos arruinando sus carreras de vida terminará, porque se darán cuenta
que la malla de selección es ultra fina y reorientarán sus carreras hacia la muerte pasando por otro lado. ¿Y quién garantiza que no será dirigido desde el interés político? Ya sé, nadie lo puede garantizar, decía nomás, se me ocurrió y se los dije, pero por lo menos se los dije.
Análisis: bb

El Sumo.

2010-08-21T19:03:00.002-03:00

EL SUMO
El Curador en Jefe.
En la clase sacerdotal como en toda clase piramidalmente construida existe el Sumo sacerdote.El referente, el que marca el Canon y sostiene el Dogma por él construido,
o construido por otros lejanos a esta periferia, el que reconstruye el Dogma de allá aquí y además lo explica, porque cada vez es más difícil de explicar y se empieza a notar cierto hartazgo, por la sanata en ritmo de sonata sonando sosa. El Sumo Sacerdote que reconstruye el Dogma, lo explica y logra imponer el Canon que le corresponde al mencionado Dogma. El Canon sería el conjunto de reglas o cánones que hay que practicar con excelencia para encarnar un Dogma determinado. El Sumo es el dueño de un “relato”, de un “discurso”, ficcionales ambos por supuesto, que establece el Canon de la Cripta o Museiom, esta es la otra forma de entender el Canon y que se ha practicado en la literatura desde antiguo, en este caso con “el Canon” se señala a los mejores, todos ellos ordenados como dictaba el Derecho de Precedencia, que se aplicaba en la Corte de Versalles: primero iba el Rey, la Reina, su familia y favoritos, y luego todos los otros ubicados en fila interminable según la política, la conveniencia, los títulos de nobleza, el tráfico de influencias, el acoso sexual, las coimas, el crimen y por último, el derecho y los valores personales. El Canon es el cuadro de Honor del Colegio o la Tabla de posiciones de la Liga Metropolitana o, en su defecto, son las fotos de los más buscados
por la Policía Federal. El Sumo fue Romero Brest, ese pelado grandote con anteojos de culo de botella de whisky de contrabando, después vino Jorge Glusberg, al que supe putearlo bien lindo, pero desde el ejercicio erecto de la profesión. Glusberg puro pelo mucha rosca pero que cantidad de laburo no? Jorgito que desde una cueva vanguardista ganaron la Bienal de San Pablo en plena Dictadura, nadie sabe como?
Y esto no es una ironía porque yo realmente no sé cómo lo hicieron. Y luego llegó a dirigir el Museiom haciendo osados cambios en la Cripta, antes no permitidos por los amigos de la misma, los cuales merecerán un capítulo aparte. Los Amigos de la Cripta
junto a los artistas desesperados por entrar en el Museiom echaron al Sumo y obturaron ese lugar con un economista.(El concurso de Director Artístico se baraja en lo obscuro). Hoy el Sumo podría ser Marcelo Pacheco, Curador en Jefe
de la Cripta Latinoamericana, canon privado con respaldo Oro que está por configurar otra Cripta profunda bajo una plaza pública, la cual tenía encima una obra de “Museo”
del famoso arquitecto paisajista brasileño Burle Marx.Marxista patronímico que creó una pieza con diseño de caracol que por albergar a los alcohólicos, vagos y mal entretenidos fue demolida y ahora se podría usar para validar la movida. Salvo que la transparencia pensada para la Cripta, no permita restaurar la moderna pieza de Marx. ¿Y adónde irán a parar los estéticamente incorrectos bustos de próceres que nos miran adustos desde la pelouse de la plaza?. A la Chacarita de los Bustos?
El Sumo maneja el Canon Nacional, Canon de consuelo del artista periférico. Línea paralela algo desobediente pero respetuosa del Canon central, sea de Paris,
sea de NY, sea de donde sea. El Dogma latinoamericano, un Dogma geopolítico denominado latino por los amantes, creo. Ese Dogma procura recolectar todo, para ser algo ante la Metrópolis,tiene el problema de que lo propio propio no es muy moderno,
y si lo es, es tan parecido al original que da verdadera vergüenza. Y la línea política y denunciativa, recién hoy reivindicada, antes dejada de lado y de eso puedo dar testimonio directo; esa línea política tiene el problema de que como los problemas sociales nadie los arregla, termina denunciando a todos los poderosos de todos los colores y gobiernos. Y por eso la terminan mandando al sótano. La Cripta latinoamericana privada y globalizada desplazó a la Cripta Nacional, el Museiom se está moviendo a sólo unas cuadras de distancia, los artistas y los sacerdotes ya lo saben.El Sumo es inevitable, toda clase sacerdotal que custodia, crea o modifica Dogmas, genera una jerarquía a raíz de la capacidad interpretativa diferenciada de sus componentes. No hay en mi análisis actitudes interesadas o revolucionarias,
es solamente mostrar donde mis alumnos deberán erectar.
Análisis: bb

La viuda del Artista

2010-08-20T08:12:00.003-03:00

El Director del Museiom recibiendo a la viuda de un artista del Canon.
Dibujo realizado mediante el “Método Costera”.
Método que consiste en dibujar en el Bus en movimiento.En el Bus de la Costera Metropolitana que nos lleva a La Plata. Al llegar a destino se debe emprolijar el resultado.(Emprolijar es un verbo extraño, como empomar, y a juzgar por la viborita roja que les adjudica el corrector automático, no deben existir)
Autor: bb
Apuntes para una Teoría del Museo:
La Viuda del Artista.
El Artista es el mayor productor de viudas jóvenes y bonitas de la Historia. Se debe esto a su vida azarosa, a sus múltiples ensayos matrimoniales, a su tendencia a gozar la vida y la belleza, a ser un reverendo y obtuso tarado o, tal vez, a un
defecto profesional debido a la magnificada potencia del dispositivo de su sensibilidad. También suele producir viudas horribles cuando sus condiciones de supervivencia son más hostiles. Sea como sea en la época que sea, la desordenada
vida del Artista lo lleva a soluciones que no siempre son las mejores.
Los Artistas conforman un grupo de riesgo para las drogas, los divorcios,
el alcohol, los cuernos, la sífilis y otras enfermedades del reino de Venus.
Dentro de ese marco irregular y moralmente reprochable, el Artista al morir produce viudas, a veces una, a veces varias, a veces uno, a veces varios, como en el caso del Gordo Bergara Leumann. La viuda es quién posee la obra más íntima, el archivo, la información sensible para el Sacerdote Curador o Historiador que construirá el Dogma. La viuda certifica la obra que circula en el mercado como verdadera,
custodia los tirajes de las obras múltiples, denuncia y hace secuestrar las obras falsas, se reserva las mejores obras, las presta pero no se desprende de ellas hasta el final, le vende o dona la mejor al Museiom, tratando de que presida una Sala importante de la Cripta. La viuda, si posee mucha obra y puede gobernar a los hijos de todo tipo que le aparecen originados por el finado, la vende sin inundar el mercado, para no devaluar la cotización del Artista. Hay viudas que hacen esto y disfrutan de lo no disfrutado por el finado y hay otras que hacen cualquier cosa, como la viuda de Utrillo: llamada Lucie Valore, o sea, hasta en el apellido el problema, era una pintora sin ningún Valore que cedió sus derechos para expertizar la obra de su esposo muerto, a cambio de que el tramposo marchand Petrides,
le comprara regularmente cuadro suyos sin ningún Valore en el mercado. Ese Petrides le pagaba las pinturas a Utrillo con vino, ya que era un alcohólico desaforado. Había incluso un dicho que decía:“Un litro, un Utrillo, un litro, un Utrillo”.
La viuda de Utrillo una torpe y una tramposa, no así la madre de Utrillo, Suzanne Valadon, gran pintora bohemia, bebedora retratada por Tolouse-Lautrec, dibujada por Degas y Renoir,amante de varios de ellos pero bella y desnuda posando
para todos. Suzanne, la superviuda de los impresionistas.
bb

La mímesis.

2010-08-17T08:49:00.002-03:00

La Mímesis
Mímesis en griego significa representación, no significa copia fiel del objeto a representar. El hombre representa la realidad de una forma especial, para que esa realidad sea percibida, obra mediante, por sus semejantes. Sin ese vínculo comunicacional el objeto no concita atención. Lo curioso es que ese objeto si conforma un Canon, o sea un paradigma formal de armonía básica tomando como umbral el sistema perceptivo del Hombre, sigue llamando la atención incluso si la obra encarna un Dogma negado por el espectador o gustador. Hay miles de ejemplos, estesería uno:Una Madonna de Rafael que representa a la Virgen con el niño puede
ser disfrutada por un agnóstico, un musulmán o un judío.
La Mímesis ha sido anatematizada por la vanguardia, debido a que el estilo
personalísimo de cada artista no podía ser replicado dentro de la lógica de originalidad que el paradigma de la vanguardia proponía. La copia mimética como sistema de transferencia de conocimientos artísticos se utilizó en toda la historia del Arte, en todas las culturas y se usa actualmente en algunas artes como la música, en la que, sin la repetición incansable de los gestos y operaciones manuales, ningún instrumentista aprendería a tocar nada. También ocurre en la Danza.
La Clase sacerdotal en su versión profesoral anatematizó el método mimético de enseñanza de las artes visuales, o sea aquellas artes más comprometidas con la mímesis, y a estos señores les quiero exponer el método “Fragó” para la enseñanza de las Artes Visuales: Fragó, método que recuerda el apodo del exquisito y libertino
pintor rococó francés llamado Jean-Honoré Fragonard.
Parece que Fragó daba clases carísimas, que consistían en que él recibía por la mañana a sus alumnos, les cobraba la clase carísima y les ponía delante un pequeño cuadro suyo que representaba una ninfa, ordenaba a su asistente que los dejara copiar sin acercarse al cuadro, y se iba a pasar el día con las putas que gustaba frecuentar, pagándoles gracias a las clases carísimas que impartía. Aprovechaba y de paso le pagaba un suplemento a la puta para pintar un cuadro de ninfas. A la
tarde, ya repuesto de la borrachera, volvía al Taller y le firmaba con su nombre al alumno que mejor ejercía la copia mimética al duplicar el Modelo. Al que mejor copiaba la ninfa. A los demás nada. Ustedes dirán que lo relatado es una estafa, un delito, que Fragó era un falsario, un traficante de ninfas, y bien, es verdad, Fragó y todos los artistas somos unos falsarios, porque lo que representamos no existe.
De alguna forma generamos un falso verdadero o un verdadero falso, el cual no hay duda que es falso, pero es verdadero para nosotros y los demás devotos del Dogma o adictos al Canon que lo encarna. Después de todo uno puede disfrutar un Buda
sin ser Budista. La ninfa de Fragó dormía todavía la borrachera ya saciada su sed de alcohol, sexo y dinero debido a clases carísimas,la ninfa que copiaba el ganador no existía, la que había pintado Frago y dejaba como modelo tampoco y la que pintaba luego de hacer el amor,tampoco y la que seguramente volvía a pintar el alumno antes de vender la segunda tampoco. Al día siguiente todo recomenzaba con el nuevo cuadro de putas o de ninfas, ya no recuerdo. Es más, estoy en condiciones de asegurarles que las ninfas no existen, solo existen las putas y las demás, como mi esposa, mis hermanas, mi madre y mi hija. Las decentes, digo, no esas ninfas desnudas y borrachas. De lo que no tengo dudas es de que ese alumno ganador aprendió en
ese único día de clases, más que nunca en toda su vida. Puso a trabajar todo lo suyo para apropiarse de la ninfa del otro y salir a venderla como si no fuera la propia sino la del otro, la cual se iba a dormir con su creador todas las tardes gracias a las clases carísimas que daba a esos aprendices de falsarios, esos estudiantes de Arte, traficantes de ninfas, duplicadores del modelo, que, al dejar de ser Uno,
da lugar al inicio de una serie que puede nunca acabar y afectar su valor de cambio. Es gracias a Fragó que muchas colecciones y Museos del Viejo y del Nuevo Mundo, tienen entre sus tesoros deliciosas ninfas de Fragonard. Los buenos copistas son válidos interpretes del Verbo. Claro el Profesor tiene que tener el valor probado sino es así, esta clase no se puede dar. Fragó hacía lo mismo que Picasso
quién declaró que cuando le traían un falso para certificar y le gustaba lo daba por bueno, lo coleccionaba para su serie. Son todos unos falsarios los artistas.
Análisis: bb

La Fe del Coleccionista.

2010-08-14T21:39:00.000-03:00

Un Coleccionista visita a un Experto para
dotar a su pequeño cuadro de una certificación “Experta”.
Dice el Experto: “Con una expertización de 100 francos,
vuestro cuadro es una mala copia del siglo diecinueve,
con 5000 francos es una escena de género del siglo XVIII
en el estilo de Watteau y por 100000 francos Usted se convierte
en el feliz propietario de una obra Maestra del Maestro citado.”
Chiste aparecido en el Dossier du Canard. Paris 1984.
Dossier dedicado al sistema del arte.

Apuntes para una Teoría del Museo:
La Fe del Coleccionista.
Pretender que el Coleccionista es un actor del famoso sistema del Arte (o Museiom según yo lo denomino), un actor prácticamente secreto, que con su afán privado
no molesta a nadie, y que su acto de coleccionar nace de tendencias individuales fuera de la óptica pública es, o no haber comprendido nada, o ser cómplice de todo.
Todos los hombres como buenos recolectores que fueron, siguen coleccionando objetos, dinero, hombres, mujeres, caballos, aplausos, empresas, perros, estampillas, armas, arte, miniaturas, plantas, animales, enanos de cemento, camisetas de fútbol,
chapitas, caracoles, libros o cualquier cosa que se les ocurra y que no pueda ser consumido de inmediato, como es el caso la comida, la bebida, el sexo casual y las drogas. Todos coleccionamos. Algunos coleccionan hasta problemas y enfermedades.
Y el grupo, la especie, la humanidad o la sociedad también coleccionan; acumulan la colección del Recolector, acumulan, selección mediante a lo mejor de todo lo encontrado, muestran lo más taquillero, mandan al sótano aquello que ya no conmueve o interesa. Todos coleccionamos. Incluso todos fabricamos o parimos o imaginamos
lo que coleccionan los demás y coleccionamos también nosotros. El coleccionista se coleccionaa sí mismo, colecciona aquello que de alguna forma le demuestra que todo tiene sentido, aquello que con su simple presencia hace que la angustia existencial
se torna ridícula, o por lo menos impertinente y grosera.Los ciudadanos coleccionan ávidamente lo que produce el Estado: el Dinero. El Dinero, ya sin el respaldo Oro,
debe a la Fe que le profesan los que lo coleccionan, su verdadero respaldo. Esa es la Fe del Coleccionista.La Fe en el propio juego. El dinero se colecciona por cantidad. El Arte por calidad. El Coleccionista da valor al distinguir
y guardar. Al usar el dinero que es un valor en movimiento en algo estático como el valor estético, el coleccionista multiplica ese valor más que si el valor dinero hubiera seguido en movimiento. Pero lo que más le interesaes la momificación en la memoria colectiva, dejando su colección, como marcación perfecta del disfrute
de la propia vida y de las cosas que la hicieron gloriosa.
El Estado colecciona el Arte que llega al Museiom, y los niños coleccionan las estampillas que emite el Estado, esos pequeños valores postales, que valen
millones cuando muestran rareza al ser pocos o al
tener fallas. Los sellos postales que tienen errores de impresión valen mucho más que los perfectos. El Error también se colecciona.
Análisis: bb

Reglamento Termodinámico del Juego del Artista.

2010-08-12T14:30:00.005-03:00

Artista, galerista y Jurado.
Fichas del Juego del Artista.

Del artista
1- El artista constituye la pieza más interesante de todas, si exceptuamos a todas las demás que componen el juego.
2- El artista es un personaje cautivo a pesar de su aparente libertad. Esta última se le otorga para que trate de salir de su cautividad social.
3- El artista, sea hombre o mujer, puede utilizar su belleza sexual para acosar e incluso seducir a los mediadores ( Profesor, Marchand, Curador y Jurado de Arte).
4- El artista se hará cargo de todos los esfuerzos, sean personales o económicos. Los beneficios físicos o simbólicos deberá socializarlos.
5- Para el artista sus colegas son verdaderos hermanos, los cuales se transforman en verdaderas suegras cuando la sociedad comienza con la selección higiénica necesaria.
6- Si el artista decide no cumplir con su función de Artista, podrá elegir profesar el rol de cualquiera de los demás personajes del juego. Esta traición profesional no
será condenada, al contrario, podrá ser alentada para mejor completar la selección higiénica necesaria.

Del Profesor de Arte
1- El Profesor/a de Arte es un funcionario del Estado y por lo tanto no gana mucho dinero. Es por esta razón que su personalidad es del tipo depresivo y su humor
irritable.
2- El Profesor/a de Arte puede enamorarse perdidamente de un/a artista. Si la artista no le corresponde en su amor, el Profesor/a de Arte puede volverse loco y suicidarse.
3- El Profesor/a de Arte debe enseñar cosas difíciles para comprender o realizar. Porque es a partir del fracaso académico que él puede hacer la selección higiénica
necesaria.
4- El Profesor/a de Arte que es Profesor para ser Artista con sueldo de Profesor/a de Arte, debe en la más recoleta soledad resolver esta contradicción marxista.
5- El Profesor/a de Arte debe profesar todas las disciplinas que el Arte necesita. Si acaso el Arte no necesita ninguna, el Profesor/a de Arte puede profesar la indisciplina permanente.
6- El Profesor/a de Arte transmite y selecciona cuando su interlocutor no recibe lo transmitido.
7- El Profesor/a de Arte sabe. Por titulación pública el saber lo acompaña hasta la jubilación. En ese momento su saber transmigra al Ministerio de Educación, el cual lo redistribuye entre los nuevos titulados.
8- Si el Profesor/a de Arte decide no cumplir con su función selectiva puede
decretar la excelencia de todos los artistas. Será responsable en este caso de la
superpoblación de artistas.

Del Jurado de Arte
1- El Jurado de Arte puede ser corrupto si su naturaleza se lo demanda. Conviene al Artista conocer la inclinación moral del Jurado interviniente, antes de participar en el Concurso donde se hará la selección higiénica necesaria.
2- El Jurado de Arte debe tener preparadas todo tipo de argumentaciones para
fundamentar sus fallos; sean éstas reales, imaginadas, pertinentes o caprichosas.
3- El Jurado de Arte no puede sentir piedad por nadie salvo por sus amigos.
4- El Jurado de Arte debe cobrar buenos honorarios, pues la selección higiénica que él realiza suele traerle problemas que deben ser indemnizados.
5- El Jurado de Arte premia y al hacerlo distingue a sus elegidos.
6- La medalla que premia es una moneda que distingue al valor premiado. Es una moneda que no tiene curso legal, es por esto que los artistas prefieren los premios en moneda común a los premios en moneda de homenaje.
7- Si el Jurado de Arte decide no cumplir con su función selectiva, puede otorgar el Gran Premio a todos los artistas. Será responsable en ese caso de la diferencia
financiera que exista, entre el presupuesto asignado para premios públicos en condiciones selectivas y, lo necesario para poder realizar la socialización democrática de la excelencia universal.

Del Marchand de Arte
1- El Marchand de Arte debe interesar al público en su pupilo artista. Sea éste interesante o no.
2- El pupilo artista debe fingir sometimiento con respecto al Marchand de Arte. El cual tratará siempre de someterlo psicológicamente.
3- El Marchand de Arte debe poder transformar las monedas de homenaje (medallas) que el pupilo artista posea, en monedas de curso legal. Para ello deberá convencer al
cliente de la conveniencia de la transacción.
4- El Marchand de Arte podrá aprovechar todas las lagunas de este reglamento para mejor desarrollar su cometido.com.
5- El Marchand de Arte colecciona pupilos artistas para que sus clientes coleccionen obras de Arte.
6- El Marchand de Arte cobrará un porcentaje equivalente al grado de sometimiento que ha logrado con el pupilo artista.
7- El Marchand de Arte será el nexo entre la codicia del cliente y la miseria del pupilo artista.

Del Curador de Arte
1-El Curador de Arte debe ejercer su autoridad desde una plataforma teórica inalcanzable para el Artista.
2-El Curador de Arte tiene la doble función de Curador y de Crítico de Arte. Esta última deberá ejercerla desde la tribuna inapelable de los medios de comunicación.
3- El Curador de Arte tendrá el deber de Prologar. Su palabra prologante deberá abrir la puerta a la comprensión de la obra de los artistas.
4- El Curador de Arte deberá producir bibliografía de dificultad creciente, a medida que el Artista vaya accediendo a la comprensión de la misma.
5- El Curador de Arte debe ser consciente que su condición lo convierte, en la garantía estética para las inversiones públicas en materia de Arte.
6- Ser una garantía no garantiza la felicidad. Pero, a pesar de esto, el Curador de Arte garantiza y selecciona no garantizando a los demás al acompañar solamente a su
elegido.
7- El Curador de Arte garantiza la calidad del Tesoro y se transforma en su custodio.
8- Si el Curador de Arte decide no cumplir con su función selectiva, puede garantizar la excelencia de todos los artistas. Será responsable en este caso de la
superpoblación de artistas en los museos.
Autor: BB

El Juego del Artista.

2010-08-11T07:12:00.001-03:00

El Juego del Artista
Presentado hace años en la galería Ática por el Pequeño Profesor, El Juego del Artista es una herramienta insustituible para la enseñanza de la práctica del Arte, o la forma de practicar el Arte sin morir en el intento. Aunque eso de morir o fracasar o ser comido está muy presente en el Juego del Artista, al ser un juego genocida dado que aniquila en la selección compulsiva al 80 por ciento de los aspirantes. El desarrollo del Juego comienza en el Taller del Artista que es donde
se lanzan a su carrera profesional los miles y miles de artistas, representados en este juego por cinco solamente. De allí pasarán a la Escuela de Arte donde los come el Profesor de Arte, la siguiente estancia es el Salón de Arte donde son eliminados por el Jurado de Arte, luego la Galería de Arte con el Marchand de Arte y al final el Museo de Arte o Museiom, regenteado por el Curador. La brutal selección de este simpático juego se ve potenciada porque en cada etapa, obligatoriamente hay un artista que queda fuera de juego y los sacerdotes del Arte, curador, jurado o el que sea, no pueden ser comidos por los artistas. Existe un Reglamento Mecánico que es aquél que efectivamente permite realizar, o jugar el Juego y otro, el Reglamento Termodinámico, que ayuda a desentrañar la espesura simbólica impenetrable, levantada por el Museiom para engañarnos a todos, y hacernos dar la vida trabajando a su servicio exclusivo para llenarlo con el mejor Arte conocido. La vida encriptada en el Arte para acompañar a los difuntos. El tablero tiene la forma del caracol marino llamado Nautilus, dado que el juego tiene un carácter formal de laberinto y marca un camino espiralado hacia el interior de sí.
Reglamento Mecánico
En el Juego del Artista intervienen dos jugadores. Uno mueve a los cinco artistas participantes y el otro a los cuatro mediadores: el Profesor de Arte, el Jurado de Arte, el Marchand de Arte y el Curador de Arte.
El objeto del primer jugador es lograr que uno de sus artistas llegue al Museo y logre consagrar su obra artística. El objetivo del segundo jugador es impedir que ello suceda.
Reglas generales del Juego:
1- Para los movimientos de ambos jugadores el juego se vale de un dado. Comienza el que gobierna a los artistas.
2- El número que marque el dado servirá para el movimiento de una de las piezas, no pudiéndose repartir entre dos del mismo bando.
3- Los artistas no pueden retroceder en su movimiento siendo obligatorio mover una pieza en cada tirada de dados.-
4- Los Mediadores pueden moverse hacia los artistas a fin de comerlos, o retroceder hasta su posición original, pero sin sobrepasarla en ningún caso.
5- Los Mediadores mientras retrocedan a sus posiciones originales, no pueden comer a los Artistas.-
6- Los puntos obtenidos con el dado no pueden repartirse entre dos jugadores, debiéndoselos emplear para moverse en un solo sentido.-
7- En todas las etapas los artistas deben llegar a los lugares posteriores a cada Mediador que estén libres, mediante un tiro exacto de dados.- En dicho lugar permanecerán hasta que se completen dichos lugares, o hasta que no quede ningún artista en juego en la etapa en cuestión.- En estas posiciones son invulnerables.-
8- Primera Etapa: Comprende desde el Taller de Arte hasta el Instituto de Arte. De los cinco artistas iniciales sólo egresarán como máximo cuatro del Instituto y serán los que lleguen primero a las cuatro vacantes posteriores a la cátedra del Profesor de Arte .-A partir de esta posición se habrán recibido de Profesores de Bellas Artes.-
9- Segunda Etapa: Nuestros Artistas compiten entre sí para obtener los tres primeros premios en un Salón de Arte. El Jurado muy exigente tiene por misión dejar desiertos los primeros premios, salvo que las obras los merezcan realmente.- Como pueden ver, como máximo sólo habrá tres Artistas premiados. Si en la pugna figuraran cuatro, uno quedaría fuera de carrera.
10.Tercera Etapa: En esta etapa los Artistas serán tentados por el Marchand a vender sus obras. Este Mediador busca compradores para las obras de los Artistas para que tanto estos como él mismo obtengan ventajas económicas en la venta de las Obras de Arte.- La acción de “comerlos” equivale a impedir la llegada de las Obras al Instituto de Arte. Esta etapa sólo puede ser alcanza como máximo por dos Artistas, si hubiere quedado en la misma un tercer Artista este es automáticamente retirado del juego.-
11. Cuarta Etapa: Esta es la última etapa del juego, la consagración o no de un único artista si es que en la etapa anterior no hubiera quedado en carrera ningún Artista. El Curador de Arte tratará de exigir al máximo la calidad de las obras a ingresar al Museo. Sólo una como máximo será digna de ser aceptada, siempre que el Curador no “coma” a los concursantes que aún estén en carrera.-
12. Vencen los Artistas, si uno de ellos logra ingresar su Obra al Museo. Vencen los Mediadores, si ningún Artista logra llega a exponer su Obra en el Museo.-
bb

Las Medallas de los artistas.

2010-08-10T09:31:00.002-03:00

Ptolomeo Primo. Creator Museiom.
Pintura alla Prima
sobre placa de yeso.
Medidas: las de la Hoja Nro: 3
de la Carpeta Rivadavia.
Autor: BB
Apuntes para una Teoría del Museo:
Los historiadores de la Medalla coinciden en que en el Imperio Romano,las monedas, acuñadas en el Templo de Juno Moneta, eran de curso ordinario y las medallas de curso extraordinario. ¿Qué quiere decir esto?: que las monedas circulaban siempre y las medallas eran acuñadas para eventos especiales por los poderosos, los cuales las tiraban al populacho, o al aluvión zoológico, o a la plebe, o a el pueblo llano, o a la negrada, o a la clase trabajadora, según sea la manifiesta tendencia ideológica
del Señor Lector. En esas medallas aparecía la efigie del donante, normalmente un Garca de lo peor, y valían por el metálico precioso o semiprecioso que pesaba, la imagen del Garca no les agregaba nada. Esas “monedas” especiales servían también para pagar el valor de los soldados, valor con valor se paga y por extensión, con medallas se pagaron miles de actos distinguidos, precisamente con medallas. En
el Arte se han dado medallas desde antiguo, los Salones y Bienales dieron siempre medallas hasta que, por no tener presupuesto para comprar metálico precioso, no haber quien modele bien una medalla o ser estéticamente incorrecto marcar una competencia con un símil moneda, o sea con Oro, ya no se entregaron más. Incluso los artistas “a la mode” ven grasa eso de andar repartiendo medallas y diplomas
como si del Cuadro de Honor se tratara. Ahora, si reparten oro contante y sonante, dólares o euros, no hay problema con esos pruritos de artistas mantenidos, pero que no se note. A mí me tocó el reino de la Medalla y si me pongo todas parezco un General latinoamericano en el Día de la Patria. La Medalla señala el mérito y el mérito es un Honor que no paga la canasta familiar del artista, que de esposas y
ex esposas sabe tanto como el que más pero gana menos. El Premio al artista implica marcarlo al distinguirlo. Si es con Oro mejor y sino, que vengan las medallas, monedas de ocasión, pero que sean de Oro que valen lo que pesan.
O sea, que si el valor estético se paga con Oro no quieran pagarlo con Honor, que para sentir frío y honor al mismo tiempo hay que tener una Fe infinita en lo que uno hace.La Medalla dos siglos atrás, era un hito en la vida de un artista,era un escalón imprescindible en la escalera del escalafón académico, hoy ni se mencionan llegando a desaparecer el oficio de medallista. La medalla fue anatematizada por la
clase sacerdotal, y pensar que las llevan en el pecho millones de fieles y enamorados en todo el mundo.
Análisis: BB

La Fe en el Dogma.

2010-08-09T08:47:00.002-03:00

La Fe en el Dogma
La Fe es el único combustible para transitar la vida del Hombre y de la mujer también, es algo muy apreciado, esquivo y cambiante.Ya los griegos tenían a sus Dioses jerarquizados por las plegarias y las ofrendas y los sacrificios que les hacían en su nombre. La Fe es el combustible del Hombre y la plegaria el combustible de los Dioses. El Amor es Fe errante, cansada de encarnar Dogmas ajenos y decidida a la adoración de la propia elección hasta el final.Todo Dogma necesita manifestarse en el Arte y el Arte lo hace vivir después de muerto. En la Edad Media el Museiom era la Catedral, con sus torres y fachadas, sus campanas, vitrales, gárgolas y arbotantes, sus bóvedas de crucería, sus arcos apuntados y sus transeptos, sus
pinturas desvanecidas, sus altares con criptas debajo, los coros tallados en maderas nobles y los púlpitos, árboles para la Palabra. Todo hecho con Arte, para el Cristo y toda su gran familia también. Los retablos, pájaros de alas de maravilla donde viven las Historias Verdaderas, no aquellas que se deben contentar con las gárgolas
que regurgitan en forma grotesca, las lluvias de la techumbre de bronce o de cerámica policromada como la Catedral de Viena, allí donde detuvieron al Turco, ayudados por el Conde Dracul.¡Qué hermoso Museiom armó la Edad Media! Con matroneo
y claristorio, con la bóveda de cañón y la de arista, con deambulatorio, capilla radial y contrafuerte. Museiom con baptisterio incorporado y en sus puertas, las Puertas de Paraíso.Tímpanos, ambones y fajas, ménsulas y capiteles, portales con Mandorla, arquivoltas y parteluz. Y para arcos abundan los de medio punto y los apuntados y les siguen los en herradura, lobulados y conopiales. Museiom partido en naves y con naves de crucero. Las catedrales son naves invertidas como la nave que se ponía a los pies de la Pirámide. Pirámide que hoy marca la entrada a la Cripta del Louvre. La Catedral y sus libros sagrados, todos miniados, llamados así por el rojo a base de minio, los Salterios, los antifonales, los Libros de Horas, y los Libros raros o peligrosos, los Bestiarios y los Herbarios. Y con el claristorio y el triforio, me voy despidiendo de las nervaduras con formero y armadura, y de las esculturas que marcan con donaire los puntos de unión del gran derrame de fuerzas y pesos desde las torres al atrio llano, me despido que ya las fichas de la cátedra de Edad Media se están agotando y el lector, cansando.

La Vuelta al Museo del Louvre.

2010-08-08T10:17:00.003-03:00

Ratón de Cripta
Dícese de aquel roedor que vive y muere dentro de
la Cripta del Museiom. Su pelambre es clara por la
casi ausencia de luz en ese, su lugar natural, los motes
dorados resultan de su dieta basada en los sobredorados
de las obras de Arte que engalanan la Cripta del Museiom
y el tono rosa fuerte es de ingerir los lacres que sellan las
partes más sensibles de la Cripta. Su único pie lo obliga
a dar ridículos saltitos en la oscuridad, y su característico
y nauseabundo
olor a patas, es utilizado para la línea de perfumería de la
clase sacerdotal, por pensar sus integrantes, que los
olores de Cripta aluden a las transformaciones necesarias
para llegar al ultramundo. Otros dicen que son en realidad
académicos operados quirúrgicamente para resistir los
rigores de la Cripta, y poder así alimentarse del Arte que
nunca podrán crear.
Zoólogo aficionado: bb
Apuntes para una Teoría del Museo:
La vuelta al Hogar. La Vuelta al Museo del Louvre.
En 1806 Napoleón Bonaparte echa a los artistas del Louvre. Los protegidos del Rey, como esa escuela de arte para los niños pobres con destreza manifiesta: L’Ecole de les éleves protegés du Roi,se encuentran a la buena del Dios Sol y deciden gozar la libertad paraconstruir diversos Dogmas y Cánones en franca controversia, método
que será llamado vanguardia. Pero al tener como nuevo cliente a la burguesía industriosa, la nueva celadora de la moral pública, verdadero Dogma republicano, el artista se volvió nostálgico al recordar al Louvre. Sobretodo cuando trataban al trabajo de los artistas como objetos de lujo, a lo que Degas les replicaba:“De lujo para Ustedes, para mí son objetos de primera necesidad”.O como decía Toulouse Lautrec, al acercársele un guía de Museo a ofrecer sus servicios. “¿Para qué lo necesito? Si al Louvre lo hemos hecho nosotros?”. Es muy cierto lo que decía el señor Conde Toulouse-Lautrec-Mofa Tapié de Celeyran, noble francés perteneciente a una de las familias más antiguas de Francia,enano discapacitado por pycnodysostose en sus miembros inferiores, debido a la consanguinidad de sus padres que eran primos hermanos y dipsómano perdido entre las tetas de las rameras, también de Francia. Tenía razón el Señor Conde, al Louvre lo han hecho los artistas, los mejores albañiles,arquitectos, grabadores, carpinteros, los mejores ceramistas,
pintores, escultores y tapicistas, los mejores diseñadores y modistos, vitralistas, tapicistas y estuquistas, talladores y doradores, los mejores ebanistas, espejistas y dibujantes y todos los demás que quieran agregar.
Todo eso pagado con la plusvalía del pueblo llano y para el goce y disfrute de un Rey boludo rodeado de putitas.En realidad el Louvre es de los artistas, Napoleón nos echóy como fuera de casa hace un frío espantoso es hora de volver al hogar, no era el Palacio de Invierno el que había que tomar, era el Palacio del Louvre, la Cripta máxima junto al Brithish Museum, ambos con tesoros de todas las criptas del
Tercer mundo. Hay que volver a casa pero ahora el portero no es el Superintendente de Edificios, ahora es el Curador el que nos recibe. Ayyayyayy! Porqué no le hicieron caso a Cèzanne, si ellos son devotos de su Dogma, cuando decía:“Cuando van a poner un artista a la cabeza del Louvre?”. Nunca, teniendo en cuenta que en nuestra Cripta periférica tenemos un Director que es economista, lo cual recuerda que en el Partenón detrás de la escultura de Atenea estaba el Tesoro de Atenas, o sea el Oro necesario en toda Cripta. La Clase Sacerdotal también se especializa en valores de cambio, son el sustituto a las obras de arte que encarnan Dogmas carentes de Fe.
Análisis: bb

La Academia de Bellas Artes.

2010-08-07T08:52:00.002-03:00

La Academia de Bellas Artes.
La Real Academia de Pintura y Escultura de Francia, fue fundada en 1648 tomando como modelos las academias italianas, como la Academia de San Luca en Roma. La Academia di San Luca fue fundada en 1593 por F. Zuccari, que fue su primer Príncipe (Director). Tuvo el patronazgo papal, que controló la institución. La Academia fue dedicada desde principios del siglo XVII al evangelista San Lucas, como protector de los pintores, ya que según la leyenda San Lucas fue el autor del primer retrato de la Virgen María. La institución tomó el modelo de la antigua Universidad de Pintores, Miniaturistas y Bordadores (Università dei Pittori, Miniatori e Ricamatori), corporación de maestros cuyos estatutos y privilegios fueron renovados por Sixto IV en 1478. Por lo tanto todas las opiniones que dicen o dijeron que la Universidad Nacional de Arte, propuesta por el Pequeño Profesor antaño y publicada en dos oportunidades, es una institución que atenta contra las tradicionales, históricas, clásicas, sanas y antiguas instituciones de enseñanza del arte; son verdaderas tonterías, dado que la institución más antigua es justamente una Universidad de Pintura. Con eso también caen los argumentos para la creación de un Instituto Universitario Nacional de Arte y no de una Universidad, pues argumentaban que era necesaria ”Universalidad de Conocimientos”. Otra pavada, la primera Universidad ni siquiera era de Arte, era de Pintura, así solita la pobre.
Otra cosa es el desastre que han hecho del IUNA los animales que lo dirigen.
En 1620, Urbano VIII concede el derecho a la Academia di San Luca de establecer quién
podía ejercer como "artista" en Roma y la capacidad de poder tasar las obras de
Arte y el monopolio sobre todas las comisiones públicas de los Estados Pontificios.
Con el curso de los años la autoridad papal tendrá siempre el control de la institución.La Academia tenía la finalidad según muchos críticos de dar una alta educación a los artistas, pero al mismo tiempo ejercer sobre ellos el control directo de la Iglesia.En Francia, Richelieu crea la Academia de la Lengua primero y Colbert luego moderniza el sistema de control y producción del Arte, para la glorificación del Monarca. La Academia de Pintura y Escultura adquiere su máximo poder bajo la dirección del Pintor Charles Le Brun, quién optimiza el funcionamiento de la Academia, estableciendo la cantidad de miembros, sus atribuciones y privilegios y un estricto sistema de educación. Se crearon muchas Academias y ellas fueron copiadas en todo el mundo occidental. La Academia como controladora del gusto se quedara huérfana de árbitro, cuando cierren los ojos del Monarca mediante la guillotina. También quedara huérfano el artista rentado y deberá navegar la pobreza, la bohemia romántica, el ajenjo, la locura y los caprichos de la burguesía. Nuestra Academia tiene un presente muy triste: todos sus miembros son declarados vanguardistas que en su accionar profesional han proclamado su desprecio por lo académico, pero terminan sentándose en el sitial de sus supuestos enemigos conservadores, con la intención de controlar el acceso a la Cripta. Es por eso que editan los enormes y aburridos tomos del Libro de los Muertos del Arte Nacional,
estableciendo un relato, que más que relato es un libreto interesado,para sostener la hegemonía de sus miembros ya secos y mustios.
Análisis: bb

La Musa Cangreja.

2010-08-06T09:06:00.002-03:00

La Musa Cangreja.
Pintura alla Prima
sobre placa de yeso.
Medidas: las de la Hoja Nro: 3
de la Carpeta Rivadavia.
Autor: BB
La Musa Cangreja hace como sus primas las Parcas,
corta un hilo vital, las Parcas cortan el de la vida
y la Musa Cangreja corta el hilo de devoción entre
los Dogmas y sus creyentes devotos, y en ese momento
el Arte que interpretó a ese Dogma caduco, solamente
se sostendrá si la interpretación del Canon, que hizo
el artista es la correcta por oposición a lo ya consagrado.
Apuntes para una Teoría del Museo:
El Louvre, la casa de los artistas.
Como ya está acreditado, fue Enrique IV quién les otorgó a los artistas alojamiento, ayudantes y talleres en el Palacio del Louvre en 1608.Cuando Louis XIV se mudó a Versalles y Louis XV se radicó definitivamente, la burocracia siguió a la Corte y se instaló en los edificios enormes, que reciben a izquierda y derecha al visitante
cuando llega a Versalles. Abandonado entonces, el Louvre fue copado por las Academias y su gobierno recayó en un Superintendente de Edificios, el cual fue desde ese momento el Dictador del antiguo Palacio.Chardin, Boucher, Fragonard y muchos, muchos desconocidos habitaron el palacio del Louvre, donde se exponían las colecciones de vez en cuando y se desarrollaba el Salón, verdadera “machinne à medailles”, máquina de producir medallas y vestíbulo para el Premio de Roma,con pensión completa en Villa Medicis o el Premio Velázquez, en el Palacio del mismo nombre en Madrid. En estas breves efemérides se puede constatar lo dicho, corresponden a la vida del gran pintor Chardin:
1724: Se recibe de Maestro Pintor en la Academia de San Lucas.
1728: Admitido a la Real Academia de Pintura y Escultura.
1743: elegido Consejero de la Academia.
1752: Primera pensión de 500 libras.
Sus pensiones seguirán subiendo hasta
1400 libras anuales al final de su vida.
1755: Elegido Tesorero de la Academia.
1757: Obtiene de Marigny, Superintendente de Edificios,
un alojamiento en el Louvre.
1774 Renuncia a su cargo de Tesorero de la Academia
por estar en desacuerdo con la nueva organización del Salón
y a partir de ese hecho comienzan sus problemas
1778: Trata de conseguir una jubilación como Tesorero en vano.
1779: Muere Chardin
Adieu Maître.
Análisis: bb

Tucán de Museiom

2010-08-04T10:04:00.002-03:00

Tucán de Museiom
Pintura alla Prima
sobre placa de yeso.
Medidas: las de la Hoja Nro: 3
de la Carpeta Rivadavia.
Autor: BB
Apuntes para una Teoría del Museo:
El Museo del Louvre y del Bicho también.
El Museo del Louvre albergó artistas y los dotó de talleres y artesanos a cargo desde temprano, fue Enrique IV quién les otorgó alojamiento y talleres en el Palacio en 1608. Además de eso se les empezó a otorgar pensiones anuales en libras y todos estos fastuosos acaudalados hicieron de asesores desde lo artístico para cualquier emprendimiento, conservadores (Concierge: conserje) de las colecciones reales, Jurados de concursos de precios para las grandes obras artísticas del Monarca, cobrando las eternas comisiones por izquierda, Jurados en los Salones anuales donde se mostraba en realidad el trabajo de toda la Corporación, fueran los privilegiados o los ninguneados, los cuales con el tiempo terminarán con esta dictadura de la Academia. Porque la Academia era en realidad el organismo de control del Grand Goùt.
Los artistas rentados y alojados por el Rey eran destinatarios de encargos
personales de toda la Corte, además de los encargos del Monarca, Corte que a su vez replicaba en realidad el Grand Goût del Monarca. El ojo Real ve y a través de él, ve también el Artista lo que debe pintar para que el ojo real siga viendo, como dice aquél poema del Pequeño Profesor, poema que trata de de España en una época, la Barroca, donde el estilo cortesano era internacional:
Don Velázquez y el ojo Real.
-Velázquez pinta al Rey. Lo pinta a Él y a todo lo que su ojo ve y ama. Pinta a su mujer, a sus meninas, sus infantes, sus conquistas militares, sus bufones y pinta también a sus perros. Pinta al Rey solamente, pintando todo lo que el ojo Real ve y ama.
-Velázquez pinta al Único que lo deja pintar y vivir holgadamente. Al único en esos tiempos, que podía igualar la destreza de pincel con la destreza de espada.
-Velázquez pinta todo lo que el ojo del Rey señala como digno de la destreza de pincel, que es lo mismo que la destreza de espada defendería si se lo señalaran.
- El ojo del Rey señala lo por Él ya visto para volver a verlo, y para que todos los ojos posteriores sepan lo que Él veía al verlo pintado.
-Velázquez pinta sin ver; y de esa forma su destreza ciega se vuelve más precisa. No necesita Velázquez ver lo ya visto, sólo debe recordarlo con su pincel.
- Nosotros no vemos ni a Velázquez ni al Rey. Vemos el recuerdo de lo que Velázquez no vio nunca. Vemos lo visto por el ojo del Rey. Vemos desde el ojo Real.
- Desde el ojo Real la serenidad es soberana. Nuestra obediencia hacia todo lo visto se calma, quedando sólo lo visto por el ojo Real que ve amando. Lo que hemos visto odiando no fue pintado por Velázquez.
-Volver a ver lo amado por el ojo Real, es no ver lo que hemos visto odiando. En ese momento, de todo lo por nosotros visto solamente lo amado es soberano.
- Tal vez el ver lo amado y luego recordado con destreza, sea la forma de lograr la serenidad, para seguir recordando todo lo que hemos visto odiando, mientras vivíamos con destreza, amando.
Alfredo Benavidez Bedoya.

Lechuzón en el Museiom.

2010-08-03T07:49:00.002-03:00

El Modelo del Museo del Louvre.
El Museo del Louvre es el modelo por antonomasia para todos los museos del mundo.
Es un Museo expropiatorio de los tesoros del Rey, al que mataron. Es por tanto un
Museo Republicano y expropiatorio de tesoros reales y de los saqueos coloniales
del siglo XIX. Y es por lo tanto un modelo difícil de copiar si no se tiene a quién
expropiar o a quién colonizar. El Museo del Louvre no fue construido como Museo sino como Palacio, como nuestro Museo de Arte Decorativo, antiguamente Palacio Errázuriz, en cuyas dependencias de servicio remozadas, anidó la Academia Nacional de Bellas Artes, institución copiada de: La Real Academia de Pintura y Escultura de Francia. El Palacio del Louvre, desarrollado a partir del castillo medieval, era incómodo para la Corte y peligroso en medio de una ciudad que siempre fue irrespetuosa con la realeza. Es por eso que Luis XIV decide llevar la Corte a Versalles, a los antiguos cotos de caza y construir allí un Palacio que se transformará en un modelo de Palacio para los Monarcas Absolutos. Lo construirá a partir del Pabellón de los ciervos,lugar donde los reyes tenían escondidas a sus amantes. El Palacio del
Louvre fue abandonado por el Rey. ¿Quién lo ocupó? Las Academias. Lo mismo que nuestro Museo de Arte Decorativo, que ocupa un Palacio donado en 1930 al Estado Nacional por el aristócrata chileno Mario Errázuriz casado con Josefina de Alvear. En nuestro país la clase aristocrática dona Arte o Museos para llenarlos de Arte, antes de ser expropiada y la Academia, invariablemente ocupa un lugar vacante y prestigioso. El prestigio, es el combustible del poder normativo de la Academia y para tener Poder y Prestigio hay que estar cerca del Poder, es por eso que el Estado Nacionalle paga todos los gastos a la Academia de Bellas Artes y los académicos
hacen lo que quieren con nuestro dinero. ¿Qué tal? Habría que ver si ese Palacio no es un legado con condiciones que no se cumplen… ¿Que tal si en el legado no estaba que podía, en las dependencias de Servicio, anidar la Academia de Bellas Artes?
Análisis: BB

El Libro de los Muertos.

2010-08-02T08:39:00.002-03:00

El Libro de los Muertos.
Según el artista Jorge Macchi, al cual pude conocer cuando comenzara su meteórica carrera hacia el Museiom, las cajas y coberturas que diseñara para el Catálogo del Museo de Bellas Artes son una metáfora o concepto. El mármol nos remite al Siglo XIX o al clasicismo y el cemento al Siglo XX, todo según el Diario Clarín. Ocurre que con lo volubles que son los Dogmas, desde que el Arte Conceptual basara su existencia en ellos, tanto el mármol como el Cementum (material propio y característico del mundo romano, no solamente del siglo XX, antiguo material producido aquí por la Faraona de la Cripta de Puerto Madero), son también materiales para la arquitectura funeraria; lápidas y criptas y bóvedas de cementerio llevan esos materiales y el bronce también. Una elección conceptual perfecta pues las letras
talladas remiten al Epitafio que resume una existencia. Mármol y Cementum monumentales para la Cripta del Museo de Bellas Artes. Caja y coberturas protectoras contra el tiempo para guardar las palabras y las imágenes del Libro de los Muertos, Catálogo del Tesoro de la Cripta del Museiom. El Libros de los Muertos egipcio, compuesto por fórmulas mágicas herméticas para poder desempeñarse en el Inframundo y con plegarias para sostener desde aquí al difunto, es el lugar de la Palabra y la Imagen, es la Biblia,el Libro de los Muertos Tibetano, el Nuevo Testamento, la Tablas de Moisés, El Capital de Carlos Marx, la Constitución Nacional, el Kama Sutra, y cuanto Libro Sagrado o de memorias puedan agregar. Este Catálogo muestra el
Tesoro de la Cripta a todos y le sirve a la Clase sacerdotal, para justipreciar
la calidad de esta Cripta periférica con respecto a las Criptas centrales. En general tratan de remedar un relato aceptable por semejanza con el Centro conalgunas posturas distintas pero obedientes. La Colección replicada y coleccionada en un Libro donde los artistas ya muertos y los que morirán muestran su magia para el Gran Viaje. Estos Libros o Catálogos de las distintas Criptas deberían ser objeto de un estudio comparado,porque nos darían consonancias y disonancias y formarían el mapa global de todas las Criptas unificadas. En realidad todo lo que se escribe sobre el Arte coleccionado o no coleccionado en no importa que parte, sea arte presente o
arte pasado; todos los millones de artículos, revistas, folletos, guías, libros de
Historia, manuales básicos o disparates como el que están leyendo, conforman
un enorme Libro. No se escriben muchos libros, se escribe siempre el mismo:
El Libro de los Muertos.
Análisis: bb

Los pulpitos y la yarará.

2010-08-01T14:01:00.002-03:00

La Fe de los feligreses
Los fieles o feligreses devotos del Dogma del Arte o devotos de
uno de los Dogmas de todos los que ofrece el Arte, son los
espectadores. Aquellos que vuelven arte a algo, con el simple
pararse delante de la obra de arte, seleccionada por los sacerdotes
en el Museiom, y contemplarla con placer, o simplemente
contemplarla, ya que es sólo eso lo que transforma en ícono
a algo que no lo era. Los fieles del arte en la República son todos,
incluso los artistas y los sacerdotes del Arte, todos justiprecian,
consagran y repudian y lo hacen por motivos convergentes de
complicidad simbólica o divergentes cuando profesan Dogmas
artísticos diversos. Los fieles del arte no pueden ser coleccionistas
y disfrutan ocasionalmente en el espacio público, lo que rodea a los
coleccionistas en el ámbito privado. El “Living” o Salón de recepción
públicos es el Museiom, allí donde se cuelga lo mejor. El Faraón
ya no existe, la Cripta pública es el Museiom, el lugar donde se
guarda y muestra aquello que resume la vida y que al mostrar
originalidad demuestra la cercanía del Número Uno, ausente
desde siempre. El Faraón contemporáneo es la Especie, que
muere todos los días de a miles y miles, y la riqueza simbólica
acumulada es mostrada con orgullo en el Museiom
y acompaña a los muertos en su viaje al inframundo.
La Belleza es aquello que nunca deja de ser
Porque al dejarlo quién lo porta al morir
Siempre y de inmediato otro lo portará.
La Belleza es escasa pero permanente.
Es aquello que más cerca está del Número Uno
No aquello que por su partición no se distingue.
Análisis: bb

Los Cardenales del Museiom

2010-07-31T10:53:00.002-03:00

Los Cardenales del Museiom.
Los Curadores, nombre que proviene del latín Curator, que era aquél ciudadano
que se hacía cargo de un indefenso, discapacitado o desamparado, es el Sacerdote
de más alto rango del Museiom, puede trabajar en él o fuera de él, pero su actividad
siempre está dirigida hacia el Museiom, en forma directa o elíptica. Según el carácter de cada Cripta, y por lo tanto el carácter de cada viaje y cada relato, y por lo tanto el carácter de cada Museiom temático, el sacerdote se especializa. El Museiom de Historia Natural tiene a los científicos por sacerdotes, el Museiom de Historia política tiene por sacerdotes a los historiadores, el Museiom de Historia de la Moda a los modistos y el Museiom de Bellas Artes antes tenía a los artistas por responsables y ahora los tiene a los Curadores. Los cuales están por ejercer el control de todos los Museos traten de lo que traten. La crisis profesional y educativa en el terreno del Arte está basada en que los Dogmas se han multiplicado exponencialmente y nadie tiene ya la Fe necesaria para la devoción para poder así sostener estos Dogmas. Es por eso que la clase sacerdotal ha crecido geométricamente, dado que los Dogmas son rápidamente consumidos en el mercado simbólico falto de Fe, y hay que dar espacio en el Museiom a los Dogmas, que los sacerdotes del Arte construyen día a día en complicidad o competencia con los Artistas que son quienes los formulan estéticamente. Hay Dogmas que no perecerán por el Arte que han conseguido que les consagre el rito de pertenencia. Los Dogmas y los ritos no sonnecesariamente los tradicionales basados en las religiones, el marxismo, por ejemplo, es el Dogma que mayor cantidad de fieles ha llevado a la muerte en el siglo XX. No hay cristiano hoy que muera tan convencido como lo hacían los marxistas
hace 30 o 40 años, aunque ya hoy también se ve debilitarse esa Fe después de la caída del Socialismo real. Es de hacer notar que las momias vuelvencon el marxismo y los movimientos populares: Lenin, Stalin, Eva Perón, Chávez con el esqueleto de Bolívar, etc, etc. La necrofilia física del Dogma ateo.
Análisis: bb

Esquema telescópico del Museiom.

2010-07-30T20:41:00.002-03:00

Apuntes para una Teoría del Museo:
Esquema telescópico del Museiom.
El Museo es una institución, o sea una herramienta colectiva para la transformación social en beneficio de la especie, que tiene un carácter muy complejo. Ha desarrollado, para mejor realizar su tarea de selección, otras instituciones, micro instituciones y roles y cargos públicos y privados, o sea, una clase sacerdotal para articular todo el sistema de selección para el ajuar de la momia, para la Cripta colectiva, el llamado Museiom, que hoy reitera el formato milenario. El Museo, la Galería de Arte, el Salón de Arte, la Escuela de Arte y el Taller de Arte son una misma institución, sus partes están ensambladas hasta formar un telescopio como el que se observa en la Ficha de Cátedra que ilustra esta nota. El Curador de Arte, el
Marchand de Arte, el Jurado de Arte y el Profesor de Arte, componen la Clase sacerdotal e intervienen de distintas formas en la selección necesaria, para permitir el ingreso de unos pocos artistas habilitados como interpretadores del Dogma, o de los Dogmas establecidos como beneficiosos para la preservación de la especie, todo bajo la supervisión de la clase sacerdotal, la cual tiene también sus intereses en juego y suele librar verdaderas guerras de dominio, traiciones y corruptelas.El artista debe aprovecharse de las contradicciones del sacerdote.
El Museo otorga a estas instituciones su razón de ser, por lo que es válidoformular, que su carácter no es diferenciado sino que el Museo, la Galería, el Salón, la Escuela y el Taller de Arte son una sola y articulada institución. El Museiom debería sostener a sus partes institucionales parásitas, reconociéndoles libertad de
selección artística y estética. El Museiom tiene la Cripta porque conceptualmente tiene que ver con la Muerte y el mundo de los muertos. Hay que tener presente que se llama Museiom por ser el Templo de las Musas que son hijas de la Memoria, la memoria o lo ya vivido por los ausentes y revivido por los presentes. Los sacerdotes del Arte: los curadores, los marchands, los Jurados y los Profesores les dirán que estas instituciones no tienen nada que ver y que esto es un disparate, se los dirán porque cada uno de ellos en la sección correspondiente tienen privilegios
que no quieren delegar y quieren su peaje apetitoso en la ruta del Artista hacia el Museiom.
Análisis: bb

Marinos, anfibios y terrestres.

2010-07-14T00:07:00.001-03:00

Apuntes para una Teoría del Museo:
La Fe de los Artistas.
Los artistas, esos inmundos saltimbanquis, falsarios, pícaros y
Maestros de las artes de la simulación, esos artífices de fuegos
de artificio, actores mentirosos, poetas dados a la exageración,
prestidigitadores de dedos o dígitos dispuestos o prestos, para
ilustrar cualquier Dogma al precio convenido. Acompañantes
del Poder, pintando a la bella y a su Señor y llegando el Moderno,
dando el gusto a todos, al multiplicar por mil lo inédito y dividir
por cien mil lo que ya no valía nada. Esos artistas que crean valores,
que crean valores estéticos a los cuales hay que ponerles valor,
valor de cambio digo. Esos manipuladores que siembran la Fe en sus
obras creyendo en ellas en forma fanática, Fe que contagia al
que carece de ella y al que cree solamente en el valor de cambio,
dándole la seguridad a éste último, que con la superposición del valor
de cambio al valor estético, se evita un posible capricho o distracción
en la devoción al Oro. Todo es una cuestión de Fe en el firmamento
del Canon estético establecido por la Clase sacerdotal. Canon que
funciona como un “Cuadro de Honor” donde los elegidos
generan Fe histórica desde el Museo de Bellas Artes. Cripta
donde descansan las imágenes de la especie, como si fueran
sueños o pesadillas detenidos en el momento de mayor
intensidad. Artistas que incluso pueden perder la Fe en sus
obras pero que no dejan de ser canónicos, que no dejan de
estar en el “Cuadro de Honor”, porque su ausencia genera
una ruptura en el relato lineal ya establecido por la Clase
sacerdotal. Artistas tratados como egocéntricos, cuando la base
de la validación pasa por la Fe ciega en la propia obra,
circunstancia que dispara la Fe de los que viven en la crisis
de Fe permanente o no tienen ninguna para consolarse.
Esos artistas, rudamente descriptos, son lo mejor que tenemos.
Análisis: bb

La Fe de los sacerdotes.

2010-07-14T00:00:00.000-03:00

Apuntes para una Teoría del Museo:
La Fe de los Sacerdotes
Verdadero enigma el que plantea el Guardián del Templo vacío.
Guardián de la Fe en Quién, de existir no necesitaría guardianes.
Verdadero enigma el que plantea el Guardián del Templo lleno.
Guardián del Tesoro, de Arte y Oro colmado para Él que se espera.
Guardián de la Fe en el propio Dogma, en el Arte y en el Oro.
En el Arte, sean Curadores, Conservadores, Profesores,Galeristas, Académicos, Jurados calificados, Críticos de arte, Arquitectos de la Cripta del Museiom, Peritos restauradores, Funcionarios político culturales, Coleccionistas influyentes,
Historiadores del Arte, Estetas, Tratadistas o los llamados Poetas, esos colegas, cómplices, sucios traidores, coleccionistas de mujeres, compañeros en el alcohol, la droga y la vagina, siempre pidiendo dinero a cambio de un infecto Prólogo, esas bestias malolientes y despatarradas de borrachas, o todo aquél similar o parecido:
son todos pertenecientes a la clase sacerdotal del arte y así como todo clero, tienen una estructura política vertical, que naturalmente construye el ejercicio de la Fe. Los sacerdotes del Arte son todos ellos maravillososinstrumentos clementes de la aplicación del único Dogma verdadero, sea el que sea, y digo esto públicamente para que no me asesinen anónimamente a la vuelta de esquina. Dentro de esa pirámide los Sacerdotes se disponen en categorías según la interpretación del Dogma que el Sacerdote haga y cuya aplicación ensayada haya demostrado ser funcional
a la preservación de la Especie. Cuando deja de serlo su aplicación cesa y el sacerdote baja de categoría, volviéndola a tener si le llega la modalidad retrospectiva (MODA-RETRO).Puede ser un Galerista como Kahnweiler, un poeta como Baudelaire,un crítico como Clement Greenberg, un académico como Reynolds,
historiadores del Arte como Gombrich, Jacobo Burckardt o Hughes,estetas como D. Hickey quién vuelve a nombrar a la Belleza como enigma a resolver, por ser escasa, se use el arquetipo que sea, conservadores como los que mantienen viva la tradición clásica, encarnados en el Papa del Neoclasicismo: Joachim Winckelmann. Coleccionistas como los que abren capillas radiales con su nombre en la Cripta Verdadera en época de poca Fe: el Museo de Bellas Artes, curadores como Aquille Bonito Oliva, de gran prestigio a ignoto por veloz consumo de su interpretación del Dogma otra vez italiana,¡y vamos que ya lleva como diez campeonatos mundiales
ganados la Bella Italia!. Todos ellos son los sacerdotes del Arte, que son casi lo mejor que tenemos, porque son los que hacen felices o infelices a lo mejor que tenemos : a nuestros amigos, los artistas.
La Historia es una piedra cilíndrica y durísima girando
a una velocidad inaudita y la única forma de marcarla
es un sacerdote de Fe probada para que le acerque
la poderosa punta forjada por un artista, para trazar
en la Piedra Filosofal una perfecta cicatriz helicoidal.
Esa cicatriz es lo que llamamos Dogma.
Análisis: bb

Ficha de cátedra. Museo del Bicho.

2010-07-09T09:50:00.000-03:00

Capilla del Señor.
Ficha de Cátedra con boceto para grabado.
Fotografía de Cecilio en la silla de campaña,
Útil artilugio de la Industria Nacional.
Autor: bb

El gusto personal de Mariquita.

2010-07-06T23:32:00.000-03:00

Apuntes para una Teoría del Museo:
El gusto personal de Mariquita.
El Gusto personal como Paradigma estético.
El gusto personal o el gusto social compartido por un grupo determinado,
en general dominante, es en definitiva el rumbo que toma la opinión
de los poderosos y también de los otros, sus sirvientes. A mí
me gusta este, a mí me gusta aquel, me gusta, no me gusta,
lo que no me gusta ni siquiera me disgusta, no existe para mí.
El gusto caprichoso de la Clase dominante tiñe el gusto de las
clases dominadas y Mariquita Sánchez de Velazco y Trillo,
casada en primeras nupcias con el Patriarca de la Prefectura
Naval Argentina Don Martín Jacobo Thompson; Mariquita
Sánchez de Thompson, nos muestra el gusto estético personal
y de su clase social como Paradigma Estético en 1804.
Era una escritora de cartas compulsiva, con las cuales mantenía
una red de informaciones arcaica en los albores de la argentinidad.
La cita corresponde a los hechos producidos por la Primera Invasión inglesa.
El invasor logró la capitulación de Buenos Aires sin disparar un solo tiro,
el Virrey Sobremonte estaba en el Teatro viendo “El sí de las niñas”
de Moratín porque se casaba su hija y salió corriendo con los caudales
de la Corona y los ingleses lo interceptaron en Luján. Al presentarse
las milicias porteñas para rendirse ante los soldados ingleses, Mariquita
nos describe la situación desde su gusto estético personal de clase:

“Permíteme la disgresión, te voy a PINTAR estas dos fuerzas militares,
una delante de otra. Las milicias de Buenos Aires: es preciso confesar
que nuestra gente del campo no es LINDA, es fuerte y robusta pero,
NEGRA.
Las cabezas como un redondel, sucios; unos con chaqueta, otros sin ella;
unos sombreritos chiquitos encima de un pañuelo, atado a la cabeza.
Cada uno de un color, unos amarillos, otros punzó; todos rotos,
en caballos sucios, mal cuidados; todo lo más miserable y FEO.
Las armas sucias, imposible dar ahora una idea de estas tropas. Al
verlas aquel día tremendo, dije a una persona de mi intimidad,
sino se asustan los ingleses de ver esto, no hay esperanza.
Te voy a contar lo que entraba por la Plaza: el regimiento 71 de Escocia,
mandado por el general Pack; las más LINDAS tropas que se podían ver,
el uniforme más POÉTICO, botines de cintas punzó cruzadas, una parte
de la pierna desnuda, una pollerita corta, una gorra de una tercia de alto,
toda formada de plumas y una cinta escocesa que formaba el cintillo;
un chal escocés como banda, sobre una casaquita corta punzó.
Este LINDO uniforme, sobre la más BELLA juventud,
sobre CARAS DE NIEVE,
la LIMPIEZA de estas tropas admirables, ¡ qué contraste más grande!
Nuestro regimiento del Fijo, conservaba aún en Buenos Aires, toda
la vieja costumbre de coleta larga y casaca azul; todo esto ya muy usado.
El Regimiento de Dragones estaba más a la moda. Pero todo, un gran
contraste, sobretodo en la frescura de los uniformes y en la limpieza
de las armas. Todo el mundo estaba aturdido mirando a los lindos
enemigos y llorando por ver que eran judíos (se consideraba herejes
tanto a los judíos como a los protestantes) y que perdiera el Rey de España,
esta joya de su corona; esta es la frase. Nadie lloraba por sí, sino por
el Rey y la Religión” Cita exacta del libro Recuerdos del Buenos Aires Virreinal
Prólogo y selección de cartas: Liniers de Estrada. Editorial ENE. 1953 Buenos Aires.
El gusto de Mariquita al expresar su valor estético, despreciaba a las clases
por ella dominadas, uno diría que la rebelión estaba cerca, pero no, como
se puede ver en Norteamérica, donde los negros se dicen negros entre sí y
señalan siempre a otro que es más negro, las clases dominadas tienen
obediencias increíbles y sino, fíjense en la obediencia periférica
de Latinoamérica hacia la vanguardia europea y al Arte norteamericano.
El gusto del Poder proviene del Grand Goût de los monarcas absolutos
Franceses, los cuales crearon las Academias, instituciones de control del
Grand Goût, y la Argentina la repitió aquí, pero en la variante mamarracho.
Mariquita aplica el valor estético como gusto apelando al Canon racista y
Clasista, sin importarle el Valor dogmático que le decía que eran protestantes
e invasores ni el Valor de cambio que se podría resentir al cambiar de amo.
Análisis: bb

El Oro, el Dólar y la Belleza de los caracoles.

2010-07-03T19:38:00.002-03:00

Apuntes para una Teoría del Museo:
El Oro, el Dólar, la Belleza y los caracoles.
El Dólar norteamericano es una moneda mexicana acuñada en plata llamada Daler que por perversión fonética terminó llamándose Dólar.EEUU adoptó la moneda mexicana Daler por el fracaso de su propia moneda, el Continental, depreciado al punto que había un dicho que decía: “vale menos que un Continental”. Luego de la Guerra Civil, cuando el Dólar comenzó a circular en la Polinesia, desplazó a los caracoles como valor de cambio. Y ahora se dan cuenta porqué estoy dibujando caracoles!!,
mis mercedes, resulta que los pueblos de la Polinesia, como otros africanos
y australianos tenían como valor de cambio a las conchas, o sea a las caracolas
o caracoles; hasta hoy se usan, tal el caso de los: “Caaurí” o Cypraea moneta.
Se dice que en África se podía comprar una esposa joven por 60.000 de esas
conchas. Que tal! 60 mil muertas por una viva. La concha desde la época
prehistórica constituye un símbolo sexual como encarnación de lo femenino
y formaba la parte de muchas ceremonias religiosas. Está en la iconografía
cristiana, en las conchas que llevaban los peregrinos cuando volvían de
Santiago de Compostela, para testimoniar que habían hecho la Larga Marcha.
También en Grecia se consideraba a la concha la fábrica de vida primera,
allí fue que se gestó Afrodita antes de salir en la playa de la isla de Citerea.
La Belleza y la rareza, lo distinto es bello y por raro es mejor. Las conchas
ordinarias valen poco, las raras por su escasez, por su tamaño, ya sea más
grande o más pequeño, su color, su forma o su simbología, valen mucho más.
La Belleza está unida conceptualmente a lo único o escaso, a lo distinto pero
dentro del Dogma propio y con el valor estético exigido por el mismo.
La concha es sagrada porque su imagen formal es muy similar a la vagina
de la madre a través de la cual aparecimos en el mundo, una puerta estrecha
por la cual varones y mujeres enfrentamos al mundo, lástima que no haya
otra para irnos del mismo, la Cripta es un regreso simulado al vientre anterior
a la concha de la Madre. Y es por eso que les sugiero que se vayan todos a la concha de su madre.Y hablando de caracoles, un amigo, al cual no puedo nombrar porque es
masón y ellos tienden a la discreción, me señaló que si uno los mira desde arriba, los caracoles desarrollan su caparazón hacia la derecha,todas las conchas helicoidales hacen el espiral hacia la derecha. Hay un plan General que tiende a la derecha???
Análisis: bb

El Arte, el Oro, el Museo y el Tesoro.

2010-07-03T19:36:00.000-03:00

Apuntes para una Teoría del Museo:
El Arte, el Oro, el Museo y el Tesoro.
La estatua criselefantina de Atenea, obra paradigmática de Fidias,
imagen que presidía la nave del Partenón, nave equivalente a la nave
que descansaba a los pies de la pirámide egipcia para el viaje
al inframundo; esa hermosa imagen dorada y adorada
desapareció porque era una escultura de 12 metros de alto con una
estructura de madera recubierta de oro y marfil, y por razones
obvias fue reducida a pequeñas piezas, equivalentes en peso, llamadas
monedas. En la obra de arte confluyen tres valores: el valor dogmático,
que es aquél que ilustra el Dogma sea religioso o político,
el valor estético, que es aquél que aplica el Canon, o sea la Norma
que establece el umbral de armonía que la cultura de referencia
exige y el valor de cambio, que es aquél representado por una materia
por escasa codiciada. Todo valor está basado en la Fe, el valor Dogmático,
el valor estético y el valor de cambio. Fe en un discurso religioso o político,
fe en una estética de relaciones armónicas con el Dogma y fe en
la materia por escasa codiciada. Esta última, el Oro, tiene por sustento
la creencia, por el pitagorismo expresada, que considera al mundo un
desarrollo en expansión a partir de la partición de la Unidad, dando como
resultado que a mayor partición, mayor impureza y menor verdad.
Llevando entonces a suponer que todo aquello raro,
por ser distinto y escaso,
está más cerca de la unidad, la verdad y la pureza, o sea, está más
cerca de Dios, al no estar tan particionado y mezclado con similares.
El valor dogmático es relativo por la crisis de fe al igual que el valor estético
En cambio el valor de cambio es inalterable porque su público
no pierde la fe en él. En el Oro, digo, en él no pierden la fe.
Análisis: bb

Caracoles del Museo del Bicho.

2010-07-03T19:35:00.001-03:00

Apuntes para una Teoría del Museo:
La Cripta y el Tesoro.
En la Acrópolis, el Partenón, Templo de Palas Atenea, tenía en su interior
una Sala presidida por una escultura criselefantina que representaba a la Diosa,
la escultura era de madera, estaba cubierta de oro y marfil y su autor fue Fidias.
Detrás de la cella donde se encontraba la escultura de 12 metros de la Diosa,
había una sala adyacente donde se guardaba el Tesoro de la ciudad. Como
en la Cripta egipcia, el arte, los dioses y oro estaban asociados al rito.
El Tesoro, la Cripta, el oro y el arte están asociados desde hace mucho.
Lo mejor del Dogma, custodiado por el Sacerdote, realizado por el mejor
artista y en la mejor materia, el oro, es lo que merece llevar el difunto.
Claro que si el valor artístico decae y el oro sigue valiendo, la pieza
se fundirá para dar lugar a la moneda, que en Roma se acuñaba en el
Templo de Moneta, la versión romana de Mnemosyne,
la Madre de las Musas,
aquellas que dieron lugar al Museion en la Biblioteca de Alejandría.
El oro y el marfil de la escultura de Atenea fue codiciado cuando el
Dogma religioso griego cayó en el descrédito, el invasor tiene otra fe,
siempre tiene otra y al Tesoro de Atenas nadie sabe quién se lo llevó.
El Arte, el oro, el tesoro, la cripta, el museo, el dogma, el sacerdote,
el canon y el artista. Son las categorías permanentes del rito.
Análisis: bb

Yarará en guaraní quiere decir soberbia.

2010-07-03T19:33:00.000-03:00

Apuntes para una Teoría del Museo:
Ya sea en el antiguo Egipto, donde el culto a los Muertos
era la Norma, como en Grecia y por ende en Roma, donde
si uno no coincidía con el Dogma era tratado de Bárbaro, como
también en el Cristianismo donde la Inquisición podía inquirir
detalles sobre la formulación de lo sagrado; en todas las culturas la
clase sacerdotal vela sobre la interpretación exacta del Dogma,
en la ejecución artística de los objetos simbólicos que acompañan
al Difunto al ultramundo. El ajuar de la momia es el primer Canon,
la primera lista de los objetos más valiosos, realizados por los
hombres de mayor talento y compuestos de los materiales
más nobles. Lo mejor, hecho por el mejor en el mejor material
conocido. La momia es la primera coleccionista. La Cripta el primer
Museo y el Sacerdote el primer curador. Curador que proviene
del latín CURATOR, que designa al ciudadano que se hace cargo
de un desvalido física o mentalmente, aquel desgraciado
sin Gracia que hoy sería por extensión el artista.
Análisis: bb

Amalita embalsamada

2010-06-17T10:48:00.000-03:00

Apuntes para una Teoría del Museo.
Informe de la Pequeña Cátedra sobre su visita a la Colección de Arte
Amalia Lacroze de Fortabat. II
La momificación en vida mediante la repetición de un tipo.
Amalita y las Divas son un intento de momificarse en vida repitiendo un tipo social
de éxito probado, tal es el caso de Marilyn. Andy Warhol se apropia del tipo
retratándola a Marilyn y momificándose como su pintor en la memoria de la Diva.
Amalita se hace retratar por él, por aquel que retrató a su tipo de origen.
Mediante clonaciones teatrales, apropiaciones parasitarias y cirugías estéticas
la muerte se aleja y la momificación avanza.
O incluso se juega a burlar la Muerte repitiendo un tipo que siempre vuelve a vivir.
Y si no me creen pregúntenle a Madonna.
Los arquitectos que quieren realizar Museos, o sea todos porque saben
que hoy el Museo es lo que era la Catedral en el Medioevo, deben tomar
en cuenta que el Deseo de la Cripta siempre está presente. En la Cripta
pública o privada de acceso libre o restringido se acumula el Arte que designará
aquello que el Difunto deberá llevar al Otro Mundo y si éste no existiera, designará
los fetiches artísticos que, con su resonancia dejarán una marcación, una cicatriz,
en la Memoria colectiva y en ella el Difunto que designa, quedará momificado.
El Arquitecto Rafael Viñoly realizó un magnífico edificio que apuntaba a una
cubierta corrediza para salones que terminaron vacíos, mientras que el nivel
del subsuelo, el sótano, la Cripta, terminó siendo la Sala Principal. Eduardo
Costantini ya tiene decidida su Cripta bajo la plaza que está al lado del Malba
y la Presidente Cristina, aspirante a Faraona, quiere construir su Cripta en la
Aduana Taylor y asociar el nombre de Siqueiros a un Museo Político. A pesar
de que la pieza del Maestro mexicano restaurada de política no tiene nada,
al ser un ejercicio Plástico y Erótico y ser, por esa calidad diferenciada,
más importante que cualquier otro mural que haya hecho. Cristina se
momifica en Siquieros al restaurar la fiesta sexual en lo de Botana.
Las Faronas embalsamadas, preservadas por el bálsamo.
El bálsamo es una secreción vegetal que contiene resina,
esencias aromáticas, alcoholes y ésteres, como el incienso.
La momia se cubría con bálsamos y del bálsamo se destila la
Esencia de Trementina la cual se usa para pintar al óleo,
y poder por fin retratar a la Faraona como ella se merece.
Análisis: bb

Amalita momificada.

2010-06-17T10:47:00.001-03:00

Apuntes para una Teoría del Museo.
Informe de la Pequeña Cátedra sobre su visita a la Colección de Arte
Amalia Lacroze de Fortabat.
La propuesta institucional llamada “Colección” ha sido ampliamente usada
en todo el mundo, así que si bien analizaremos la Colección Fortabat,
este análisis es válido para muchos otros casos. No se trata de un Museo, sino
de la Colección personal de la Faraona del Cementum, material básico constructivo
desarrollado en el Imperio Romano. No es un Museo porque el sacerdocio del Arte
no participó en el dogma artístico que se atesora en su vientre. La Colección se
critica mal porque el sacerdocio compuesto por los críticos del arte, los curadores,
los historiadores o conocedores no pudieron incidir sobre el gusto de la Faraona.
Pero el resultado no es tan desastroso como dicen, hay tres situaciones
en la Colección Amalia Lacroze de Fortabat a destacar:
Primero el intento vano de hacer un pequeño Louvre. Un delicioso Turner,
un vaso griego clásico, algunas piezas egipcias, un mosaico bizantino, una copia de
una pintura de Pieter Brueghel el Viejo hecha por su hijo, un Rodin, dos
estupendos Greuze, pintor rococó buenísimo y algo más, no da ni para
el vestíbulo del Louvre. El Pequeño Louvre clonado es un intento vano.
La segunda situación a destacar es la obediencia al Canon de los autores
fundacionales del siglo XIX y a los maestros nacionales, algunos en flagrante
olvido desde hace décadas. Mucho gaucho y paisaje del interior de autor gringo.
Y la tercera situación y la más interesante es que la mejor parte de la Colección
es para una lectura rocambolesca. Ocurre que la Faraona del Cementum usó gran
parte de la plusvalía generada por la explotación de su materia básica,
el mencionado Cementum, materia que permite que puedan ejercer su
oficio millones de albañiles, usó gran parte de dicha plusvalía en vivir holgadamente
y otra gran parte la usó para comprar Arte creado por militantes de izquierda.
El núcleo más importante de la Colección, son las magníficas obras de Antonio Berni
(Partido Comunista Argentino), Spilimbergo (Partido Comunista Argentino),
Carlos Alonso (Partido Comunista Argentino), Juan Carlos Castagnino
(Partido Comunista Argentino) y varios otros filoizquierdistas o progresistas
como Gorriarena, Noé, Seguí, etc., etc. etc., etc. etc., etc. etc., etc. etc., etc.
Todos cambiando de lugar político pero siempre en la izquierda ideológica.
Descarto desde ya una crítica de colaboracionismo a los artistas, los cuales
serán en otra oportunidad analizados en su relación con el Coleccionista.
Lo notable de esta Colección es que tiene piezas exquisitas de raíz popular
como las de Castagnino, otras antológicas como las de Berni y unas 14 pinturas
de Alonso extraordinarias y todas son un manifiesto en contra del mundo
que encarna la Faraona del Cementum. Creo que en ese gesto de la Colección,
el gusto de la Faraona reconoce al Arte que expresa el mundo que generó
esa fabulosa plusvalía, lo reconoce cargado de futuro y lo atrae a la Cripta
para momificarse en la Memoria Colectiva rodeada del Deseo de la Especie.
Sigue.
Análisis: bb

Pulpitos embotellados.

2010-06-12T14:09:00.000-03:00

Apuntes para una Teoría del Museo
El arte en todas las culturas estuvo asociado al rito religioso, al protocolo del Poder y al tránsito hacia la Muerte. Desde siempre y en todo lugar hasta la Revolución Francesa.Es por eso que la tumba o la cripta se llena de arte que acompaña al muerto hacia el otro mundo. El arte es la cualidad del hombre optimizada por el sacerdote.El sacerdote dictaba el Dogma y el artista lo ilustraba.
La Clase Sacerdotal del arte de hoy son: los conservadores, los curadores, los críticos de arte, los historiadores del arte,los profesores del arte, los mercaderes del arte, los coleccionistas del arte, los académicos de las Bellas Artes
y los funcionarios culturales. El sacerdote dictaba el Dogma y el artista lo ilustraba. Hoy el dogma no existe ante la crisis general de fe y la tensión con el
sacerdote se acentúa por deber construir ambos el dogma en forma permanente.
El Museo del Bicho
Pulpitos embotellados
Octopus tehuelchus.
La nación indígena suele acompañar al bicho.

La rana embotellada.

2010-06-04T21:45:00.000-03:00

El Bicho ya no se conserva en formol,
se lo embotella en alcohol y como
se agarra un pedo padre no termina
nunca de morirse. Hay en México una
bebida conchatumadre que tiene un
gusano adentro de la botella.
bb
Apuntes para una Teoría del Museo
El Museo y la Cripta tienen en común que contienen
las verdades de la vida y los secretos del mundo
de los muertos en el mejor Arte por el hombre
conseguido. El carácter de mejor se lo da la clase
sacerdotal y el artista debió y debe estar a la altura
de la demanda, para ocupar un lugar en la Cripta
antigua o en el Museo moderno. El arte dejó de
ocuparse directamente del rito de la muerte
pero sigue asociado a ella por la promesa de
trascendencia para el artista y su sacerdote asociado.
Análisis: bb

La del Mono

2010-06-03T14:02:00.001-03:00

Fichas de cátedra.
Hoy:
Pequeño alumno Bruno Sirota.

Apuntes para una Teoría del Museo:
El Museo es el Lugar donde la especie coloca
aquello que no debe dejar de recordar,
porque sin esas categorías recordadas
no tendría sentido su supervivencia.
Dichas categorías se cambian según
la conveniencia de la Especie.
bb

Variaciones sobre un esqueleto. Autor: Cecilio 5 años 4

2010-05-23T10:33:00.002-03:00

Apuntes para una Teoría del Museo:
En el Museo del Bicho el Hombre está coleccionado como Bicho. El Museo es la alcancía de las certezas de la Especie.El Museo de Historia Natural es una colección de muertos expuestos.El Museo de Historia Natural es una necrópolis argumentativa.
El Museo de Historia Natural les explica la Muerte a los niños.

Variaciones sobre un esqueleto. Autor: Cecilio 5 años 3

2010-05-23T10:33:00.001-03:00

Variaciones sobre un esqueleto. Autor: Cecilio 5 años 2

2010-05-23T10:31:00.000-03:00

Variaciones sobre un esqueleto. Autor: Cecilio 5 años

2010-05-23T10:29:00.000-03:00

Lechuzón en el Museiom.

2010-05-17T09:09:00.000-03:00

Museo proviene de Museiom, templo de las Musas,hijas de Mnemosyne, la Memoria.
El Museiom fue creado por Ptolomeo I sucesor de Alejandro Magno en el año 331 antes de Cristo. El Museiom en realidad era mucho más: era una biblioteca, un laboratorio, un zoológico, un observatorio, un jardín botánico y tenía comodidades para los sabios. El Museiom dio lugar a la llamada Biblioteca de Alejandría y ella conservó una parte que siguió llamándose Museiom. Estas instituciones, verdaderas herramientas sociales siguen teniendo vigencia y la prueba es la Universidad Nacional de La Plata que, salvo las comodidades para los sabios,lo demás lo tiene todo.
BB

Yarará en un botellón.

2010-05-17T09:08:00.001-03:00

Araña paraguaya

2010-05-17T09:07:00.000-03:00

Araña paraguaya.
(La nacionalidad suele extenderse al Bicho)
Apuntes para una Teoría del Museo.
El Museo unifica el discurso y organiza al mundo
conocido a favor o en contra de la especie.
El Museo muestra y esconde al mismo tiempo.
El Museo de Historia Nacional conserva el vestuario
y la utilería de la obra representada antaño.
En el Museo la especie conoce también los malos ejemplos
ya sean mostrados o marcados como ausentes.

Botellón

2010-05-16T22:55:00.000-03:00

Botellones

2010-05-16T22:53:00.000-03:00

Vampiro

2010-05-16T22:52:00.000-03:00